Arti: soggetti e temi specifici

Una serie di opere che alludono ad una imminente eruzione: i sommovimenti dei bradisismi nei Campi Flegrei, le fiamme che si elevano dal cono del Vesuvio, la pioggia che sembra flagellare i palmizi. La Napoli di Alessandro Busci è scossa dalla natura imperiosa che la circonda, sul punto di cedervi. Non è una premonizione, semmai il ricordo di eventi precedenti, quasi che l'artista potesse rammemorare il passato e, per paradosso, rammemorare il futuro; in "Parthenogenesis" si allude da un lato a un dopo catastrofe, dall'altro alle infinite possibilità della riproduzione virginale, così che da una città se ne possa produrre un'altra nuova, così che da un'opera se ne possano produrre altre con la stessa matrice, simili seppur derivate dal prototipo, rigenerate per esuberanza della vita e dell'arte che trovano, dopo gli olocausti, modi di sopravvivenza sempre miracolosi. È una pittura adesso matura quella di Busci che ha abbandonato collaudati schemi compositivi, per addentrarsi in territori dove talora l'astrazione sembra prevalere sulla figura, preconizzando future ulteriori rarefazioni; una maturità tecnica raggiunta, in cui il gesto si è liberato di qualsiasi accademismo, si è fatto più veloce, più capace di interpretare le tensioni di uno sguardo sul mondo, e che ha permesso al pittore milanese di evitare ogni manierismo rimanendo però fedele a uno stile, e a un materiale come il ferro.

Una guida per acquisire attraverso la pratica e l’esperienza la capacità di individuare le linee essenziali della figura umana. Una tecnica classica che prevede per ogni soggetto di schizzare la struttura prima di arrivare a un disegno più rifinito con gli effetti di chiaroscuro. Con richiami di anatomia e di studio delle proporzioni. Uno straordinario repertorio con centinaia di atteggiamenti e posizioni.

Cosa hanno in comune l’Altare di Isenheim di Grünewald e la Volta Sistina di Michelangelo? Opere apparentemente così diverse, eppure pressoché coeve, secondo John Dillenberger nascono entrambe da un «cristianesimo comune». In Immagini e reliquie le ragioni di questa convinzione si articolano dettagliatamente in uno studio sul rapporto tra le arti visive del XVI secolo e le correnti teologico-religiose dell’Europa delle Riforme. Disegnando uno scenario in cui le arti di diffusione popolare nate agli albori della stampa convivono con quelle delle grandi committenze tardo-rinascimentali, Dillenberger porta avanti la tesi dell’influenza del pensiero luterano-protestante su di esse, rifacendosi all’incredibile fermento religioso che ha segnato la storia dell’arte del Cinquecento e lasciato intravedere, concretamente, le radici di una nascente modernità estetica.

Catalogo delle opere in acquaforte e acquerello dell’artista Luigi Caflisch.

Catalogo della mostra: “Pietro Pietra (1885-1956). La forza del segno” Palazzo d’Accursio, Bologna 6 dicembre 2025 - 12 febbraio 2026. In occasione della mostra ospitata a Palazzo d'Accursio (Bologna) dal titolo "Pietro Pietra (1885-1956). La forza del segno", viene pubblicato il relativo Catalogo. Il volume si compone di 82 tavole a colori e di testi redatti da Gianarturo Borsari, Daria Ortolani, Giulio Cesare Pietra e Alessandra Sandrolini. L'opera intende ripercorrere la produzione dell'artista Pietro Pietra, operativo nella Bologna di fine XIX e inizio XX secolo. Raffinato acquafortista e acquerellista, Pietra si mosse tra innovazione, osservazione dal vero e tradizione, cimentandosi con un ampio novero di tecniche e lavorando senza tregua fino alla fine dei suoi giorni. Artista sperimentatore e mai timoroso di trasformare la sua arte in mestiere, fu principalmente devoto a due soggetti: Bologna e gli animali. Il catalogo propone per la prima volta scritti e disegni inediti dell'artista. Un particolare rilievo è stato dato alla tecnica dell'acquaforte e all'incisione nel Novecento, alla storia dell'art animalier e alla tradizione del vedutismo nell'arte bolognese.

