Storia dell'arte: stili artistici

Combinando interviste inedite, immagini mai viste prima e affascinanti cimeli, questo libro è una testimonianza della vita e del lavoro straordinari di una delle nostre artiste più coraggiose e innovative. Accettando di rispondere a qualsiasi domanda le venisse posta, la Abramovic si è impegnata in 17 mesi di interviste condotte dalla sua amica e confidente Katya Tylevich. Il risultato è una retrospettiva monolitica che ci porta dagli umili inizi di una bambina timida seduta in fondo alla classe, a una pioniera senza paura, che conquista e sovverte il mondo dell’arte con performance che superano i limiti, per concludere con la sua esperienza personale più profonda. Oltre 600 immagini tratte dagli archivi personali della Abramovic incendiano questi ricordi accattivanti, creando un affascinante paesaggio visivo e dimostrando la natura inestricabilmente intrecciata della sua vita e del suo lavoro. Un viaggio intimo e mozzafiato, che ci conduce attraverso deserti, oceani e città per esplorare alti e bassi estremi, meravigliandoci al tempo stesso di come la Abramovic affronti ogni successo e contrattempo con l’umorismo e l’arguzia che la contraddistinguono. Senza mai sottrarsi alla verità, non si lascia nulla di intentato e l’intrepidezza della Abramovic impregna ogni pagina.

Esiste una sorprendente armonia di forme e proporzioni in natura: la stessa che riconosciamo nelle arti più antiche e nella loro evoluzione. Grazie a stupendi disegni e finissime illustrazioni, Disegnum ci guida a esplorare i fondamenti matematici e geometrici della bellezza visiva: dalle meravigliose creazioni degli antichi Celti e degli artisti islamici, ai misteri delle decorazioni curvilinee, agli effetti ottici della prospettiva. Scopriremo poi il fascino ordinato della simmetria e il multiforme rigore della sezione aurea, che opera nella natura e nelle arti.

Il progetto Les portes du rêve. 1924-2024: il surrealismo attraverso le sue riviste è stato pensato in occasione della ricorrenza del centenario della pubblicazione del primo Manifeste du surréalisme (15 ottobre 1924), proponendosi una rivisitazione delle varie componenti di carattere culturale (artistico, letterario, teatrale, fotografico e cinematografico, ma anche filosofico-politico e ideologico) che hanno contribuito a determinare uno specifico "spazio" della creatività occupato dall'esperienza surrealista. Un'esperienza che è stata percepita come particolarmente problematica e inquietante proprio per la ricchezza degli apporti che ha saputo catalizzare, e che ha determinato le reazioni più diverse: dall'adesione entusiastica e acritica alle polemiche più aspre fino alla condanna e al rifiuto, anche in termini politici. Il volume intende rileggere la parabola del movimento attraverso lo studio di alcune riviste animate dai suoi componenti, vale a dire i prodotti collettivi che più efficacemente ne hanno rivelato la complessità interdisciplinare e la forza teorica, ma anche le contraddizioni e i conflitti interni. Se la straordinaria mostra "Dada and Surrealism Reviewed" curata da Dawn Ades nel lontano 1978 (Arts Council of Great Britain, London) metteva a fuoco per la prima volta la centralità dei periodici nell'economia complessiva del movimento, Rosalind Krauss non esita a definire queste pubblicazioni "il vero oggetto surrealista", opere d'arte in sé stesse che sfidano le convenzioni e i confini disciplinari per mescolare i linguaggi e le forme espressive. Dai saggi riuniti in questo volume emerge d'altra parte il ruolo svolto dalle riviste in qualità di veri e propri laboratori del surrealismo.

Leonardo da Vinci (1452-1519), il più grande artista di tutti i tempi, è stato anche uno scienziato. Grazie ai suoi studi e alla sua incolmabile curiosità ha unito, come mai nessuno prima, arte scienza e tecnologia diventando anche il primo designer della storia. Ci ha lasciato migliaia di documenti, una produzione sterminata di disegni e meccanismi, una raccolta di “macchine” sorprendenti. Questo libro, realizzato con tecniche innovative di riproduzione tridimensionale su carta, evidenzia quanto ciò che viene mostrato spesso nei musei sia solo la punta dell'iceberg. Ripercorre ogni tappa del suo lavoro, ricostruendo quanto sembrava fino a oggi un enigma, correggendo idee superate e immagini stereotipate. Il Leonardo scienziato è il precursore delle moderne metodologie STEAM: Scienza, Tecnologia, Ingegneria e Matematica. Il Leonardo scienziato ha aiutato il Leonardo artista e viceversa. Le sue macchine sono una fonte di ispirazione per ingegneri, scienziati ed artisti; ci trasportano in un mondo meraviglioso nutrito di studio e curiosità, veri “motori” della creatività.

