Musica

Nel novembre del 2020, i Depeche Mode sono stati ammessi alla Rock & Roll Hall of Fame

"Imparo a leggere la musica" propone un metodo completamente innovativo, basato su un approccio graduale, garantito anche per i lettori più inesperti. Le autrici non dividono gli argomenti in compartimenti stagni (un capitolo dedicato al ritmo, un altro alla melodia…), ma da subito mettono insieme nozioni di ritmo e altezza, partendo dalle combinazioni più semplici per arrivare progressivamente a quelle più complesse. Il manuale però non si ferma qui: una volta che il lettore abbia acquisito gli strumenti di lettura, lo accompagnerà ad approfondire la struttura del discorso musicale e a iniziare a «giocare» con la composizione.

Selezione ragionata dei 500 grandi nomi, tra band e solisti, che hanno fatto la storia della musica più rivoluzionaria di sempre, Hall of Fame 1960 – 2000 rappresenta un atlante sintetico in ordine alfabetico per orientare la propria conoscenza - e i propri ascolti nell'immenso Pianeta del Rock e nei suoi territori. Arricchito da brevi approfondimenti critici sull'esordio, l'affermarsi e le caratteristiche dei diversi generi nella scena artistica internazionale questo abbecedario introduttivo sui più grandi miti del rock include i dischi essenziali da non perdere per ogni musicista, oltre a immagini e foto-ritratti che hanno contribuito a trasformare molti artisti in un'icona senza tempo.

Freddie Mercury e i Queen rivivono in una grande monografia per immagini, realizzata a oltre trent'anni dalla scomparsa di una delle più grandi icone del rock di tutti i tempi. Mentre è ancora vivo l'eco del film Bohemian Rhapsody, a breve sarà pubblicato un inedito dei Queen con la voce di Freddie, e la band, nella nuova formazione, sta trionfando in un tour mondiale sold out che ha toccato anche l'Italia. Il libro ripercorre la straordinaria avventura di uno dei più importanti fotografi di rock internazionali con quella che è la band sinonimo di rock'n'roll. O'Regan ha assistito al suo primo concerto dei Queen nel 1973, quando la band suonava come gruppo spalla di Mott the Hoople all'Hammersmith Odeon di Londra. Tredici anni dopo, nel 1986, sarebbe stato il fotografo ufficiale del Magic Tour, l'ultimo della carriera della band. Negli anni che separano i due eventi O'Regan fotografò molte volte la band dal vivo, ma sono le foto del tour che ci restituiscono l'ampiezza dell'impatto dei Queen che travalica i confini della musica per diventare vero e proprio fenomeno socioculturale. Foto live che raccontano i momenti più iconici del gruppo all'apice della carriera – come il Live Aid o il leggendario concerto a Knebworth, o ancora quello di Budapest (all'epoca un fatto eccezionale, perché oltre la cortina di ferro) – ma anche foto intime e di backstage, alcune delle quali inedite, per ripercorrere la storia di Freddie e colleghi, il tutto accompagnato dalla narrazione in prima persona di O'Regan che svelerà aneddoti e curiosità su uno degli artisti e band più amati al mondo.

Il volume ripercorre l'evoluzione della carriera di Luciano Ligabue, ponendo particolare attenzione ai numerosi linguaggi con i quali questo artista si è espresso e cercando di analizzare i principali significati e rimandi culturali del mondo simbolico che ha costruito nel corso del tempo attraverso l'impiego di tali linguaggi. Luciano Ligabue è un personaggio di primo piano del mondo dello spettacolo e un artista particolarmente prolifico, che ha ottenuto negli anni un notevole successo non solo come cantautore e musicista, ma anche come regista cinematografico e scrittore. Questo libro prende in esame le molteplici attività di Ligabue adottando una prospettiva particolarmente ampia: analizza i suoi principali riferimenti musicali e culturali, collocandoli all'interno di quell'intenso processo evolutivo che ha riguardato negli scorsi decenni il mondo della musica giovanile. In particolare, per quello che è stato il percorso compiuto da fenomeni rilevanti sul piano sociale come il divismo e da eventi altamente spettacolari come i concerti rock. Ne emerge un artista poliedrico e orientato alla multimedialità, contemporaneamente legato alle proprie origini e aperto agli stimoli provenienti da altre culture e altri linguaggi, esemplare per capire come funziona il mondo divistico nelle società contemporanee.

