Arti: soggetti e temi specifici

Questo volume indaga, attraverso una serie di casi di studio, modi e semantiche della rappresentazione di contesti naturali volti ad articolare strategie discorsive relative a varie forme di alterità. Molta della storiografia artistica dedicata a tematiche dell’alterità nella prima età moderna si concentra soprattutto su immagini proto-etnografiche che restituiscono gli sguardi europei su civiltà altre, concentrandosi appunto sulla raffigurazione dei corpi. Attraverso la collaborazione con studiosi e studiose che hanno offerto sguardi sui contesti nei quali le figure possono essere incluse ed indagate, i saggi qui raccolti concentrano l’attenzione su ciò che si trova attorno alle figure stesse: paesaggi immaginati e paesaggi dell’alterità, che permettono di esplorare storie che attraversano tutta la prima modernità fino a spingersi al contemporaneo. Senza alcuna pretesa di esaustività, l’obiettivo di questo volume è proprio quello di concentrarci sugli ecosistemi, raffigurati in diversi contesti, con differenti obiettivi, ed in varie epoche proprio per iniziare ad esplorare la ricchezza di contenuti che essi possono veicolare.

Palazzo Madama non è un edificio: è un palinsesto di memorie. Il volume ricostruisce il suo volto medievale riportando alla luce il castello degli Acaia attraverso documenti, scavi, analisi architettoniche e modelli digitali. Ne emerge un luogo vivo, cuore politico e simbolico della Torino delle origini, abitato da principi, funzionari, artigiani e da una miriade di storie intrecciate. Un viaggio affascinante tra pietre e parole che restituisce alla città un profondo senso identitario.

Giorgio Casali (1913-1995) è una figura centrale nella storia della fotografia del Novecento. Dal 1951 a metà degli anni ottanta, per oltre trent’anni, egli è il fotografo dei maggiori architetti e designer italiani. La sua prolungata collaborazione con la rivista internazionale “Domus” lo mette in luce quale testimone negli anni in cui l’Italia viene attraversata dall’onda della modernizzazione, periodo caratterizzato da un forte entusiasmo per i nuovi stili di vita, per il nascente mercato dei consumi di massa, per le trasformazioni architettoniche pubbliche e private che plasmano nuovi contesti. Il sottotitolo della mostra, Paesaggi pubblici e privati, fa riferimento alla costruzione della nuova società, urbana e sociale, che si esprime nell’immaginario domestico, rappresentativo, produttivo e umano interpretato dalla fotografia. I materiali del Fondo Giorgio Casali, conservati presso l’Archivio Progetti dell’Università Iuav di Venezia (centoventimila fra lastre e negativi, oltre a una corposa documentazione dell’attività dello studio con le carte personali), consentono di raccontare, secondo diversi tagli tematici, le trasformazioni dell’Italia nella fase del più intenso sviluppo. Le sue fotografie rappresentano quindi un corpus documentale di grande interesse per raccontare uno dei contesti più produttivi del paese in una fase di sperimentazione e cambiamento.

Le opere presentate in questa elegante edizione costituiscono una raccolta di disegni e acquerelli di rose realizzati dalla pittrice botanica Aurora Tazza, a partire da esemplari coltivati presso il Roseto dell’Università di Roma “La Sapienza” e il Monastero delle Benedettine di S. Cecilia in Urbe. Grazie agli stimoli e alle suggestioni che solo le Rose con il loro fascino misterioso sanno offrire, la raccolta è cresciuta nel tempo, arricchendosi di nuove tavole dipinte, studi cromatici e disegni acquerellati di rose italiane e di antiche varietà europee ed estremo-orientali. Il coinvolgimento emotivo dell’autrice trasforma la visione analitica delle complesse forme e cromie delle rose in contemplazione della loro straordinaria bellezza. Chiudono la pubblicazione significative note storiche e descrittive di ciascuna delle rose rappresentate.

Uno viaggio nel nostro mare, il Mediterraneo, nel nostro passato, l’archeologia, e nel presente, il nostro essere oggi alla continua ricerca delle nostre radici per poter andare avanti. Josef Koudelka ha deciso di compiere un viaggio lungo e unico che in 30 anni che lo ha portato a fotografare in diciannove diversi paesi del Mediterraneo e a visitare più di cento siti archeologici della storia Romana e Greca. La sua esplorazione non ha precedenti; Alain Schnapp, il famoso archeologo, lo ha definito un viaggio unico perché nessuno prima di lui aveva provato con tale ostinazione a fornire una rappresentazione tanto completa di quel che rimane, vestigia, rovine, opere d’arte e resti del passato, della nostra storia antica. E tutto, usando in modo magistrale la fotografia. Se nel Diciannovesimo secolo i pittori romantici amavano le rovine, le dipingevano nella gloria della nostalgia più profonda. Josef Koudelka, invece, non coltiva la nostalgia e per lui le rovine sono resti emozionanti di quello che sta per morire; segni di ciò che succede ora, di cui l’arte dovrebbe recuperare il valore e il significato nel nostro presente. Perché è di fronte a questo “mare comune” che è nata l’Europa e i suoi valori fondanti. Questo lavoro non intende solo documentare la Storia ma vuole è recuperare il significato di un mondo che rischiamo di perdere; un mondo “che noi portiamo dentro di noi come macerie accatastate con instancabile speranza”.

