Musica

Il grande libro dei Live dell'unica vera rockstar italiana, una bibbia per tutti i fan, in una edizione aggiornata con una nuova prefazione di Vasco. "Pensavo di morire giovane, invece sono qui. Vivo ogni giorno come se fosse l'ultimo. " Vasco Rossi Vasco Rossi si mostra in un libro che raccoglie le immagini di tutti i suoi tour, dai primi concerti ai più recenti, attraversando l'Italia e l'Europa centinaia di volte. Il racconto visivo di un artista che sul palco svela la sua dimensione più emozionante e naturale. Il legame ininterrotto con i fan, riallacciato in ogni nuovo tour, emerge intensissimo. L'emozione del rito collettivo di ogni show riverbera nelle foto e nei pensieri di Vasco e di chi lo conosce veramente. Le immagini di questo volume sono le testimonianze dei momenti più belli e degli attimi irripetibili dei concerti: le prove, i dietro le quinte, i viaggi, il pubblico, le scalette... Tanti sono i fotografi che lo hanno seguito in questi anni e, attraverso le loro immagini, hanno dato diverse interpretazioni di un artista completo e sempre più amato.  La nuova edizione di un volume ormai introvabile, uscito nel 2013, considerato il libro di riferimento dai fan e da Vasco stesso, con l'aggiornamento degli ultimi 10 anni di concerti.

Domenico Modugno, insieme a Garibaldi, Verdi, Caruso e Pavarotti, è senza dubbio uno degli italiani più conosciuti al mondo. Le sue canzoni sono state tradotte e cantate in oltre 150 paesi. La parola "volare" è risuonata ovunque come desiderio, sogno di liberazione, simbolo di tempi nuovi, ma anche come segno di solidarietà. In Italia, quel grido sottolineò l'aspirazione di progresso senza negare il cuore antico di un paese, anzi partiva proprio dal profondo della nostra storia, riallacciandosi ad essa e alle sue millenarie stratificazioni. Domenico Modugno era nato nel Sud in un paese povero, e arrivò a conquistare l'America. Più che una storia, la sua è una leggenda che è giusto raccontare. Il libro segue Modugno lungo un percorso biografico come in un romanzo appassionante, guidando il lettore attraverso l'infanzia difficile e avventurosa, l'ostinazione per realizzare il sogno di fare l'attore, e il successo, quasi inaspettato, come autore e interprete delle più belle canzoni del dopoguerra. Fino alla malattia, che chiuse la sua carriera artistica ma fu l'inizio di una nuova vita di impegno civile a fianco della parte più debole della società. Una galleria di eventi spesso sbalorditivi, raccontati col piglio della narrazione romanzesca e seguita da un approfondito saggio musicologico che, per la prima volta, rivela caratteristiche e segreti della sua enorme produzione musicale.

La parola “ascolta” può esprimere sia un’azione, l’ascolto di un disco, di una voce o di una melodia, sia manifestare un invito sentito a farlo. Michel Faber in questo libro, un atto d’amore verso la musica tutta, si muove tra queste due vie, comprendendole entrambe. Molti autori hanno raccolto le storie dei musicisti, dei gruppi leggendari, delle epoche o dei diversi generi, ma raramente uno scrittore ha raccontato ciò che accade dentro di noi quando ascoltiamo la musica. Cosa ci succede mentre ascoltiamo una canzone? Perché siamo portati a farlo, e ne traiamo piacere? Cercando la risposta a queste e ad altre domande – e analizzando tutti i fattori che possono influenzarle, dall’età dell’ascoltatore alle mode più in voga, oltre la dicotomia tra buona e cattiva musica – Michel Faber ci consegna un libro unico, frutto di decenni di lavoro, intrecciando musica, filosofia e poesia, alla ricerca della materia sentimentale di cui sono fatti i suoni. “Questo è un libro sulla musica, e sulle persone che la ascoltano: i tuoi amici, i tuoi vicini di casa, tu e io. Leggere questo libro cambierà il tuo modo di ascoltare.”