La grafica nel corso del Novecento ha contribuito a configurare il paesaggio quotidiano dell'Italia moderna. Manifesti, marchi, caratteri tipografici, imballaggi, copertine di libri e riviste hanno popolato lo spazio pubblico e privato degli italiani, imprimendosi nella memoria collettiva. Grafica italiana del '900 offre un percorso cronologico e critico della grafica in Italia, che include questioni e vicende finora rimaste escluse dalle trattazioni più generali. Partendo dal periodo tra le due guerre mondiali, con al centro l'eredità del futurismo e la grafica razionalista di “Casabella” e “Campo Grafico”, il volume affronta poi il periodo del secondo dopoguerra e del miracolo economico, quando emergono, tra gli altri, autori quali Carboni, Grignani, Huber, Lamm, Klinz, Pintori, Munari, Noorda, Steiner e Vignelli. Il libro prosegue con la stagione dell'impegno, tra politica, controculture e “pubblica utilità” e si chiude con gli ultimi due decenni del secolo, caratterizzati dal postmodernismo e dalle prime sperimentazioni della grafica digitale.

Il mondo, per chi lo sa guardare, rivela dimensioni del bello spesso impercettibili a occhio nudo. Il bello che, quando si accende, porta salvezza. Il bello a cui Philippe Daverio ha dedicato la vita. Una visione appassionata, un rigore pieno di ironia, una curiosità eclettica che ritroviamo in questo volume ispirato alla celebre trasmissione televisiva Passepartout. Si va dalla Venezia di Canaletto alla Roma di Caravaggio, dalla Siena del Medioevo alla Genova del “secolo d’oro”, dalla Napoli dei Borbone alla Bologna dei Carracci e alla Mantova dei Gonzaga: un viaggio alla scoperta delle più importanti città italiane attraverso artisti, monumenti, antiche dimore e corti di mecenati. In compagnia della sua voce inconfondibile, visitiamo luoghi e conosciamo pittori, incrociamo biografie e scopriamo movimenti, ci soffermiamo su singole opere e componiamo grandi affreschi, scopriamo «l’allodola che salvò Brera» e i «piedi più sporchi della storia dell’arte». Seguendo le sue divagazioni, esploriamo il mondo senza paura di perderci, certi di arrivare sempre al cuore della questione. Un volume elegante, agile e veloce come lo sguardo di Daverio, così sapiente nel posarsi su ciò che è rilevante anche quando è solo un dettaglio, un segreto nascosto, un lampo che attraversa la scena. Il suo modo di narrare l’arte – e con l’arte la storia, la geografia, la filosofia, la musica, la letteratura – rende il passato presente e significativo. Ci trascina in un’avventura che supera i confini dello spazio e del tempo e, alla fine, ci riporta sempre a casa.

I progetti di Frank Lloyd Wright che cambiano i paradigmi

Uno degli esseri umani più completi mai esistiti, Leonardo rimane la quintessenza del genio rinascimentale

Il nuovo testo di Antonio Paolucci racconta, in una sorta di prequel, la nascita dei primi, diversi linguaggi artistici nell'area dl Mediterraneo e del loro diffondersi in Europa. Da Lascaux al Partenone, dalle tombe egizie alla civiltà minoico-micenea, dai Bronzi di Riace all'Augusto di Prima Porta, dalle ceramiche attiche alla Chimera di Arezzo, al Colosseo, a Bisanzio, alle Terme di Diocleziano. Un viaggio affascinante, raccontato con la chiarezza e l'eleganza tipiche dell'autore, alle radici del linguaggio comune dell'arte europea.

Un ancestrale mito alpino ricostruito grazie all'analisi del percorso devozione, segnato da colonne votive che scandiscono il cammino, che si snoda attraverso l'antica valle dei folletti.