Dalla fine del XIX secolo la chitarra, prima acustica e poi elettrica, si è diffusa in ogni ambito musicale. "1001 chitarre" celebra la varietà e la popolarità di questo strumento, ancora oggi in cima ai desideri di ogni musicista o aspirante tale. Tutti i marchi più famosi (Fender, Gibson, Epiphone, Martin, Gretsch, Rickenbacker) sono ampiamente rappresentati, così come i brand giapponesi (Ibanez, Yamaha, Teisco) ed europei (Burns, Eko, Höfner) saliti alla ribalta negli anni Sessanta. Esistono chitarre di ogni forma e dimensione, stile e colore; ogni strumento poi è legato indissolubilmente ai musicisti che ne hanno fatto uso e a particolari generi musicali. Ma uno sguardo più attento al libro rivela altri tesori, legati a sentimenti come la nostalgia e all’amore per la musica in quanto tale. Il libro spiega ciò che rende speciali i diversi modelli di chitarra, chi sono i musicisti che li hanno scelti e quali brani ascoltare per avere un saggio delle loro qualità timbriche. Una guida completa che non dovrebbe mancare nella biblioteca di ogni appassionato. Prefazione di Dave Gregory.

«In questo “Medioevo tecnologico”– dove la mente digitale crede ancora nel mito dell’oggettività scientifica e seziona con il suo “bisturi razionale” osservazione e osservato, arte e scienza – la musica e lo scientismo dimenticano che, per generare i suoni, bisogna conoscere la proportio aurea, studiata da giganti del pensiero come Pitagora, Leonardo, Bruno e Böhme. Esiste “un’intonazione scientifica” con cui fare musica: i rapporti tra le note dovrebbero seguire gli stessi rapporti matematici che governano la riproduzione di molte specie, la fillotassi e il nostro sistema solare o, se preferite, il sistema sol-la-re». Frutto di anni di ricerche, il libro mette in correlazione la musica e la scienza dell’intonazione, conducendo il lettore attraverso l’antica sapienza di Pitagora, Fibonacci, Leonardo da Vinci e Giovanni Keplero, per giungere alle più moderne ricerche della fisica quantistica e delle neuroscienze. L’Autore mostra come l’uniformità al la a 440 hertz sia stata una scelta arbitraria decisa da poche influenti persone, senza portare alcuna valida motivazione o evidenza né scientifica né artistica a sostegno di quest’imposizione, allontanandoci così dall’intonazione naturale a 432 Hz, correlata alla risonanza terrestre. Con questo libro prenderai consapevolezza di: quali aree cerebrali attivi la musica e a quali ottave di frequenza il cervello umano operi; quale ruolo ricoprano le onde sonore nel modificare la pressione sanguigna, la respirazione, il battito cardiaco, la resistenza elettrica della pelle, la risposta neuroendocrina, la concentrazione ed altre componenti essenziali al benessere umano. Questa è l’opera più esaustiva in commercio sul tema dell’intonazione a 432 Hz, nota anche come La Verdiano, in quanto caldeggiata da Giuseppe Verdi. «Sarebbe proprio il caso, prima di iniziare la lettura, di ascoltare un bel concerto dal vivo con il la intonato a 432 hertz. [...] Personalmente, poco dopo aver letto questo libro nella sua edizione precedente, mi sono deciso a intonare il pianoforte di casa mia a 432 Hz. Il mio ultimo disco è stato registrato con questa intonazione. Tutto ciò per un motivo semplice: ho la sensazione che lo strumento, in questo modo, abbia un suono più caldo e pastoso. È lampante che fin qui siamo in presenza di motivazioni piuttosto personali e poco oggettive. Ma a sostegno della mia decisione, ecco saltar fuori – dalle pagine di questo libro – nientemeno che la scienza». Stefano Bollani «Ecco un progetto avventuroso, un’impresa importante. Riccardo Tristano Tuis è riuscito a catturare l’essenza della nascente rivoluzione musicale con parole semplici, comprendendo la sua grande complessità in modo eccezionale e rendendola comprensibile al lettore comune». Ananda Bosman

La storia dei concerti dei Pink Floyd, dalle pionieristiche esibizioni in calzoncini corti al grande salto di Dark Side, è l’appassionante cavalcata di un gruppo di ragazzi unito dal sogno di diventare una stella luminosa del firmamento musicale. Il libro setaccia storie e notizie attraverso i racconti dei presenti (sul palco, intorno e sotto), le recensioni dei giornali, gli audio live ufficiali e amatoriali, le testimonianze fotografiche, cartacee e discografiche. Un lavoro di archeologia rock, copiosamente illustrato, che coniuga la metodologia degli archivisti musicali alla piacevolezza di una lettura viva ed emozionante.

