Musica

Negli anni '50, '60 e '70, Pannonica de Koenigswarter, nota come Nica, è stata una presenza costante e benevola della fiorente scena jazzistica newyorkese. Conosciuta come la Baronessa del Jazz, ha stretto legami di intensa amicizia con giganti come Thelonious Monk, Charlie Parker, Barry Harris, Art Blakey, Miles Davis, Bud Powell e molti altri. Ha ispirato più di venti composizioni jazz, ha pagato la cauzione ai musicisti, li ha accompagnati ai concerti sulla sua lussuosa macchina e ha persino fatto loro da agente. Ne ha anche ascoltato i desideri e i sogni. Nel corso di un decennio, Pannonica ha chiesto a circa trecento musicisti quali fossero i loro tre più grandi desideri nella vita, annotandoli su due grandi quaderni. Allo stesso tempo ha scattato centinaia di fotografie spontanee, conservandole e incollandole accanto ai desideri. In questo libro, che riproduce con fedeltà tali leggendari e preziosi quaderni, la Koenigswarter ci si addentra nella psiche e nella vita di questi leggendari artisti. Con un'introduzione della nipote di Nica, Nadine, che fornisce rare informazioni sulla vita della misteriosa baronessa, questa raccolta divertente, eclettica e commovente è uno sguardo unico e intimo sugli immortali dell'era classica del jazz, e un must per ogni fan o appassionato che si rispetti.

Combattive femministe: una storia di donne, musica, sesso Dal Blues al Rap, passando dal Rock alla Disco e al Punk, di storie delle donne nella musica ne esistono già. Ma questa è tutta un'altra storia: è una storia ribelle e controcorrente su tutte quelle musiciste – e icone – che hanno cambiato la nostra realtà e ci hanno dati gli strumenti per demolire lo stereotipo dell'angelo del focolare. Donne che hanno cambiato il mondo facendo esplodere delle bombe nelle nostre orecchie e incendiando le nostre pupille. La Rata descrive ognuna di loro con amore, e le disegna come delle dee. Perché lo sono. Questo libro parla di musica popolare, di cantanti dalla pessima reputazione, di femminismo radicale e di sesso. Soprattutto di sesso. È una controstoria della musica occidentale mainstream, e al tempo stesso un omaggio colmo di gratitudine per tutte le musiciste che hanno alzato il volume della nostra vita e dei nostri desideri. Le donne che ballano e cantano seminude parlando di sesso lo fanno soprattutto per le donne. Che poi gli uomini se ne siano approfittati è un effetto secondario. Non hanno mai capito molto di quel che stava succedendo, ma noi sì. Sappiamo che hanno ballato per noi, cantato per noi, ci hanno attraversato con la loro musica e hanno abbattuto le barriere della «rispettabilità» per inventare altri modi di godersi la vita e il sesso. Hanno incarnato il femminismo che noi viviamo oggi. Ed è questo che viene loro rimproverato. Ma è anche ciò che fa sì che noi non possiamo immaginare la nostra vita senza la loro presenza e la loro voce.

Dicembre 1974. La casa discografica Numero Uno pubblica il nuovo album di Lucio Battisti. È un disco molto atteso. L’anno precedente Battisti aveva piazzato contemporaneamente al primo e secondo posto delle hit parade ben due 33 giri, un evento raro e difficilmente ripetibile da qualsiasi altro artista. Uno era il mio canto libero, uscito nel novembre del 1972, l’altro il nostro caro angelo, pubblicato appena nove mesi dopo, nel settembre del 1973. Con quegli album Battisti aveva consolidato la sua fama di autore di brani capaci di arrivare al grande pubblico, senza concessioni e cadute di gusto. Il 1973 fu l’anno delle hit a 45 giri “Il mio canto libero” e “La collina dei ciliegi”; dal nuovo disco in uscita tutti si aspettavano altre grandi canzoni. Ma Battisti spiazzò tutti, anche lo stesso Mogol. Realizzò un concept album all’altezza del progressive internazionale più all’avanguardia, non ebbe esitazioni a buttare giù la sua statua, nascondendo la voce e i testi criptici e magnifici di Mogol fra strumenti dal suono bucolico e musica elettronica, sospesi fra le campagne di Poggio Bustone e la frenesia metropolitana di Londra. “Anima Latina. Anatomia di un capolavoro” racconta, con le testimonianze di chi ha contribuito a realizzarlo, la genesi e la storia di quel disco, una delle vette espressive più alte mai raggiunte dal binomio Battisti-Mogol, un album visionario e inquieto che ancora oggi, a distanza di 50 anni, profuma di futuro.

