Arti: argomenti d'interesse generale

Questo libro vuole rovesciare il luogo comune secondo il quale l'estetica come filosofia dell'arte e della sensibilità si è formata grazie alla presa di distanza della cultura moderna dalla fede religiosa. In parte è così, e i suoi natali illuministici stanno a testimoniarlo. Ma la separazione tra arte e religione è stata un processo complesso e spesso conflittuale. Ben più remoti ascendenti, quelli che alla fine del Medioevo hanno visto la fede religiosa assumere una tonalità man mano più emotiva e meno speculativa, lasciano infatti intravedere altro: e cioè punti di contatto e di scambio tra una fede sempre più «umanistica» e i concetti che è andato elaborando il pensiero estetico, come immaginazione, genio, sentimento. Il nuovo volto dell'arte si modella quindi sulla fede da cui pure intende liberarsi. Da Giotto e Dante fino al Barocco, passando per i grandi protagonisti dell'arte figurativa e della teoria poetica quattro-cinquecentesche, da Piero della Francesca a Leonardo e Raffaello, da Alberti e Vasari a Bembo e Castiglione, il libro mostra come questa trasformazione della sensibilità abbia accompagnato i mutamenti che condurranno alla modernità. Che viene qui riletta non come semplice esito di un progresso, ma come l'effetto di una crisi del pensiero, una frattura feconda in grado di aprire a nuove possibilità.

Nella tradizione degli studi sulla lingua italiana l'attenzione per gli aspetti linguistici dei testi di storia dell'arte è relativamente recente. Il volume, pensato anche come strumento didattico, offre un profilo aggiornato e sintetico delle ricerche sulla lingua dell'arte e, al contempo, nuove analisi di scritti antichi e moderni che abbracciano un settore di indagine così esteso e diversificato come quello delle scienze visuali. I testi della letteratura artistica in Italia vengono considerati nella loro evoluzione attraverso i secoli, e quindi valutati per tipologia, strategie testuali e lessico tecnico, dando particolare rilievo agli autori maggiormente significativi. Chiude il libro una sezione antologica con alcuni casi esemplari.

La celebre Crocifissione laurentina fu dipinta da Guido Reni nel 1637 nel capoluogo emiliano, su commissione dell'importante famiglia bolognese Angelelli. A causa delle tragiche vicende che segnarono la famiglia, prima l'assassinio del capostipite Andrea Angelelli, seguito dalla morte prematura del figlio Francesco, il dipinto fu peregrino tra Bologna e Roma e qui rimase definitivamente a partire dal 1669 quando, grazie al lascito testamentario della vedova Angelelli, la Marchesa Cristiana Duglioli, fu donato alla Basilica di San Lorenzo in Lucina e prese l'attuale collocazione. A più di cinquant'anni dall'ultimo intervento conservativo, risalente al 1976 ad opera del restauratore romano Ermete Domenico Crisanti, il restauro attuale, affiancato in ogni sua fase da un'accurata campagna diagnostica, ha consentito di conoscere dettagli inediti relativi alla tecnica esecutiva e ai materiali costitutivi impiegati dall'artista bolognese, che, comparati con studi analoghi condotti su altri dipinti conservati in collezioni internazionali, portano ad una maggiore conoscenza della figura di questo importante artista. The famous Crucifixion in San Lorenzo in Lucina was painted by Guido Reni in 1637 in Bologna, commissioned by the eminent Bolognese family, the Angelelli. As a result of the tragic events that marked the family, first the murder of its head, Andrea Angelelli, followed by the premature death of his son Francesco, the painting travelled backwards and forward between Bologna and Rome, before settling permanently in the papal city in 1669 when, thanks to the bequest of Angelelli's widow, the Marchesa Cristiana Duglioli, it was donated to the Basilica of San Lorenzo in Lucina, and placed where it hangs today. More than fifty years after the last conservation work, carried out in 1976 by the Roman restorer Ermete Domenico Crisanti, the current restoration, accompanied at every stage by an in-depth campaign of diagnostic investigation, has revealed previously unknown details of the painting technique and the materials employed by Guido Reni. These findings, when compared with similar studies carried out on other of his works in international collections, have led to a greater and more profound understanding of this important artist.