Inserito nel contesto di grande attenzione e di rinnovati studi sull'opera e la figura di Giovanni Francesco Barbieri, detto il Guercino (1591-1666), il volume ripercorre l'attività e l'arte di questo grande protagonista del panorama artistico italiano della prima metà del Seicento e, parallelamente, approfondisce quella che fu la professione del pittore a quel tempo, le sfide del mestiere, i sistemi di produzione, le dinamiche del mercato e delle committenze, i soggetti più richiesti. Guercino, grazie a una strutturata bottega e alla ricchissima documentazione lasciata, alla rete di mentori e intermediari, ai rapporti con tanti e diversi committenti - richiesto come fu da borghesi, nobili, pontefici e prelati, ma anche dalle più prestigiose corti europee - diventa l'exemplum perfetto della vita, dell'iter creativo e del mestiere di ogni pittore. A partire dal significativo nucleo di dipinti e disegni appartenenti alle collezioni della Galleria Sabauda e della Biblioteca Reale, oltre cento opere del maestro emiliano e di artisti coevi come i Carracci, Guido Reni e Domenichino (provenienti dai più importanti musei e collezioni di tutta Europa) danno vita a un affascinante affresco del sistema dell'arte nel Seicento, guidati dal talento di quel "gran disegnatore e felicissimo coloritore; un mostro di natura e miracolo da far stupire chi vede le sue opere" che fu Guercino, secondo la definizione che ne diede Ludovico Carracci, annoverandolo fin dai suoi esordi entro la cerchia esclusiva degli artisti dotati di qualità fuori dal comune. Un racconto, articolato in dieci sezioni tematiche - tra confronti, parallelismi, testimonianze - che ripercorrono l'attività e l'arte di Guercino, dalla sua formazione alla piena maturità grazie a capolavori di primo piano, a dipinti inediti e alle tele che permettono lo straordinario ricongiungimento, dopo quattrocento anni, del celebre ciclo di dipinti commissionati a Bologna da Alessandro Ludovisi, futuro papa Gregorio XV.

Dedicato a Paul Cézanne e Pierre-Auguste Renoir, il volume pone a confronto le personalità e le opere di due pittori che hanno contribuito in maniera decisiva alle fortune dell'impressionismo e che hanno influenzato le future generazioni di artisti. Fra l'ultimo quarto dell'Ottocento e l'inizio del Novecento, dall'impressionismo degli esordi fino alla piena maturità, i due maestri si affermano come protagonisti del loro tempo seguendo stili peculiari contraddistinti da rigore e geometria per Cézanne e armonia e dolcezza per Renoir. Negli anni sessanta dell'Ottocento i due artisti stringono a Parigi una sincera amicizia che sfocia in un'ammirazione reciproca, portandoli a porsi interrogativi comuni e a coltivare un interesse condiviso per alcuni generi, come la natura morta, il paesaggio, il ritratto e il nudo. Le opere presentate in questo libro sono alcuni dei capolavori raccolti dal mercante d'arte Paul Guillaume, che individua in Cézanne e Renoir i capiscuola di una pittura a un tempo classica e moderna, e in seguito dalla sua vedova Domenica Walter, oggi tutti conservati presso le sedi prestigiose del Musée de l'Orangerie e del Musée d'Orsay di Parigi. Pubblicato in occasione della straordinaria esposizione a Palazzo Reale, il volume presenta cinquanta capolavori di Cézanne e Renoir (affiancati da tre dipinti moderni di Picasso e Kees Van Dongen) capaci di offrire un esaustivo spaccato del lavoro dei due artisti, dalle prime tele degli anni settanta dell'Ottocento alle prove più mature dei primi del Novecento; opere che rappresentano i loro migliori esiti pittorici sia che si tratti di paesaggi (Renoir, Paesaggio innevato, 1875; Cézanne, Alberi e case, 1885) o di nature morte (Renoir, Fiori in un vaso, 1898; Cézanne, Il vaso blu, 1889-1890), sia di ritratti (Renoir, Il clown, 1909; Cézanne, Ritratto di Madame Cézanne, 1885-1895), o delle celebri serie delle bagnanti (Renoir, Bagnante dai capelli lunghi, 1895; Cézanne, Tre bagnanti, 1874-1875)