Categorie, personaggi, figure, luoghi comuni e non comuni di quello spettacolo musicale che chiamiamo «opera» si radunano qui come voci di un repertorio che fa di tutto per non essere quello che sembra: un'enciclopedia. L'ordine alfabetico, per sua natura arbitrario, fa di "Opera, neutro plurale" un libro che può essere consultato o letto per estratti, in un ordine a piacere, ma invita anche a immergersi nel suo flusso come fosse un romanzo. Cominciando con gli Acuti per finire con la Zeitoper, passando per il Fiasco, il Mammismo, il Recitativo, senza schivare la Pazzia, la Political correctness e persino l'Unesco, Emilio Sala ci ricorda che l'opera è teatro ma anche tutto ciò che lo eccede come fatto musicale, come performance, come sistema di significati e stimolatore di esperienze. E dunque prova a ripercorrerne i concetti e la materia per mezzo di ottanta episodi saggistici, con l'ambizione di rimettere in discussione tutto ciò che dell'opera sappiamo e soprattutto come lo sappiamo. Come è stato detto, forse l'opera è davvero uno «zombie culturale» che non riesce a morire, e rappresenta perciò una sfida per chi non si accontenta di consumarla ritualmente. Muovendosi in un campo che la prudenza scientifica della musicologia affronta spesso controvoglia, e con l'aiuto di strumenti prestati da altre discipline come la psicanalisi, Sala prova a ripensare l'opera accompagnando il melomane in un'avventura al di fuori della sua comfort zone nostalgica. Si spalanca allora uno spazio aperto, ibrido, fluttuante, dove ogni cosa è rimessa in discussione, ma che la passione impedisce di dissezionare. L'autore si rivolge così a tutti i melomani, agli studiosi, ai musicisti, agli operatori che sentono la necessità di riflettere su di un comune «discorso amoroso».

Testi Espliciti è un magazine che prende spunto dal bollino Explicit Lyrics (introdotto nel 1990, apposto soprattutto sui dischi rap, ma non solo, per segnalarne il contenuto pericoloso) e si propone di approfondire, attraverso interviste a tante e diverse voci autorevoli nel loro campo d’azione, un tema specifico e contemporaneo, analizzato quindi da più punti di vista. Il primo volume è dedicato alla censura e ai suoi derivati, come la propaganda, la libertà d’espressione, il vero e il falso. Il magazine, curato da Paola Zukar e Claudio Cabona, vede al suo interno interviste a Marracash, Fabri Fibra, Gué, Madame, Massimo Pericolo, Baby Gang, Bello Figo, Jorit, Cecilia Sala, Filippo Giardina, Gian Gaetano Bellavia, Riko De Ville, Milena Gabanelli, Zerocalcare, Don Claudio Burgio, Homyatol, Gherardo Colombo ed Emory Douglas. La possibilità di unire menti così differenti su un argomento così attuale come la censura restituisce una visione importante sul tema più presente e al contempo più invisibile e sfuggente del momento e, probabilmente, della storia. L'obiettivo è senz'altro quello di accendere un faro nell'ombra e far riflettere i lettori di tutte le età, sperando di aprire un dibattito che, in quanto tale, genererà sempre riflessioni utili.

Insofferenti, ribelli e provocatori i giovani che nella seconda metà degli anni Settanta cercarono, nella musica - e in una nuova estetica espressiva - di contrapporsi, prima al lucicchio del Rock in classifica, e successivamente allo status quo del contesto politico-sociale, diedero corpo a un genere dalle sonorità “sporche”, dure e scarne che dal “garage rock” statunitense di Iggy Pop e Lou Reed esplose con veemenza sia in America che in Gran Bretagna gridando la rabbia di una generazione che non si riconosceva nella cultura mainstream. The Stooges, Ramones, Sex Pistols e Clash, per citare solo alcune delle band più celebri, furono i protagonisti di un movimento esplosivo che cambiò per sempre regole e sonorità del rock. I miti, la discografia imperdibile e le diramazioni internazionali del Punk da conoscere e (ri)scoprire.

