Storia dell'arte: stili artistici

L’olandese Maurits Cornelis Escher (1898 – 1972) è il protagonista della mostra che si terrà al Mudec di Milano dal 25 settembre 2025, realizzata in collaborazione con il KunstMuseum den Haag, che conserva un’importante raccolta di opere di questo celebrato artista e grafico. La mostra si contraddistingue per il taglio originale, volto a mettere a fuoco due temi finora poco esplorati: il legame tra l’opera di Escher e la civiltà islamica, conosciuta in numerosi viaggi nel sud Italia e in Spagna, e il forte interesse scientifico e, in particolare, matematico che lo anima. Entrambi questi filoni si riflettono con grande ricchezza di spunti e di soluzioni espressive nella sua opera, pittorica, grafica e di oggetti di design. La presenza in mostra di diversi, splendidi oggetti artistici islamici, sempre del Kunst dell’Aja, permette un confronto puntuale e spesso rivelatore. Il catalogo, con la consulenza dell’ingegner Federico Giudiceandrea della Fondazione M.C. Escher, oltre a riprodurre tutte le opere in mostra, è arricchito da quattro saggi di approfondimento di Claudio Salsi sull’arte grafica di Escher e il rapporto con l’Italia, di Judith Kadee, curatrice del Kunst dell’Aja, sul ruolo centrale dell’Alhambra come fonte di ispirazione, di Paolo Branca sul rapporto con l’Islam e di Claudio Bartocci sugli aspetti scientifici e matematici. Si aggiunge poi un importante testo dello stesso M.C. Escher sulla divisione regolare del piano, che permette di comprendere la solida base matematico-scientifico sottesa alla sua affascinante arte.

In questo libro ci addentriamo nell'opera monumentale di Katsushika Hokusai, che ha immortalato il maestoso monte Fuji nella sua leggendaria serie. Le famose "Stampe di Hokusai", in un'edizione accuratamente realizzata con riproduzioni di alta qualità. Questo libro invita il lettore a scoprire ogni scena iconica, dalla famosa onda di Kanagawa ad altre affascinanti vedute. Accompagnato da commenti che illustrano il significato culturale e artistico di ogni immagine, questo libro è un vero e proprio viaggio visivo e storico nel cuore dell'opera di uno dei maestri della stampa giapponese.

Le streghe ci sono da sempre. Da quando il matriarcato è caduto ed è stato sostituito da poteri che ripudiavano quella tradizione di donne potenti, capaci di interpretare i segni del cielo, capire le piante e gli animali, e farne uso. Delle “signore della notte” parlano i testi greci e latini. Il loro tempo infernale inizia con la fine del Medioevo e la Controriforma. Infernale per l'accusa a loro rivolta di commistione col demonio, e infernale per le dure conseguenze che ne dovettero subire. La propaganda della Chiesa (ma anche da parte dei protestanti) ne portò molte a persecuzioni, processi, roghi. E l'arte si è occupata di loro da molto molto tempo. La strega è stata rappresentata da Dürer e Baldung Grien, a Salvator Rosa, a Goya, fino alla trasformazione simbolista e poi surrealista, che nel Novecento ne ha fatto un modello di ribellione, accolto anche dal movimento femminista.

Questo libro non è una raccolta di capolavori universalmente riconosciuti. Quella delle “Gioconde” è una categoria a parte, che va al di là del rilievo storico artistico. Ne fanno parte dipinti (in gran parte) di volti che per particolari doti di magnetismo, per il loro carisma, potremmo dire, o per le vicende che ne hanno segnato il percorso, hanno finito per assurgere a uno speciale grado di popolarità; al punto, a volte, di trasformarsi in qualcosa di diverso e imprevisto, incarnazione di ideali politici, condizioni sociali o tendenze culturali, ma anche in icone da selfie, in prodotti pop e commerciali che hanno finito per stravolgerne il significato iniziale e gli intenti del loro creatore. A cominciare dalla capostipite della categoria, la Monna Lisa di Leonardo, alla quale troveremo qui affiancate la Ragazza con orecchino di perla di Vermeer, la Venere di Botticelli e la Fornarina di Raffaello, certo, ma anche la Ragazza afgana di McCurry e il manifesto di Che Guevara; la Medusa, prototipo del fascino letale di uno sguardo, e il misterioso profilo di Nefertiti. Opere tutte dotate di elementi di singolarità, o qualità speciali e uniche, storie avvincenti: trappole visive a cui è difficile sottrarsi.

