Musica

Leonard Cohen ha puntato in alto: voleva essere contemporaneamente tutti gli eroi biblici. Come Giacobbe, ha combattuto con gli angeli. Come Davide, ha cantato salmi e sedotto le donne. Come Abramo, si è spostato di luogo in luogo, restando ovunque uno straniero. Dopo aver cercato Cohen nei suoi romanzi, nella sua poesia, nei testi delle sue canzoni, dopo aver ascoltato il suo incessante dialogo con Dio e con le stanze d’albergo nei luoghi della sua vita errante, con grazia e dedizione Lebold ha intessuto questa imponente mole di materiale in una biografia appassionata che si fonde a un saggio critico infinitamente erudito. Un libro prezioso, che riesce a catturare l’essenza dell’artista – i suoi dubbi, la sua immensa dolcezza, la sua determinazione ad affrontare le valanghe, spezzare i nostri cuori, e risvegliarli – dalle cui pagine riverbera abbagliante quella che è stata la missione dell’intera esistenza di Leonard Cohen: insegnarci a giocare con la gravità, e ad arrenderci all’amore.

La notte del 10 gennaio 2016 la stella del rock registrata all’anagrafe come David Jones e nota al mondo come David Bowie ha concluso la sua orbita terrena e la sua luce ha repentinamente smesso di brillare. blackstar, suo 28° album di studio uscito due giorni prima della scomparsa, ha immediatamente assunto una luce diversa, rivelandosi per quello che in definitiva è: un testamento. Bowie è stato – è, e resterà – uno dei grandi padri di quella che taluni chiamano musica rock, e altri preferiscono definire più ecumenicamente pop. In cinquant’anni di carriera ha attraversato (quasi) tutti i generi e alcuni ha contribuito a crearli. Musica potente, contrassegnata da testi talora misteriosi e di ardua decifrabilità. Del resto, lui è sempre stato un maestro nel mandarti fuori strada, disseminando nei suoi testi molteplici riferimenti e facendo ampio uso della tecnica del cut-up di ispirazione burroughsiana. Esiste però una continuità nell’opera di Bowie e, come egli stesso ha ammesso, “in fondo alla fine ricorrono sempre gli stessi temi, che poi sono i miei interessi”. Non può che essere questo, pertanto, il punto di partenza per decodificare le liriche di un artista che ha saputo dare una brillante forma artistica ed estetica alle proprie ansie e ai propri travagli esistenziali. Questi, a sua volta, erano i medesimi conflitti vissuti dai suoi fan; e Bowie, in tutti questi anni, non ha mai smesso – e non smetterà mai, nemmeno dopo la morte – di offrire loro quel conforto riassumibile nel metaforico abbraccio con cui concludeva i concerti degli anni Settanta: “You’re not alone!”.

Quello di Mina è un caso eccezionale. Le probabilità che diventasse il faro della televisione degli anni Sessanta e Settanta, e la voce più potente mai esistita nella storia della canzone italiana, erano minime. Perché alle donne, da sempre, è stato concesso poco spazio per lasciare un segno duraturo nell’arte e nella musica, in Italia come altrove. Fino all’avvento di Mina. Questo libro racconta il suo business case: un modello da osservare per capire se da lei possiamo ancora imparare qualcosa. Ne emerge un mix di caratteristiche e di tratti che, paradossalmente, sono replicabili e che possono aiutare chiunque a trovare la propria strada, fatta di coerenza, indipendenza e visione a lungo termine. Mina è il più sorprendente esempio di come talento, disciplina e scelte coraggiose possano trasformarsi in una formula di successo italiana. Una strategia di lungo periodo che continua a offrire spunti per comprendere il rapporto tra arte e fare impresa.

David Bowie è stato molte cose insieme – icona pop, artista sperimentale, attore, pittore – e ha dato vita a mille maschere diverse: da Major Tom a Ziggy Stardust, dal Duca Bianco a Button eyes. Inglese fino al midollo, ma alieno in ogni luogo, ha trovato casa e ispirazione in America e a Berlino, per poi partire ancora. Ha interpretato la sua arte come una sfida, come un test per il pubblico e per se stesso, scandagliando paure e desideri della società. Dalla migrazione alla follia, dal gender trouble agli eccessi tossici fino al mostro e al potere, la musica di Bowie corteggia questi motivi, li rende orecchiabili, insinuandoli in ogni ascolto. Le sue canzoni scelgono la marginalità e la mettono al centro, ma nascondono anche questioni che lo hanno indotto a flirtare con il lato oscuro del Novecento e hanno segnato profondamente la sua biografia. Fin dove può spingersi la ricerca ossessiva di sé come merce desiderabile? Fin dove arriva il Bowie-prodotto? E ancora: cosa sa di sé un artista che suggestiona così fortemente il suo pubblico, che lo domina? Perché “noi, contemporanei di Bowie, ora postumi di Bowie, ne siamo spettatori tanto quanto lui lo è stato di se stesso”. A dieci anni dalla morte e contro ogni innocua e pacificata beatificazione, Massimo Palma, filosofo e critico musicale, racconta l’artista – e l’uomo – come nessuno ha mai fatto prima.