The Velvet Underground è il nome della rock band formatasi a New York City nel 1964. La formazione originale comprendeva il cantante e chitarrista Lou Reed, il polistrumentista gallese John Cale, il chitarrista Sterling Morrison e il batterista Angus MacLise. Quest’ultimo fu sostituito nel 1965 da Moe Tucker, che suona in quasi tutte le incisioni del gruppo. Nel primo album è presente anche la cantante e modella tedesca Nico, fortemente voluta da Andy Warhol e Paul Morrissey come principale attrazione della band. L’integrazione di musica rock e avant-garde riscosse scarsissimo successo commerciale mentre la band era in attività, salvo farne in seguito una delle più influenti nella musica rock, underground, experimental noise e alternative. I provocatori temi trattati nei testi, le sperimentazioni sonore e l’attitudine spesso nichilista si mostreranno poi decisamente influenti nello sviluppo del punk rock e della new wave quasi un decennio più tardi. “Il primo album dei Velvet Underground vendette solo 10.000 copie, ma tutti quelli che lo comprarono formarono poi una propria band.” (Brian Eno)

L’arte di Maria Callas, il soprano che ha segnato un prima e un dopo nella storia della Lirica. Protagonisti e storici dell’Opera raccontano l’abilità vocale e il carisma interpretativo della Divina, che con il suo repertorio e le sue eroine ha saputo creare il mito definitivo dell’unicità interpretativa. Immagini esclusive e inedite dalla Collezione Ragni-Cuoco e dagli Archivi personali degli Autori narrano i momenti più significativi della carriera dell’Artista e della Donna. Con testi di: Carlo Fontana Già Sovrintendente del Teatro alla Scala di Milano, Gina Guandalini Musicologa, Giovanna Lomazzi vice presidente del Teatro Sociale di Como, Marco Guardo direttore della Biblioteca dell’Accademia Nazionale dei Lincei e Corsiniana, Sergio Ragni musicologo, Placido Domingo tenore, Dacia Maraini scrittrice, Raina Kabaivanska soprano, Sylvia Sass soprano, Eugene Kohn direttore d’orchestra, Nadia Stancioff ufficio Stampa durante le riprese della Medea di Pier Paolo Pasolini, Alejandro Abrante responsabile pubbliche relazioni Rossini Opera Festival, Fabio Ceppelli giornalista, Piero Mioli musicologo.

Nata a New York nel dicembre del 1923, a cento anni dalla nascita Maria Callas viene profondamente e amorevolmente raccontata da Annarita Briganti, che in questo libro ne ricostruisce la vera vita. Parlano i testimoni, i pochi che l’hanno davvero vissuta, in questo saggio (che è al tempo stesso una biografia, un’inchiesta e un reportage) frutto di documenti inediti, studi, interviste e ricerche sul campo dell’autrice. C’è Callas prima del successo, tra l’America e la Grecia, gli anni d’oro in Italia, a Milano e in giro per il mondo, gli anni difficili nelle prigioni dorate che si costruiva intorno e l’eredità artistica che ci ha lasciato. C’è Callas che sul palco non ha paura di niente e che non permette a nessuno di maltrattarla. E c’è Maria, sopravvissuta alla Seconda guerra mondiale, senza niente a parte il suo immenso talento, che sposa un uomo molto più grande di lei, Giovanni Battista Meneghini, e che più tardi ha un colpo di fulmine per Aristotele Onassis, ritrovandosi a lottare per il divorzio quando in Italia ancora non era permesso. Parte di un progetto dell’autrice su Maria Callas, in La Diva umana troviamo materiali inediti su di lei e numerose interviste a, tra gli altri, Giovanna Lomazzi, Ferruccio Mezzadri, Nadia Stancioff, Ilario Tamassia e Pippo Zeffirelli. Sono citati ampi passaggi delle lettere di Meneghini, della sua famiglia e dei suoi amici (da Pier Paolo Pasolini a Luchino Visconti). Sullo sfondo, il rapporto irrisolto con la figura materna che ne ha condizionato l’esistenza, la vita pubblica e privata. Cercava una famiglia, voleva essere moglie e madre: in queste pagine ci sono i suoi amori, il suo desiderio di maternità, c’è la sua umanità che la rendeva grande come artista, fino ad arrivare in Avenue Georges Mandel, dov’è morta nel 1977, e al Cimitero di Père-Lachaise a Parigi.

"L’arte di essere Tom Waits" analizza criticamente l’intera opera dell’artista californiano, illustra le ragioni della sua grandezza, registrando e ordinando quanto da lui prodotto in veste di musicista, attore e ospite televisivo. Il libro segue quattro percorsi: i Paesaggi geografici che hanno fatto da sfondo alla sua carriera; i Suoni (i dischi, le tecniche di registrazione, la scelta degli strumenti e l’uso della voce); le Parole delle canzoni (temi, linguaggio e poetica); le Luci della ribalta (attività drammaturgica e cinematografica, tournée, video e carriera televisiva). Lo struggimento e la dissonanza della musica di Waits lo hanno reso popolare durante gli anni Ottanta e Novanta anche tra i punk e i goth di vent’anni più giovani della sua fan base originale. A tutt’oggi, Waits rimane nel radar della cultura alternativa, modello e mentore per artisti quali Nick Cave, Beck e Pearl Jam. Il suo è un repertorio musicale alto, emozionante e schizofrenico, un tutt’uno con le narrazioni dei personaggi che, di volta in volta, ha trasportato sui palchi dei teatri, sui set cinematografici e dei video, nonché negli studi televisivi. E niente suona come Tom Waits.