Musica

Osservate i suoi occhi. Occhi che rivelano tutto e non rivelano nulla. L’arco delle sopracciglia. L’espressione interrogativa. Il divertimento sottile. Una traccia d’impazienza. Un po’ di sorpresa, un’ombra di paura lontana, uno sguardo che scruta senza sosta. Un senso di meraviglia. In questo libro Paul Morley esplora David Bowie come forza culturale, artista e figura rigenerativa nella storia della musica e della cultura pop, analizzandone i processi creativi, i viaggi incessanti e le collaborazioni decisive. Proiettando Bowie tanto nel presente e nel futuro quanto nel passato, Morley indaga come le sue canzoni, la sua performance art e le sue ossessioni apocalittiche, riflessioni e avvertimenti diventino ancora più urgenti man mano che il tempo scorre e il mondo si fa più oscuro e caotico. David Bowie offre una prospettiva originale sull’attualità dell’opera visionaria di questa icona, traendone una fonte di comunità, rivelazione e speranza. Prefazioni di Manuel Agnelli e Paolo Fresu.

Un viaggio intenso e appassionato nella storia dei Tazenda, la band che ha portato la lingua sarda e le sonorità dell’isola nel cuore della musica italiana. Con la penna autorevole del giornalista e musicologo Felice Liperi, e con la collaborazione di Luca Parodi, figlio dell’indimenticabile Andrea Parodi, questo libro racconta la nascita, l’evoluzione e l’eredità di un gruppo che ha saputo fondere tradizione e modernità, poesia e impegno. Attraverso testimonianze esclusive dei membri del gruppo, materiali d’archivio, aneddoti personali e contributi sentiti di amici e colleghi, tra cui Gianni Morandi, il libro restituisce il ritratto autentico di un’avventura musicale unica. Dai primi passi negli anni Ottanta alla consacrazione nazionale, dal sodalizio artistico con Fabrizio De André alle sfide affrontate dopo la scomparsa di Andrea Parodi, ogni pagina è un omaggio alla forza evocativa della musica e alla resilienza di un’identità culturale forte e viva. Un’opera corale che non è solo una biografia, ma una dichiarazione d’amore per la Sardegna, per le sue voci, le sue radici e il suo futuro.

Musica, spettacolo, costume e cultura: il Festival di Sanremo è in assoluto la manifestazione più significativa del nostro panorama radiotelevisivo. Una tradizione che attraversa due secoli di storia italiana, ne rispecchia la società, le tendenze, i cambiamenti. Questo almanacco racconta tutte le edizioni, dalla prima, nel 1951, fino a quella del 2024. Una preziosa raccolta che ci restituisce un patrimonio inestimabile di artisti e canzoni. Un resoconto rigoroso dei fatti, ma anche di aneddoti, atmosfere, pulsioni, curiosità e colpi di scena. Prefazione di Carlo Conti.

Questo quaderno presenta le conte come rime o formule recitate prima di iniziare un gioco, spesso utilizzate per scegliere chi comincia o per stabilire regole tacite tra i partecipanti. La cadenza e la musicalità di queste formule sono elementi essenziali, poiché il ritmo aiuta a scandire le parole e a coinvolgere tutti i giocatori, trasformando semplici frasi in una sorta di piccolo rito collettivo. In molte culture, la musicalità delle conte facilita la memorizzazione e ne rafforza il valore sociale e ludico, generando un legame tra le generazioni attraverso il ritmo e la ripetizione. La loro dimensione sonora diventa parte integrante del gioco, fungendo da preludio che rende ogni sfida più viva e partecipata.

Leonard Cohen ha puntato in alto: voleva essere contemporaneamente tutti gli eroi biblici. Come Giacobbe, ha combattuto con gli angeli. Come Davide, ha cantato salmi e sedotto le donne. Come Abramo, si è spostato di luogo in luogo, restando ovunque uno straniero. Dopo aver cercato Cohen nei suoi romanzi, nella sua poesia, nei testi delle sue canzoni, dopo aver ascoltato il suo incessante dialogo con Dio e con le stanze d’albergo nei luoghi della sua vita errante, con grazia e dedizione Lebold ha intessuto questa imponente mole di materiale in una biografia appassionata che si fonde a un saggio critico infinitamente erudito. Un libro prezioso, che riesce a catturare l’essenza dell’artista – i suoi dubbi, la sua immensa dolcezza, la sua determinazione ad affrontare le valanghe, spezzare i nostri cuori, e risvegliarli – dalle cui pagine riverbera abbagliante quella che è stata la missione dell’intera esistenza di Leonard Cohen: insegnarci a giocare con la gravità, e ad arrenderci all’amore.