La mostra di cui questo volume è catalogo affronta il rapporto fragile, contraddittorio e irrisolto tra l'essere umano e l'ambiente. Attraverso sculture, video e opere su carta, Brighetti esplora concetti come il rifiuto dello spreco e la responsabilità individuale. Il rispetto per l'ambiente non deve limitarsi al possesso territoriale, ma aprirsi a una consapevolezza più profonda. Utilizzando campi magnetici, dinamiche dei fluidi ed energie rinnovabili, l'artista crea oggetti che sembrano "respirare" e dialogare con forze invisibili. L'obiettivo non è fornire soluzioni o spiegazioni, ma mettere in crisi lo spettatore, spingendolo a riflettere sulla propria condizione nel mondo. Una personale multimediale e immersiva che usa il linguaggio della scienza e dell'arte per indagare il legame viscerale tra uomo e natura, invitando il visitatore a un ascolto attivo e a un'esperienza sensoriale profonda.

Il concetto di distanza, fluido e dinamico, si declina in molteplici forme, relazioni e approssimazioni: empatia, rapporti sociali, iper-connessione, visioni microscopiche o macroscopiche sono solo alcuni dei concetti con cui i docenti e gli studenti di design dell’Università degli Studi della Repubblica di San Marino si sono cimentati, producendo più di cento artefatti di comunicazione visiva. In un dialogo tra il segno grafico e lo spettatore, si apre un universo di riflessioni sulla società contemporanea e sulla sua capacità di connettere veramente le persone, al di là delle distanze che le separano. Questo libro, a testimonianza dell’omonima mostra allestita presso Dropcity (Milano, 24-26 maggio 2024) nel prestigioso contesto di BIG – Biennale Internazionale di Grafica, intende approfondire la natura delle relazioni personali e interspecie e le influenze che le azioni umane producono sul mondo circostante. Attraverso la visualizzazione di concetti complessi e astratti, i progetti diventano strumenti di consapevolezza, capaci evidenziare non solo le distanze fisiche, ma anche quelle emotive e culturali.

Il romanzo-collage Una settimana di bontà o I sette elementi capitali è un'opera surreale, onirica, una storia narrata attraverso illustrazioni che descrivono situazioni, figure surreali, di sogno – o più spesso di incubo –, nelle quali gli abissi dell’erotismo sembrano inseparabili dalla violenza, dal delitto. Si divide in cinque cahiers – realizzati nel 1933 e pubblicati in successione (su modello dei romans-feuilletons, i romanzi a puntate ottocenteschi) – a ognuno dei quali è associato un colore (viola, verde, rosso, blu e giallo), e si articola in sette sezioni, una per ogni giorno della settimana a partire da domenica. A ogni giornata corrisponde un elemento – il fango, l’acqua, il fuoco, il sangue, il nero, la vista, l’ignoto – associato ad un esempio, «come per un esercizio scolastico, ma l’esempio finisce per disturbare la comprensione piuttosto che favorirla»: i temi delle diverse giornate si sviluppano intorno a personaggi polimorfi, ibridi, che costituiscono il misterioso centro dell’inafferrabile svolgimento narrativo e che sembrano declinare, di sezione in sezione, diversi «motivi erranti del terrore», vere e proprie variazioni sul tema della paura. Con uno scritto di Andrea Zucchinali.

Attivo fin dagli anni quaranta, Remo Bianco è stato uno dei protagonisti del panorama artistico milanese e italiano del secondo Novecento, artefice di un percorso inusuale, caratterizzato da un'intensa sperimentazione tecnica e da una frenetica quanto acuta ricerca formale. Il saggio di Sharon Hecker - traduzione italiana della versione inglese, pubblicata su "Sculpture Journal" nel novembre del 2024 - è dedicato al precoce impiego della plastica da parte dell'artista milanese e ha, tra i suoi meriti principali, quello di dimostrare come questa scelta tecnica operata da Bianco, sia la cartina di tornasole dell'intricato e complesso panorama della scena artistica italiana della seconda metà del Novecento, mettendo in evidenza la coralità, la ricchezza di stratificazioni e i rapporti con la cultura e la società di quei decenni, anche in una prospettiva internazionale. Il volume fa parte di una serie speciale della collana 'pesci rossi', realizzata in collaborazione con la Fondazione Remo Bianco, destinata a divulgare e valorizzare l'opera dell'artista.