La chitarra è un’amante e una bestia formidabile. Di volta in volta dev’essere addomesticata oppure eccitata fino al parossismo. Suonare la chitarra su un palco è una forma d’arte che combina suono e ritmo, armonia e melodia, serietà e irriverenza con sfacciataggine, tono e pose. Il chitarrista rock attrae caos e ordine in egual misura, alla ricerca della perfetta formulazione musicale.

Dalla penna di uno dei più importanti critici musicali italiani, il racconto vivido, intimo ed eternamente innamorato dei più grandi jazzisti internazionali: da Miles Davis a Keith Jarrett, da Louis Armstrong a Chet Baker, da Ella Fitzgerald a Ornette Coleman. Una raccolta di storie, fotogrammi e dialoghi preziosi, costruiti sulla competenza ma anche sull’istinto, un pezzo di storia del giornalismo che ha fatto dell’esperienza dal vivo, dell’ascolto ininterrotto – anche a distanza di migliaia di chilometri o di decenni – la pietra angolare della propria ricerca. Un compendio estremamente ricco e particolareggiato della musica jazz, della sua evoluzione e dei suoi più grandi protagonisti, ma anche l’esempio di come lo sguardo del critico sappia intrecciare vite e voci, unendovi la propria. “Il jazz aveva di speciale il suono spericolato e travolgente degli strumenti, la voce riconoscibile di una persona attraverso la sua tromba o il suo sassofono. C’erano, ci sono i cantanti, e anche loro improvvisano frasi, scat, suoni e urla come se fossero strumenti a fiato. Ma il fatto che rendeva più romantici quegli ‘strani’ musicisti era il mistero, l’essere sempre in bilico tra inferno e paradiso, genio e follia.” (Giacomo Pellicciotti)

Il jazz non è solo un semplice genere musicale, ma è una vera forma d’arte che comprende amore, passione, immaginazione, spiritualità e tanto altro ancora. Questo volume aiuterà il lettore a immergersi nel mondo della musica jazz e a conoscere tutte le personalità leggendarie che hanno fatto la storia della musica, da Jelly Roll Morton in poi.

La storia di Kurt Cobain e dei Nirvana raccontata attraverso le parole di Ernesto Assante. Questo libro è un omaggio all’artista e all’uomo, ma anche un modo per scoprire l’ultima band che ha dato voce al rock nel ventesimo secolo: i Nirvana. In questo volume si intrecciano il dolore e la passione di un ragazzo problematico per il quale la musica è stata un’ancora di salvezza che, alla fine, non è riuscita a salvarlo. Questa biografia di Kurt Cobain esce a 30 anni dalla sua morte e racconta l’ascesa e la caduta di un idolo, ma diventa anche un emozionante viaggio nel grunge, un genere che ha cambiato per sempre il volto del rock.

C’è chi ha assistito alla fuga da un battello parigino di Marcello Mastroianni e Mario Monicelli al grido “Mejo una gricia!”; altro che nouvelle cuisine. C’è chi non ha mai visto Monica Bellucci senza tacchi; nuda sì, ma sempre con i tacchi, “anche quando fa la doccia”. C’è chi ha vissuto gli anni Ottanta come una perfetta cartolina dell’edonismo senza limiti, tra un taaac, una festa, cocaina servita dentro le zuppiere, la malavita accanto e le gare di whisky a gogò sott’acqua. Poi il palco: c’è chi l’ha calcato e temuto tutta la vita, perché il vero artista non si abitua alla liturgia del sipario e non dà mai per scontate quelle assi, “altrimenti te se magnano”, parola di Gigi Proietti. C’è invece chi, come Ettore Scola, sosteneva: “Io sono di una generazione dove il lettino dello psicologo era la sedia del barbiere”. Ma la sedia del barbiere era pure un passaggio in tram dove tra una fermata e l’altra si guardava la città e si conosceva il prossimo. Senza cuffie nelle orecchie. “Papà non amava la montagna perché non aveva il tram. L’esistenza, quella reale, era il tram, non gli uccellini. Non voleva fuggire dalla vita di tutti”, racconta Paolo Jannacci, figlio di Enzo. Leggere questo libro significa salire, sedersi senza essere avvolti dalla fretta. Meglio leggerlo con calma, un pezzetto alla volta, un nuovo mondo aperto quando se n’è chiuso un altro; poi una pausa, una riflessione, la possibilità di guardare cosa accade attorno e magari condividere con il vicino le proprie emozioni a partire da un “Non sai cos’è successo…”. Questo libro è un “tram” popolato di storie. Un tram nel quale in otto anni di interviste sul Fatto Quotidiano sono saliti 400 protagonisti del cinema, dello spettacolo, della televisione, dello sport e della letteratura. Con tutto il loro bagaglio di vita.

