Musica

“Mina. La voce del silenzio” è il ritratto collettivo di un mito. Un viaggio nella musica, la televisione e la cultura italiane degli ultimi settant’anni per capire davvero chi è, fuori e dentro la sua leggenda, Mina. A partire da quel giorno dell’estate 1958, quando «nasce» sul palco della Bussola di Marina di Pietrasanta, la presenza di Mina ha trasformato per sempre il modo di percepire la musica degli italiani. È impossibile isolare un solo aspetto della rivoluzione che la sua vita e la sua carriera hanno rappresentato: l’eleganza dei movimenti di fronte alle telecamere, con cui ha incantato generazioni davanti allo schermo; lo stile inconfondibile del trucco, dei capelli e dei vestiti, replicato e imitato ma mai davvero superato; l’ironia e l’intelligenza, sue grandi alleate; la dizione, con cui ha esaltato le parole dei grandi autori che hanno scritto per lei, da Mogol a Cristiano Malgioglio, da Fabrizio De André a Lina Wertmüller; il suo modo unico di cantare, che ancora oggi, dopo innumerevoli ascolti, ci ammutolisce. Nei decenni ha inciso oltre cento album e interpretato mille canzoni, è stata sex symbol e madre, femminista e tradizionalista, attrice e imprenditrice, protagonista di ogni programma televisivo e voce totale lontana dai riflettori. Questo volume, aperto dalla prefazione di Ivano Fossati, esplora i tanti volti della figura carismatica e sfuggente di Mina: dal successo, giovanissima, al ritiro dalle scene a nemmeno quarant’anni; dalle ovazioni al culto sofisticato e sotterraneo; dalla fascinazione per il jazz alle copertine che ne distorcono e reinventano l’immagine; dagli editoriali per riviste e quotidiani ai musicarelli. Un libro che è un’ode alla meraviglia cangiante di un personaggio unico: perché nel trasmutarsi continuo di musica e società, moda e gusto, solo la camaleontica Mina ha saputo trovare un modo per rimanere «Mina», sempre e comunque. Prefazione di Ivano Fossati.

Pensieri, versi, suggestioni, epifanie e sogni. Quante forme può assumere la parola libera, che nasce dal bisogno di portare fuori di sé ciò che si prova? Erika Mineo, in arte Amara, è una musicista che con le parole lavora, per farle dialogare con le melodie, con le note. Eppure questa forma artistica non è sufficiente a raccogliere l’immensità espressiva che lo spirito umano, nel dialogo con sé stesso, con la natura, con il trascendente, produce. In questo prezioso libro, costruito con la spontanea immediatezza di un taccuino – un «Vomitapensieri», lo chiama Amara – si raccolgono le riflessioni, le preghiere, gli inabissamenti che nella quotidianità, senza preavviso e senza scopo, modulano il suo stato d’animo, il suo afflato nei confronti del mondo. Amore, fede, dolore, speranza, verità, ricerca. Terra, fuoco, aria, acqua. Le parole si aggregano e sciolgono come stormi di uccelli attorno ai temi e alle suggestioni più universali, eppure capaci di tradursi in un’autobiografia personalissima, emotiva e spirituale. La porta di accesso al nocciolo del sentire di una delle artiste più ispirate e intense della musica italiana.

La straordinaria vita di Dave Gahan, frontman dei Depeche Mode, è una storia con pochi eguali nel mondo del rock