A partire dalle prime vibrazioni, dai primi gesti provocatori del rock‘n’roll, il grande schermo ha provato a dare un volto a quel fenomeno, così legato alle giovani generazioni da rappresentare un’opportunità enorme per registi e produttori, più che una semplice curiosità o un diversivo. L’esplosione del videoclip grazie a Mtv e la diffusione capillare dell’home video segnano il sorpasso della TV e della fruizione privata su quella collettiva, mettendo in discussione il ruolo centrale del cinema nella promozione della popular music, ma non minano il potere immaginifico del grande schermo. A partire dagli anni Novanta, i film rock, con sguardo retrospettivo, si dedicano sempre più al passato, alla memoria, al racconto di una storia che sembra già conclusa sebbene prosegua, imperterrita, il suo cammino. L’enorme produzione di biopic su figure cardine del mondo del rock non è solo sintomatica di una moda ma anche della necessità di una rielaborazione del passato, del desiderio di costruirne una mitologia. L’obiettivo principale di questo volume è raccontare la storia del rock attraverso i lungometraggi, le colonne sonore, i film-concerto e i documentari che meglio l’hanno rappresentata negli ultimi settant’anni, scandendone i momenti fondamentali attraverso il trasferimento di sensazioni ed emozioni mediante suoni e immagini. «Studiare la storia significa abbandonarsi al caos ma, nello stesso tempo, conservare la fede nell’ordine e nel senno» diceva Herman Hesse. La storia è sempre frutto di selezioni, punti di vista, percorsi, approcci, che giustificano determinate scelte. Questa è la nostra storia.

Fino a oggi per approfondire l'intera storia della rock band più turbinosa potevamo rivolgerci solo a pagine sparse sui social media, ma in questo libro, scritto in occasione dell'attesissima reunion del gruppo, Kessler e MacBain sono riusciti nell'impresa: il risultato è un racconto elettrizzante che racchiude le indimenticabili interviste, le copertine iconiche e gli artisti dietro a ogni album, la genesi dei testi e la fortuna di ciascun brano. D'altronde sono loro i giornalisti più titolati a raccontarci la pirotecnica vicenda degli Oasis: hanno avuto un posto in prima fila fin dagli esordi, nel 1994, quando i fratelli Gallagher e soci erano solo ragazzi che suonavano in piccoli locali. Da allora li hanno intervistati decine di volte, seguendo l'incredibile successo di quello che è diventato uno dei gruppi più famosi in assoluto: difficile trovare qualcuno che non conosca qualche pezzo di (What's the Story) Morning Glory?, che con i suoi 22 milioni di copie è il quinto LP più venduto di sempre in Gran Bretagna. In queste pagine Kessler e MacBain ripercorrono anno dopo anno la coloratissima storia e il fenomeno Oasis seguendo la bussola della musica, non solo gli scandali e le polemiche di cui si sono occupati fin troppo, a suo tempo, i tabloid. Ricco di dettagli mai rivelati prima e di aneddoti sboccati, divertenti e dal sapore anarchico, che solo un gruppo come gli Oasis avrebbe potuto concepire, A Sound So Very Loud fa luce sulle storie nascoste dietro a ogni brano svelando i retroscena della scrittura e della registrazione di tutte le canzoni, dalle megahit come Live Forever, Don't Look Back in Anger, Wonderwall e Champagne Supernova alle B-side più amate dai fan. Una miniera di informazioni, curiosità, citazioni per sapere tutto sul “fantastico rumore” degli Oasis e rivivere le emozioni di quegli anni magici.

Il volume definitivo per comprendere come la musica ha formato il mondo, con la sua capacità di evocare l’intero spettro delle emozioni, indipendentemente da Paese, cultura o gruppo di appartenenza. «La musica è la lingua universale dell’uomo.» Henry Wadsworth Longfellow. Una panoramica approfondita in cui storia e musica si intrecciano sia da un punto di vista cronologico che in una prospettiva globale: dagli strumenti più antichi fatti di guscio e osso al sofisticato pianoforte, al liuto o alla chitarra elettrica; dal primo violoncello all’armonica di Stevie Wonder e alle chitarre usate da Bob Dylan. Una narrazione avvincente esplora le radici di tutti i generi, dai canti medievali fino ai ritmi moderni di blues, jazz, hip-hop e pop. Le immagini spettacolari mostrano famiglie di strumenti provenienti da tutto il mondo e le biografie di icone, tra cui Mozart, George Gershwin, Elvis Presley e David Bowie, raccontano la vita e le opere dei musicisti più innovativi.