Nel 2019, a sessantanove anni, Ozzy Osbourne ha portato avanti un trionfale tour di addio, suonando in stadi sold-out e ottenendo recensioni straordinarie in tutto il mondo. Poi, il disastro. In poche settimane, è passato da essere ricoverato per una lieve infezione a dover abbandonare il tour e tutte le apparizioni pubbliche per una paralisi quasi totale. Estrema unzione è il racconto amaramente ironico, spesso scioccante, di questa caduta agli inferi. Ma è soprattutto la storia di una vita e di una carriera straordinarie, accanto all’amatissima moglie Sharon, fino alla memorabile reunion con i Black Sabbath per l’ultimo, glorioso concerto. Un memoir che non si tira mai indietro dall’onestà più profonda e che ha il coraggio di affermare un sorprendente amore per la vita, dimostrando come Ozzy sia riuscito a trascendere il suo status di «Padrino del metal» e «Principe delle tenebre» per divenire un eroe moderno, un patrimonio artistico e umano adorato in tutto il mondo. All’indomani della sua scomparsa, questo libro prezioso, che il suo autore non ha fatto in tempo a veder stampato, assume un significato simbolico ancora più forte ed emozionante per i suoi tantissimi fan.

La notte del 10 gennaio 2016 la stella del rock registrata all’anagrafe come David Jones e nota al mondo come David Bowie ha concluso la sua orbita terrena e la sua luce ha repentinamente smesso di brillare. blackstar, suo 28° album di studio uscito due giorni prima della scomparsa, ha immediatamente assunto una luce diversa, rivelandosi per quello che in definitiva è: un testamento. Bowie è stato – è, e resterà – uno dei grandi padri di quella che taluni chiamano musica rock, e altri preferiscono definire più ecumenicamente pop. In cinquant’anni di carriera ha attraversato (quasi) tutti i generi e alcuni ha contribuito a crearli. Musica potente, contrassegnata da testi talora misteriosi e di ardua decifrabilità. Del resto, lui è sempre stato un maestro nel mandarti fuori strada, disseminando nei suoi testi molteplici riferimenti e facendo ampio uso della tecnica del cut-up di ispirazione burroughsiana. Esiste però una continuità nell’opera di Bowie e, come egli stesso ha ammesso, “in fondo alla fine ricorrono sempre gli stessi temi, che poi sono i miei interessi”. Non può che essere questo, pertanto, il punto di partenza per decodificare le liriche di un artista che ha saputo dare una brillante forma artistica ed estetica alle proprie ansie e ai propri travagli esistenziali. Questi, a sua volta, erano i medesimi conflitti vissuti dai suoi fan; e Bowie, in tutti questi anni, non ha mai smesso – e non smetterà mai, nemmeno dopo la morte – di offrire loro quel conforto riassumibile nel metaforico abbraccio con cui concludeva i concerti degli anni Settanta: “You’re not alone!”.

Quello di Mina è un caso eccezionale. Le probabilità che diventasse il faro della televisione degli anni Sessanta e Settanta, e la voce più potente mai esistita nella storia della canzone italiana, erano minime. Perché alle donne, da sempre, è stato concesso poco spazio per lasciare un segno duraturo nell’arte e nella musica, in Italia come altrove. Fino all’avvento di Mina. Questo libro racconta il suo business case: un modello da osservare per capire se da lei possiamo ancora imparare qualcosa. Ne emerge un mix di caratteristiche e di tratti che, paradossalmente, sono replicabili e che possono aiutare chiunque a trovare la propria strada, fatta di coerenza, indipendenza e visione a lungo termine. Mina è il più sorprendente esempio di come talento, disciplina e scelte coraggiose possano trasformarsi in una formula di successo italiana. Una strategia di lungo periodo che continua a offrire spunti per comprendere il rapporto tra arte e fare impresa.