Gli anni '80 furono un'epoca di eccessi, trucco, spandex, capelli cotonati, groupie e rumoroso rock 'n' roll dominato dalla chitarra. Il fotografo Mark Weiss visse nel cuore di tutto questo, documentando le più grandi e pericolose band dell'epoca: autentiche leggende che vanno dai Van Halen a Ozzy Osbourne, dagli Aerosmith a Mötley Crüe, Metallica, Guns N' Roses, Bon Jovi, KISS e tantissimi altri il cui sound e l'immagine caratterizzarono quell'epoca. The Decade that Rocked ci mostra momenti sul palco e nel backstage, con alcune immagini inedite di concerti, tour e copertine di album diventati multiplatino, tutti catturati attraverso l'obiettivo di Mark "Weissguy" Weiss. Cresciuto a Matawan, nel New Jersey, da ragazzino Mark fece un accordo con il vicino di casa che, in cambio del taglio del prato per tutta la stagione estiva, gli diede una macchina fotografica da 35 mm. Passò quindi le sue serate da adolescente intrufolandosi ai concerti per fotografare le grandi band degli anni '70. Dopo essere stato arrestato nel 1977 per aver venduto fotografie all'esterno di un concerto dei KISS, si presentò negli uffici di Circus riuscendo a far pubblicare una sua foto nel paginone centrale: era uno scatto di Steven Tyler degli Aerosmith. Poco dopo entrò nello staff della rivista come fotografo. Negli anni seguenti, Mark divenne una star a pieno titolo grazie a un sondaggio indetto dalla rivista Creem, che lo elesse come uno dei migliori fotografi rock dell'epoca. Per tutti gli anni '80 le sue foto vennero viste da milioni di persone e pubblicate su innumerevoli riviste in tutto il mondo e sulle copertine degli album più iconici di quel decennio. Viaggiò sui tour bus in compagnia di leggendari musicisti mentre raggiungevano gli stadi e le arene sold-out, vivendo e respirando lo stile di vita rock 'n' roll da un punto di vista impareggiabile che gli permise di catturare quei momenti su pellicola. Scavate negli archivi di Mark e guardate alcune foto mai viste prima di Jon Bon Jovi con la sua prima band, i The Rest dal New Jersey, un dietro le quinte con immagini mai pubblicate della foto session per l'album Slippery When Wet e ancora scatti dello storico show di fine decennio al Moscow Music Peace Festival. Rivivete lo storico Heavy Metal Day allo US Festival del 1983. Entrate nel backstage con i Black Sabbath al Live Aid e con i Van Halen durante i loro più grandi tour. Viaggiate fino a Washington DC, come fece Dee Snider dei Twisted Sister, per combattere nelle famigerate udienze del PMRC contro la censura. Il tutto catturato dal punto di vista unico di un fotografo che ha vissuto e respirato gli anni '80 in tutta la loro gloria ed energia. "The Decade That Rocked" vi farà rivivere i suoni e le immagini che hanno cambiato per sempre il mondo dell'Hard Rock e del Metal. Prefazione di Rob Halford. Postfazione di Eddie Trunk.

"La voce è la mia identità, lo è sempre stata. Sin da quando ho cominciato a cantare, quello che cercavo non era il consenso, ma la mia voce. Solo mia. La senti e riconosci Venditti. La sento e mi riconosco Antonello." Le parole di un viaggiatore della vita e della musica che, vigile sul passato e immerso nel presente, è sempre rivolto al futuro. In questo libro illustrato Antonello Venditti parla di sé stesso e della sua indivisibilità dalla musica, a partire dalle fotografie che "fermano l'attimo, ma non lo colgono", non raccontano quello che c'è dietro, i pensieri, il prima e il dopo, tutto ciò che è fuori fuoco e sconosciuto a chi guarda. Da questo assunto e dall'album di famiglia, Antonello parte per ripercorrere la sua vita di uomo e di artista: gli anni solitari dell'adolescenza, in cui la voce e i tasti gli sono serviti per trovare un posto nel mondo, la formazione musicale e gli anni Settanta, gli incontri memorabili. Un'occasione unica per entrare nelle sue canzoni attraverso i ricordi, le passioni, gli amuleti - i cappelli e gli occhiali -, i colleghi e gli amici - Lucio Dalla, Francesco De Gregori, Ivan Graziani, Gato Barbieri, Billy Joel. Dal Folkstudio al Palalido, dagli stadi al Circo Massimo, il percorso di un artista che attraverso la musica ha creato storie, che sono ormai le storie di tutti noi, e ha affrontato con sincerità e passione temi sociali, politici, esistenziali, riuscendo a fissare emozioni universali e molte vicende italiane degli ultimi cinquant'anni. E che continua a tenere gli occhi puntati all'orizzonte, perché "i curiosi guardano sempre avanti".