"Vasco live duemilaventicinque" è il nuovo libro ufficiale che racconta per immagini, testi e video, la nuova “avventura live” della straordinaria storia di Vasco. Nel libro ogni concerto è un capitolo a formare un unico racconto on the road in molte tappe, dalle prove a Castellaneta Marina (TA), al soundcheck più data zero a Bibione (VE), ai concerti di Torino, Firenze, Bologna, Napoli, Messina e Roma, tutti sold out, per (ri)vivere le emozioni di ogni concerto, di tutti i backstage e tanto altro ancora. Tutte le immagini sono scattate dai fotografi storici e ufficiali di Vasco. Insieme alle immagini una raccolta di testi, in parte inediti, scritti da Vasco come diario dall'inizio del tour. In ogni capitolo è presente un QR Code che consente di accedere a oltre un'ora filmati dei concerti, dei viaggi, delle prove, dei backstage, della riunione con la band prima di salire sul palco e tanto altro, con un solo protagonista: Vasco.

Un omaggio a un artista che ha attraversato generi e identità trasformando la musica in una forma d’arte totale. “David Bowie. Forever and ever“ non è una semplice biografia di David Bowie, ma un viaggio poetico che ripercorre il suo intero percorso creativo e umano: da Ziggy Stardust al Duca Bianco per arrivare infine al suo ultimo capolavoro “Blackstar” (un vero e proprio testamento artistico e spirituale), questo libro attraversa musica, teatro, cinema e moda alla scoperta di un’artista che ha saputo reinventarsi continuamente. Il volume perfetto per conoscere più da vicino il performer e l’uomo, ma anche la profonda impronta che è riuscito a lasciare sulla cultura contemporanea.

Il suono è vibrazione, ritmo, armonia: un fenomeno fisico che si trasforma in esperienza estetica. Questo libro propone un viaggio visivo e concettuale nella musica, esplorandone la struttura profonda attraverso due lenti: la scienza e l’arte. Dalle onde acustiche alle curve tracciate dagli armonografi, dal ritmo alla melodia, ogni concetto viene presentato con testi brevi e immagini evocative che rendono visibili le leggi fisiche e matematiche che governano l’universo sonoro. Un percorso affascinante che unisce rigore scientifico e potenza estetica, pensato per chi ama la musica e desidera scoprirne l’ordine nascosto. Destinatari: ideale per appassionati di musica, studenti e curiosi che desiderano approfondire il legame tra suono, arte e scienza. Perfetto anche per insegnanti, musicisti e designer. Caratteristiche uniche: Formato illustrato in bianco e nero, con immagini suggestive e schemi grafici. Contenuti che coniugano fisica, matematica e teoria musicale. Stile accessibile, adatto anche a chi non ha una formazione scientifica. Approccio multidisciplinare per esplorare la musica in chiave visiva e concettuale.

Le playlist sono diventate ancora di più il sistema prevalente di ascolto della musica, ma lo sono diventate in un modo soprattutto preconfezionato, come nelle vecchie compilation, assai distante da quello inteso dal titolo di questo libro. Libro che ha opposte intenzioni, sovversive e spericolate: ovvero di essere uno strumento per chi voglia ascoltarle e goderle, le canzoni, e poi scegliersele, oltre che di essere una piacevole lettura. In una cosa è in effetti adeguato alle abitudini contemporanee, invece: lo si legge come scrollando una timeline, storia dopo storia, o anche saltando di link in link, o aprendo delle pagine a caso. Magari un giorno potremo control-cliccare su qualsiasi titolo su Spotify e ottenere ogni informazione su quella determinata canzone: e magari saranno anche troppe informazioni, e ne vorremo meno. È un libro che serve anche a questo, come il lavoro di ogni deejay: a proporre delle scelte. Oltre che a raccontare la musica di cui è fatta la vita non attraverso cronologie, epopee, genealogie, storie del rock ed enciclopedie di artisti, ma raccontando la cosa vera: le canzoni.

Alla sua quarta edizione, "1001 album" è la guida definitiva ai grandi successi discografici e alle opere più significative della musica pop dal 1955 a oggi. Nell'epoca del download digitale il concetto di album - nei suoi vari formati: Long Playing, Compact Disc e infine Mp3 - è tutt'altro che superato. Sono gli album, infatti, a rappresentare al meglio l'identità e i percorsi artistici dei cantanti e dei gruppi musicali. In oltre 900 pagine riccamente illustrate, "1001 album" passa in rassegna una serie di capolavori: dagli esordi del rock'n'roll all'elettronica, da "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" a "C'est Chic", dal concept "What's Going On" al grunge di "Nevermind", il libro rende omaggio alla miriade di generi e movimenti - jazz, rock, soul, punk, reggae, hip hop - che si sono succeduti sulla scena musicale negli ultimi cinquant'anni. Dai classici alle novità più recenti, dalle pietre miliari alle gemme dimenticate, "1001 album" apre una finestra sullo straordinario mondo della musica pop, sulle sue leggende e sui suoi miraggi, sulle contaminazioni tra i generi e sull'autentico miracolo di un fenomeno artistico di massa. Prefazione di Michael Lydon.