Raccontato in modo accessibile attraverso gli esempi di città di tutto il mondo - tra cui Londra, Melbourne, Nashville, Austin e Zurigo - "Ecosistemi musicali" assume una prospettiva globale sul modo in cui la musica - anzi l'ecosistema musicale - è parte integrante della vita quotidiana e della politica, ma continua a essere trascurata dalle politiche pubbliche. Il termine ecosistema musicale si riferisce all'insieme di interazioni complesse tra vari elementi che compongono il panorama della musica. Questi elementi includono musicisti, compositori, produttori, case discografiche, distributori, promotori, piattaforme di streaming, fan e altri attori coinvolti nella creazione, distribuzione e consumo della musica. Sostenendo il ruolo trasformativo di artisti e musicisti in un mondo post-pandemico, Shain Shapiro non solo riafferma l'importanza critica della musica e della cultura nella formazione e nell'autoconsapevolezza di una cittadinanza, ma serve anche come guida per gli amanti della musica, gli artisti e gli attivisti di tutto il mondo per consolidare il processo di reinvenzione delle comunità in cui vivono.

La storia della leggendaria band inglese che ha rivoluzionato il panorama rock prima britannico e poi mondiale degli anni Novanta e Duemila: gli Oasis. Alessio Cacciatore e Giorgio Di Berardino ci portano al bancone dei pub, sui palchi dei club e lungo le strade dell'Inghilterra profonda, raccontando la vita e le avventure “sopra le righe” dei fratelli Liam e Noel Gallagher, attraverso gli occhi di chi li ha fiancheggiati nel loro percorso: i genitori, gli amici d’infanzia, le line up. Il chitarrista Bonhead, il bassista Guigsy, i batteristi Tony McCarroll e Alan White. Lo storico manager Marcus Russel e la Creation Records di Alan McGee. E ancora Manchester e l’ecstasy nei primi anni Novanta, le scene baggy e Madchester che li hanno forgiati, la faida con i Blur e la guerra continua tra fratelli, dall’apoteosi del Britpop all’inevitabile scioglimento nel nuovo millennio. Tra scontri sopra e sotto il palco, dentro e fuori i camerini, con gli eccessi e la sregolatezza costantemente presenti come spiriti guida. A testa alta e fuori di testa, grazie a un sacco di pezzi eccezionali e alla loro particolare attitudine, gli Oasis hanno raggiunto la gloria provando a tenersela a denti stretti. Fino alla clamorosa ed epocale reunion del 2025. Per tributare il giusto riconoscimento a una stagione irripetibile della musica, e a milioni di fan che in tutto il mondo ancora oggi sognano una vita da rock ‘n’ roll star.

Il suono non è soltanto musica, volume o rumore. Il suono è un’arma. O quantomeno così la vedono gli eserciti e le polizie che in tutto il mondo sperimentano le cosiddette «armi sonore»: dalle sonic bombs fatte esplodere sulla Striscia di Gaza alla «coercizione psicoacustica» studiata dall’esercito USA, dalla musica metal sparata a volume altissimo come forma di tortura nei confronti dei detenuti alle alte frequenze utilizzate contro gli adolescenti britannici nei centri commerciali, il suono può in effetti essere impiegato per produrre disagio psicofisico, esprimere una minaccia e creare un’atmosfera di terrore. E il potere lo sa. Dall’altro lato della barricata, però, stanno i musicisti, i dj e i produttori che quelle stesse armi hanno deciso di rivolgerle contro le forze che, controllando la tecnologia, controllano le nostre vite. Le basse frequenze dei sound system dub, la guerriglia ritmica della techno, il virus mutante dell’hip hop sono la prova che, nel conflitto sonico in corso, un’altra frequenza è possibile.