"Note di Natale" è un viaggio attraverso la genesi e le storie, spesso curiose e sorprendenti, da cui sono scaturite le melodie che da decenni accompagnano le festività natalizie, nonché un racconto esaustivo e intrigante delle vite di autori, compositori e interpreti che le hanno rese immortali. Tra le novantacinque opere prese in considerazione, troviamo classici intramontabili come Silent Night e Jingle Bells, antiche carole e grandi successi di interpreti leggendari quali Frank Sinatra e Bing Crosby. Ma non è tutto: l'attenzione si focalizza inoltre sui classici moderni": Happy Xmas di John Lennon, All I Want for Christmas Is You di Mariah Carey e Last Christmas dei Wham, con il compianto George Michael. Ogni racconto è il frutto di ricerche appassionate, che analizzano il contesto storico e culturale in cui sono nati questi canti, celebrandone l'ineffabile diversità culturale. E il libro si rivela, allora, non solo un florilegio di aneddoti, bensì un vero e proprio tributo alla magia del Natale e alla musica che la rende così speciale. Per ognuno dei novantacinque brani è presente un QR code e un link a YouTube per ascoltarne una delle versioni più famose. Riccamente illustrato, il volume si conclude con tre playlist su Spotify, che regalano una colonna sonora per un Natale ancora più musicale, felice e… consapevole. Prefazione di Arturo Stàlteri.

Negli anni '50, '60 e '70, Pannonica de Koenigswarter, nota come Nica, è stata una presenza costante e benevola della fiorente scena jazzistica newyorkese. Conosciuta come la Baronessa del Jazz, ha stretto legami di intensa amicizia con giganti come Thelonious Monk, Charlie Parker, Barry Harris, Art Blakey, Miles Davis, Bud Powell e molti altri. Ha ispirato più di venti composizioni jazz, ha pagato la cauzione ai musicisti, li ha accompagnati ai concerti sulla sua lussuosa macchina e ha persino fatto loro da agente. Ne ha anche ascoltato i desideri e i sogni. Nel corso di un decennio, Pannonica ha chiesto a circa trecento musicisti quali fossero i loro tre più grandi desideri nella vita, annotandoli su due grandi quaderni. Allo stesso tempo ha scattato centinaia di fotografie spontanee, conservandole e incollandole accanto ai desideri. In questo libro, che riproduce con fedeltà tali leggendari e preziosi quaderni, la Koenigswarter ci si addentra nella psiche e nella vita di questi leggendari artisti. Con un'introduzione della nipote di Nica, Nadine, che fornisce rare informazioni sulla vita della misteriosa baronessa, questa raccolta divertente, eclettica e commovente è uno sguardo unico e intimo sugli immortali dell'era classica del jazz, e un must per ogni fan o appassionato che si rispetti.

Ogni giorno la gente s’incontra, ma solo poche volte l’incontro è speciale. Può cambiare l’umore, altre volte la giornata. Ma quando i pianeti si allineano – e la fortuna per una volta ci vede benissimo – riesce addirittura a cambiare il mondo. La musica pop rock del Novecento ha offerto da sempre una lunga serie di momenti in cui il destino di due o più personaggi ha intrecciato le sue fila, dando vita a scenari nuovi, inaspettati, che hanno contribuito a dare una direzione precisa al flusso inarrestabile e mutevole della storia. Nice To Rock You racconta 30 incontri fortunati tra grandi protagonisti del pop rock, senza i quali le pagine di storia racconterebbero vicende diverse. Sono incontri tra artisti che hanno dato vita a sodalizi storici, tra produttori, manager e future rockstar, amicizie nate sui banchi di scuola e trasformatesi in liaison musicali leggendarie, love story che si sono suggellate sul palco o incontri fortuiti tra sconosciuti. L’opera è impreziosita da un ricco apparato iconografico e da brani ascoltabili tramite QR code, quasi una colonna sonora delle storie stesse.