Ospitato da Villa Rospigliosi con la direzione artistica di ChorAsis e la curatela di Matteo Binci ho la possibilità, attraverso una mostra personale, di coagulare un lungo processo di solvenza. Decido di penetrare mediante lo sviluppo di un percorso in tre tappe. La prima, sala dell’aperitivo o dell’uccellagione, è un sistema di cattura congegnata per il “viandante”/pubblico, inspirata agli impianti di caccia per uccelli (uccellande) e rievocati dall’adiacente boschetto un tempo in uso per l’uccellagione nella Villa. Nella sala richiami seducenti di campanacci fatti suonare da dildi vibranti imboscati tra le foglie del limone, dispensatori di cibo e bevande conducono, sotto lo sforzo del carro, a un buco passaggio, un tappeto piegato, una porta verso la sala senza nome. In questa seconda sala espositiva e ricovero dei mezzi dell’azienda agricola Rospigliosi, si trova la proiezione, sul muro sgarrupato, del video documentario Un mondo senza nome. Prospiciente, a conclusione del percorso, la sala da pranzo è un impianto per la celebrazione conviviale quale atto di trasformazione per mezzo di fuoco. Delineazione di una costellazione familiare e crogiolo di nodi psicologici fusi misti a scorie.

Quelle di Gianfranco Chiavacci e di Fernando Melani sono due esperienze di vita e artistiche maturate nella stessa città, Pistoia, attraverso un’iniziazione all’arte in modo autodidattico, percorso da entrambi, ma nondimeno in una dedizione totale sancita da un incontro e da un’assidua frequentazione per circa trent’anni. Diversi per estrazione sociale e culturale, i due artisti di giorno in giorno, a partire dalla metà degli anni Cinquanta, convergono per interessi culturali, scientifici, artistici e di pura ricerca cognitiva, al fine di pervenire a una produzione di opere rispondenti a proprie ipotesi procedurali: Chiavacci, interessato all’uso del linguaggio binario matematico finalizzato al conseguimento di immagini base pittorica e non solo; Melani, interessato alla fisica quantistica, di cui assume dati attraverso assidue consultazioni di riviste e opuscoli scientifici per accertare alla luce dell’entità particellare, ovunque presente, la vera realtà della materia da elaborare in esperienze artistiche di carattere sia pittorico che plastico. La mostra pone a confronto una serie di opere dei due artisti, offrendo un repertorio emblematico di un dialogo inesauribile e originale, esemplare di una stagione dell’arte contemporanea di due outsider della conclusione del XX secolo.

In un dialogo tra arte e scienza, "Arte nel paesaggio" - progetto biennale a cura di Giada Rodani e Jade Vlietstra - intende valorizzare il paesaggio toscano come eredità storica, attivandolo attraverso l’energia vitale dell’arte contemporanea per costruire un’identità culturale dinamica, sorgente attiva di nuove idee. L’iniziativa, concepita come un processo osmotico di trasfusione di sensibilità, si sviluppa tra due cupole: la Cappella di San Michele Arcangelo a Semifonte (un ottavo del duomo di Firenze) e l’Osservatorio Polifunzionale del Chianti (OPC), gestito dall’Università di Firenze. L’edizione 2025, dal titolo “Time Gravity”, approfondisce il concetto di TEMPO, che si configura come ritmo dell’universo e ciclo della natura, in mutamento continuo e senza fine, ma anche come frammento di tempo con un valore qualitativo e relativo. Da qui una riflessione sulla morfologia, non legata ad un’idea di forma come stabilita, conclusa e fissata nel tempo, ma – come per il paesaggio – sempre in divenire. Per questa seconda edizione del progetto i due artisti Sophie Ko e Luca Pozzi sono stati invitati a realizzare interventi specifici per i due spazi ponendoli in dialogo. Pubblicazione dedicata a chi ricerca nuove prospettive sull’arte ambientale, sulle relazioni tra estetica e scienza, e sulla capacità del linguaggio artistico di rivelare le identità nascoste dei territori.

Il volume documenta e approfondisce "Analisi dell’errore", progetto di Esther Stocker a cura di Angel Moya Garcia, presentato alla Tenuta Dello Scompiglio. L’errore, concetto che attraversa filosofia, scienze, psicologia e linguaggi contemporanei, viene qui indagato non come semplice deviazione negativa, ma come principio generativo capace di ridefinire sistemi conoscitivi e percettivi. L’installazione ambientale, costituita da un reticolato di nastro adesivo nero su fondo bianco che avvolge lo spazio e da una serie di dipinti che ne anticipano le interferenze, mette in discussione ordine e regolarità, introducendo anomalie che destabilizzano l’apparente oggettività del sistema. Nel dialogo tra rigore matematico e intuizione sensibile, astrazione e distorsione, l’opera di Stocker rivela la produttività dell’errore come apertura di senso e occasione di trasformazione. Il volume restituisce un’indagine critica sull’attualità di un concetto che, oltre la nozione di fallimento, si afferma come dispositivo conoscitivo, estetico e politico.