Questo libro si prende cura di tutte le canzoni ufficialmente edite nel corso della storia della band di Jagger e Richards, iniziata nel 1962 e non ancora conclusa. Rispetto ai rivali Beatles, gli Stones possono vantare una produzione quasi doppia, con 400 canzoni registrate in 60 anni di attività. In questo lavoro, che per cura e minuzia volutamente ricorda il "Libro bianco dei Beatles", sono raccontate la genesi, la storia, la fortuna o sfortuna di tutte le canzoni, con aneddoti poco noti e, soprattutto, con le dichiarazioni dei protagonisti. Giovanazzi e Zanetti hanno consultato decine di testi, ufficiali e non, e verificato discrepanze, equivoci, veri e propri errori, giungendo a un quadro che ben si può dire definitivo. Una fantastica carrellata lungo la storia, dai primi anni di apprendistato dai maestri r&b fino alle composizioni della maturità e ai brani degli ultimi dischi, il tributo alla musica blues di "Blue And Lonesome" e il recentissimo "Hackney Diamonds", primo album di inediti della band da "A Bigger Bang", 2005.

"La canzone è una sintesi basata sull'equilibrio tra musica e parole, preferibilmente melodica, ricordabile

Questo libro è un viaggio affascinante e curioso che svela il profondo legame tra la fantascienza e la musica di compositori e artisti di ogni genere musicale. La letteratura di fantascienza ha contribuito ad allargare i confini dell'immaginazione umana. Dalle visioni futuriste di H.G. Wells agli imperi galattici di Isaac Asimov, il cinema ha reso quasi tangibili le più straordinarie invenzioni creative. Tuttavia è stata la musica a fornire la colonna sonora che ha amplificato l'impatto emotivo delle storie futuristiche come in Blade Runner, Star Wars, Dune e 2001: Odissea nello Spazio. In questo libro leggerete anche tante storie (tutte reali e alcune sorprendenti) legate all'ispirazione spaziale di numerosi grandi musicisti, tra cui spiccano nomi come David Bowie, Jimi Hendrix, Beatles, Duke Ellington, Pink Floyd, Queen, Jefferson Airplane, Ornette Coleman, Devo, Radiohead, Sun Ra e i nostri Dalla e Battiato. La ricerca però non si ferma al passato, ma esplora anche la letteratura e la musica del nostro tempo: le sonorità elettroniche della space music e le sperimentazioni sonore dei libri cyberpunk. Due interventi di Guido Michelone e Luca Servini completano e ampliano l'orizzonte di questo racconto.

Prima traduzione integrale dell’originale tedesco, questo libro dal valore documentario e storico altissimo è uno dei testi più decisivi per comprendere le avanguardie artistiche del Secondo Novecento e in particolare la cosiddetta “Nuova musica”. Raccoglie i fondamentali testi scritti da Stockhausen sui suoi brani per strumenti tradizionali e per suoni elettronici tra il 1952 e il 1962. Sono gli articoli relativi al periodo di sua massima esplorazione musicale, legata in particolare a uno dei movimenti avanguardistici più rilevanti del Secondo Novecento che prende il nome di “Scuola di Darmstadt” (che comprendeva anche compositori e direttori d’orchestra quali Boulez, Berio e Maderna) e al pensiero fondante della musica elettronica, di cui Stockhausen ha posto le basi. Nel libro troviamo testi legati a riflessioni sui principi della musica elettronica, sulla spazializzazione del suono, sulla scrittura musicale, sulla percezione e sull’analisi di musiche del passato (come Webern e Debussy, letti per valorizzarne l’invenzione e l’afflato modernista), ma anche ritroviamo gli interrogativi e le risposte che caratterizzano la sua estetica di compositore. E unitamente alla critica degli autori a lui contemporanei, emergono i temi della composizione strumentale ed elettronica, della notazione, della spazializzazione e di una teoria generale della forma che saranno alla base di lavori come Kontakte, Gruppen e Momente, e che porteranno alle conquiste compositive che si protrarranno fino agli ultimi anni.

Dietro le quinte del capolavoro di fantascienza del 1976 interpretato da David Bowie Pubblicizzato come "un'esperienza che all

Lungo la storia, filosofi e pensatori hanno sempre riconosciuto che la musica si distingue per più di un motivo dalle arti sor