Finalmente, dopo dieci anni, una completa monografia dedicata a Fra Giovanni da Fiesole detto Beato Angelico (circa 1395-1455), uno dei padri fondatori dell’arte rinascimentale fiorentina. Il catalogo realizzato in occasione della omonima mostra, ospitata in due prestigiose sedi a Firenze, Palazzo Strozzi e il Museo di San Marco, offre una panoramica completa sugli studi più recenti dedicati all’artista. Il suo valore scientifico è ulteriormente rafforzato dalla storica riunione di cinque pale d’altare che, nel corso dei secoli, erano state smembrate. Il volume comprende saggi critici di Carl Strehlke, Stefano Casciu e Angelo Tartuferi, uno studio dedicato alla storia del Museo di San Marco e un capitolo di approfondimento sugli affreschi di Beato Angelico conservati nella Sala del Capitolo, nei chiostri e nelle celle del monastero. Questa pubblicazione rappresenta dunque un punto di riferimento fondamentale e imprescindibile per gli studi sull’artista, anche grazie al ricco apparato iconografico. I contributi, pur aderendo ai più alti standard accademici, sono pensati per essere accessibili anche a un pubblico più ampio. I testi sono firmati da alcuni tra i maggiori esperti italiani e internazionali del settore, offrendo un’analisi completa e approfondita dell’opera di Beato Angelico.

La Parigi della Belle Époque è un mondo di luci e ombre, di splendore e fragilità. Nei caffè, nei teatri e nei cabaret di Montmartre si consuma l’energia di un’epoca che crede nel progresso, ma che conosce anche l’ebbrezza dell’eccesso e il fascino del disincanto. Henri de Toulouse-Lautrec è l’occhio più acuto e implacabile di questa stagione: con il suo tratto rapido e incisivo, con i colori accesi e vibranti, cattura l’anima di un’epoca in cui l’arte si mescola alla vita quotidiana. Danzatrici, cantanti, attori e personaggi della notte diventano protagonisti di un immaginario che ha segnato per sempre la modernità. Questo volume accompagna il visitatore in un viaggio tra dipinti, disegni, manifesti e litografie, restituendo la vitalità e le contraddizioni di una città che non dormiva mai. Una testimonianza irripetibile, in cui l’eleganza si intreccia con l’ironia e la malinconia con la leggerezza: la Parigi di Toulouse-Lautrec, eterna e universale.

Vincent van Gogh, una delle figure più famose e tragiche dell'arte del XIX secolo, rivive in questo elegante volume che raccoglie tutti gli 871 dipinti e i suoi scritti. Da Girasoli a Notte stellata e Autoritratto con l'orecchio bendato, scopri la vasta opera di van Gogh, pietra miliare dell'arte del XX secolo.

Dolci o maestose, fiammeggianti d’autunno o candide sotto un manto di neve, le montagne dominano il paesaggio giapponese. In questo cofanetto, oltre sessanta opere di maestri quali Hiroshige, Hokusai e Kawase riproducono le vette sublimi dell’Arcipelago, tra irte scarpate e valli brumose. Dal sacro Fuji alle cime che si profilano lungo la via del Tōkaidō, questi luoghi di pace accolgono spiriti misteriosi, e invitano il viandante a contemplare le bellezze della natura in ogni stagione.