David Bowie è stato molte cose insieme – icona pop, artista sperimentale, attore, pittore – e ha dato vita a mille maschere diverse: da Major Tom a Ziggy Stardust, dal Duca Bianco a Button eyes. Inglese fino al midollo, ma alieno in ogni luogo, ha trovato casa e ispirazione in America e a Berlino, per poi partire ancora. Ha interpretato la sua arte come una sfida, come un test per il pubblico e per se stesso, scandagliando paure e desideri della società. Dalla migrazione alla follia, dal gender trouble agli eccessi tossici fino al mostro e al potere, la musica di Bowie corteggia questi motivi, li rende orecchiabili, insinuandoli in ogni ascolto. Le sue canzoni scelgono la marginalità e la mettono al centro, ma nascondono anche questioni che lo hanno indotto a flirtare con il lato oscuro del Novecento e hanno segnato profondamente la sua biografia. Fin dove può spingersi la ricerca ossessiva di sé come merce desiderabile? Fin dove arriva il Bowie-prodotto? E ancora: cosa sa di sé un artista che suggestiona così fortemente il suo pubblico, che lo domina? Perché “noi, contemporanei di Bowie, ora postumi di Bowie, ne siamo spettatori tanto quanto lui lo è stato di se stesso”. A dieci anni dalla morte e contro ogni innocua e pacificata beatificazione, Massimo Palma, filosofo e critico musicale, racconta l’artista – e l’uomo – come nessuno ha mai fatto prima.

A partire dalle prime vibrazioni, dai primi gesti provocatori del rock‘n’roll, il grande schermo ha provato a dare un volto a quel fenomeno, così legato alle giovani generazioni da rappresentare un’opportunità enorme per registi e produttori, più che una semplice curiosità o un diversivo. L’esplosione del videoclip grazie a Mtv e la diffusione capillare dell’home video segnano il sorpasso della TV e della fruizione privata su quella collettiva, mettendo in discussione il ruolo centrale del cinema nella promozione della popular music, ma non minano il potere immaginifico del grande schermo. A partire dagli anni Novanta, i film rock, con sguardo retrospettivo, si dedicano sempre più al passato, alla memoria, al racconto di una storia che sembra già conclusa sebbene prosegua, imperterrita, il suo cammino. L’enorme produzione di biopic su figure cardine del mondo del rock non è solo sintomatica di una moda ma anche della necessità di una rielaborazione del passato, del desiderio di costruirne una mitologia. L’obiettivo principale di questo volume è raccontare la storia del rock attraverso i lungometraggi, le colonne sonore, i film-concerto e i documentari che meglio l’hanno rappresentata negli ultimi settant’anni, scandendone i momenti fondamentali attraverso il trasferimento di sensazioni ed emozioni mediante suoni e immagini. «Studiare la storia significa abbandonarsi al caos ma, nello stesso tempo, conservare la fede nell’ordine e nel senno» diceva Herman Hesse. La storia è sempre frutto di selezioni, punti di vista, percorsi, approcci, che giustificano determinate scelte. Questa è la nostra storia.

Fino a oggi per approfondire l'intera storia della rock band più turbinosa potevamo rivolgerci solo a pagine sparse sui social media, ma in questo libro, scritto in occasione dell'attesissima reunion del gruppo, Kessler e MacBain sono riusciti nell'impresa: il risultato è un racconto elettrizzante che racchiude le indimenticabili interviste, le copertine iconiche e gli artisti dietro a ogni album, la genesi dei testi e la fortuna di ciascun brano. D'altronde sono loro i giornalisti più titolati a raccontarci la pirotecnica vicenda degli Oasis: hanno avuto un posto in prima fila fin dagli esordi, nel 1994, quando i fratelli Gallagher e soci erano solo ragazzi che suonavano in piccoli locali. Da allora li hanno intervistati decine di volte, seguendo l'incredibile successo di quello che è diventato uno dei gruppi più famosi in assoluto: difficile trovare qualcuno che non conosca qualche pezzo di (What's the Story) Morning Glory?, che con i suoi 22 milioni di copie è il quinto LP più venduto di sempre in Gran Bretagna. In queste pagine Kessler e MacBain ripercorrono anno dopo anno la coloratissima storia e il fenomeno Oasis seguendo la bussola della musica, non solo gli scandali e le polemiche di cui si sono occupati fin troppo, a suo tempo, i tabloid. Ricco di dettagli mai rivelati prima e di aneddoti sboccati, divertenti e dal sapore anarchico, che solo un gruppo come gli Oasis avrebbe potuto concepire, A Sound So Very Loud fa luce sulle storie nascoste dietro a ogni brano svelando i retroscena della scrittura e della registrazione di tutte le canzoni, dalle megahit come Live Forever, Don't Look Back in Anger, Wonderwall e Champagne Supernova alle B-side più amate dai fan. Una miniera di informazioni, curiosità, citazioni per sapere tutto sul “fantastico rumore” degli Oasis e rivivere le emozioni di quegli anni magici.

Il volume definitivo per comprendere come la musica ha formato il mondo, con la sua capacità di evocare l'intero spettro delle