Combattive femministe: una storia di donne, musica, sesso Dal Blues al Rap, passando dal Rock alla Disco e al Punk, di storie delle donne nella musica ne esistono già. Ma questa è tutta un'altra storia: è una storia ribelle e controcorrente su tutte quelle musiciste – e icone – che hanno cambiato la nostra realtà e ci hanno dati gli strumenti per demolire lo stereotipo dell'angelo del focolare. Donne che hanno cambiato il mondo facendo esplodere delle bombe nelle nostre orecchie e incendiando le nostre pupille. La Rata descrive ognuna di loro con amore, e le disegna come delle dee. Perché lo sono. Questo libro parla di musica popolare, di cantanti dalla pessima reputazione, di femminismo radicale e di sesso. Soprattutto di sesso. È una controstoria della musica occidentale mainstream, e al tempo stesso un omaggio colmo di gratitudine per tutte le musiciste che hanno alzato il volume della nostra vita e dei nostri desideri. Le donne che ballano e cantano seminude parlando di sesso lo fanno soprattutto per le donne. Che poi gli uomini se ne siano approfittati è un effetto secondario. Non hanno mai capito molto di quel che stava succedendo, ma noi sì. Sappiamo che hanno ballato per noi, cantato per noi, ci hanno attraversato con la loro musica e hanno abbattuto le barriere della «rispettabilità» per inventare altri modi di godersi la vita e il sesso. Hanno incarnato il femminismo che noi viviamo oggi. Ed è questo che viene loro rimproverato. Ma è anche ciò che fa sì che noi non possiamo immaginare la nostra vita senza la loro presenza e la loro voce.

Dicembre 1974. La casa discografica Numero Uno pubblica il nuovo album di Lucio Battisti. È un disco molto atteso. L’anno precedente Battisti aveva piazzato contemporaneamente al primo e secondo posto delle hit parade ben due 33 giri, un evento raro e difficilmente ripetibile da qualsiasi altro artista. Uno era il mio canto libero, uscito nel novembre del 1972, l’altro il nostro caro angelo, pubblicato appena nove mesi dopo, nel settembre del 1973. Con quegli album Battisti aveva consolidato la sua fama di autore di brani capaci di arrivare al grande pubblico, senza concessioni e cadute di gusto. Il 1973 fu l’anno delle hit a 45 giri “Il mio canto libero” e “La collina dei ciliegi”; dal nuovo disco in uscita tutti si aspettavano altre grandi canzoni. Ma Battisti spiazzò tutti, anche lo stesso Mogol. Realizzò un concept album all’altezza del progressive internazionale più all’avanguardia, non ebbe esitazioni a buttare giù la sua statua, nascondendo la voce e i testi criptici e magnifici di Mogol fra strumenti dal suono bucolico e musica elettronica, sospesi fra le campagne di Poggio Bustone e la frenesia metropolitana di Londra. “Anima Latina. Anatomia di un capolavoro” racconta, con le testimonianze di chi ha contribuito a realizzarlo, la genesi e la storia di quel disco, una delle vette espressive più alte mai raggiunte dal binomio Battisti-Mogol, un album visionario e inquieto che ancora oggi, a distanza di 50 anni, profuma di futuro.

La chitarra è un’amante e una bestia formidabile. Di volta in volta dev’essere addomesticata oppure eccitata fino al parossismo. Suonare la chitarra su un palco è una forma d’arte che combina suono e ritmo, armonia e melodia, serietà e irriverenza con sfacciataggine, tono e pose. Il chitarrista rock attrae caos e ordine in egual misura, alla ricerca della perfetta formulazione musicale.

Dalla penna di uno dei più importanti critici musicali italiani, il racconto vivido, intimo ed eternamente innamorato dei più grandi jazzisti internazionali: da Miles Davis a Keith Jarrett, da Louis Armstrong a Chet Baker, da Ella Fitzgerald a Ornette Coleman. Una raccolta di storie, fotogrammi e dialoghi preziosi, costruiti sulla competenza ma anche sull’istinto, un pezzo di storia del giornalismo che ha fatto dell’esperienza dal vivo, dell’ascolto ininterrotto – anche a distanza di migliaia di chilometri o di decenni – la pietra angolare della propria ricerca. Un compendio estremamente ricco e particolareggiato della musica jazz, della sua evoluzione e dei suoi più grandi protagonisti, ma anche l’esempio di come lo sguardo del critico sappia intrecciare vite e voci, unendovi la propria. “Il jazz aveva di speciale il suono spericolato e travolgente degli strumenti, la voce riconoscibile di una persona attraverso la sua tromba o il suo sassofono. C’erano, ci sono i cantanti, e anche loro improvvisano frasi, scat, suoni e urla come se fossero strumenti a fiato. Ma il fatto che rendeva più romantici quegli ‘strani’ musicisti era il mistero, l’essere sempre in bilico tra inferno e paradiso, genio e follia.” (Giacomo Pellicciotti)