Dalle pitture rupestri agli spot painting di Damien Hirst, passando per gli autoritratti di Rubens e le ninfee di Monet, ecco la storia dell’arte secondo Banksy! A forza d’irriverenti installazioni urbane, parodie pittoriche e capolavori dissacrati, la superstar della street art ci offre uno sguardo inatteso sui grandi classici, dialogando con le tematiche attuali più scottanti e al contempo dando prova di una profonda conoscenza della tradizione artistica. Le oltre 40 opere rivisitate da Banksy e analizzate con finezza dal critico Kelly Grovier ci portano a ripensare il nostro rapporto con i capolavori fondanti della cultura e dell’estetica per dare un nuovo senso alla storia dell’arte.

Per secoli, la Storia dell'arte ha relegato le donne ai margini, rendendole muse o eccezioni alla regola in un pantheon dominato dagli uomini. Con uno sguardo radicale e innovativo, Griselda Pollock e Rozsika Parker mostrano come la Storia dell'arte non sia un racconto neutro, ma un sistema di linguaggi, criteri e valori modellati per definire l'arte come spazio di creazione esclusivamente maschile. Non si tratta quindi solo di aggiungere qualche figura femminile a un canone consolidato, ma di mettere in discussione i presupposti stessi della disciplina costruiti strategicamente sull'esclusione delle artiste. Un classico della critica d'arte femminista finalmente disponibile in italiano, che continua a essere una risorsa essenziale per chiunque voglia comprendere non solo la storia dell'arte, ma il modo in cui il potere plasma la cultura attraverso l'ideologia.

Henri Matisse, scomparso a Nizza nel 1954 a ottantaquattro anni, è il più grande artista dei suoi tempi, assieme a Picasso. Considerato l'“inventore” della pittura del Novecento, è universalmente ammirato per la gioia di vivere, la serenità, il piacere trasmesso dai dipinti e da quei magnifici collage, i “papiers collés”, che caratterizzano la luminosa sperimentazione degli ultimi anni. L'apparente facilità della sua pittura, il gusto per la decorazione, l'arabesco, il fascino raffinato delle modelle, manifestano l'intenzione dell'artista di trasmettere gioia, voluttà, e il piacere rilassante di chi sieda ammirato su una poltrona confortevole. Quadri, arazzi, tessuti esotici, interni con figure e nature morte, finestre affacciate su sognanti vedute, blu intensi del cielo e del mare, verde delle palme e delle felci, non nascono dal nulla. Il meraviglioso campionario delle immagini di Matisse fu alimentato dai viaggi, che Gloria Fossi ha ripercorso in cerca della bruma e dei campi di grano della Francia settentrionale, degli atelier parigini sui quai della Senna, delle vedute di Ajaccio e dei canali di Tolosa, degli aspri Pirenei e i colori accesi del Sud della Francia, del calore andaluso e del Marocco, rintracciando i suoi soggiorni nel porto vecchio di Marsiglia, le case in Costa Azzurra e gli atolli più lontani nel Sud Pacifico. Un grande affresco, che ripercorre la lunga vita di Matisse attraverso decine di opere e centinaia di fotografie dei suoi luoghi.

Giovane minatore nella natia Scozia, da ignoto autodidatta Jack Vettriano è diventato in breve uno degli artisti più amati dei nostri tempi. Le sue riproduzioni su poster, cartoline, tazze e ombrelli vanno più a ruba di quelle di Van Gogh, Dalí e Monet, mentre le celebrità di tutto il mondo si contendono i suoi quadri. Le sue opere alludono a storie spesso misteriose e si spalancano su un mondo dal fascino innegabile, in una narrazione quasi sospesa, e a scene diurne su uno sfondo di stabilimenti balneari e ippodromi si contrappongono tele più inquietanti, imperniate su complesse relazioni amorose consumate in bar, club, camere da letto e sale da ballo. A pochi mesi dalla scomparsa, questo nuova edizione aggiornata celebra la sua arte, come un’ultima grande personale.