Studi e restauro di un “Manteau de théâtre” appartenuto a Luciano Bonaparte nelle collezioni del museo napoleonico.

Il bollettino d'arte è la rivista ufficiale del ministero della cultura italiano, una delle pubblicazioni periodiche più antiche e prestigiose nel campo della storia dell'arte e del patrimonio culturale in Italia.

Questa mostra, immersiva e multimediale, permette di scoprire lo scavo condotto ad Assuan dall'Università degli Studi di Milano in collaborazione con il Ministero del Turismo e delle Antichità egiziano. Essa svela una società di frontiera multietnica e multiculturale, composta da egiziani, nubiani, persiani, fenici, greci e romani, che condivideva i culti funerari locali e la loro promessa di eternità. Il percorso invita a riflettere anche sui tratti distintivi della cultura faraonica, fondata sul concetto di maat, ovvero l'ordine cosmico, che il faraone garantiva mantenendo l'equilibrio tra le forze della natura e la vita umana.

Che cosa accade quando la parola è chiamata a inventariare l’immagine, cioè l’oggetto artistico? Quali sono i metodi e quali i protagonisti di questa scrittura? Questo libro intende offrire un originale contributo allo studio dell’inventario, con particolare attenzione alla registrazione degli oggetti artistici e alla grafica, vero punto di incontro tra spazio del collezionismo e spazio della scrittura nel suo secolo d’oro, il Settecento, con importanti ricadute sul versante storiografico – qui puntualmente registrate.

Cos'è la Divina Proporzione? Perché Luca Pacioli la riconduce a Dio e alla Santa Trinità? La possibile risposta, attraverso una lunga ricerca interdisciplinare condotta secondo criteri di verificabilità analitica, apre a un'inedita prospettiva sulle arti e sulle società ispirate ai dettati del cristianesimo trinitario. Un percorso, dai retabli pittorici sardo-catalani all'enigmatico Uomo Vitruviano di Leonardo, sino ai grandi artisti che hanno modellato la concezione dell'arte nelle società dell'umanesimo rinascimentale. illuministiche, laicistiche e contemporanee divenendo soglia, quasi insuperabile, di appagamento della conoscenza. E tuttavia, la ricerca non conosce fine. Così, l’ingannevole Homo ad Circulum e Homo ad Quadratum, nello sciogliersi degli enigmi, si rivela come un inganno di Leonardo impiegato per trascrivere le "segretissime" regole, matematico-esegetiche della Divina Proporzione raffigurabili in un Deus Trinitas dove Unus de Trinitate passus est. Deus Crucifixus di agostiniana memoria. Analogamente, le inesplorate cinque "ragioni", indicate da Pacioli, che mettevano in relazione la Divina Proporzione con il Padre, il Figlio e lo Spirito Santo, trovano luce nell'unificante simbolo trinitario della Croce. Per la cristianità trinitaria "è nel Cristo in Croce che la Santissima Trinità può manifestarsi agli uomini, il Cristo in virtù del quale esistono tutte le cose". Lo studio documenta, nelle opere d'arte e architettoniche tra il IV e il XVIII secolo, la presenza compositiva di tre Croci: la prima riferibile al Padre, che contiene quella del Figlio, entrambe avvolte da una terza quale ombra dello Spirito Santo. Croci geometricamente costruite con linee artificiali che scompaiono una volta finita l'opera, come sosteneva Tommaso d'Aquino. La ricerca propone una teoria di carattere sistemico e a vocazione generale, volta a individuare un principio formale ricorrente all'interno di un'ampia tradizione iconografica e culturale.

Scritti di artisti, collezionisti, amatori, letterati; trattati teorici, vite di pittori, scultori e architetti; guide artistiche di città e resoconti di viaggio; discussioni sulla liceità religiosa delle immagini e disposizioni sulla loro collocazione negli ambienti ecclesiastici; ricostruzioni di esperienze di fruizione dell'arte in ambito sacro o in occasione dell'allestimento di apparati effimeri: tutte queste sono fonti che, nel loro insieme, definiscono il discorso sull'arte, cioè l'insieme delle considerazioni riguardanti l'arte in un determinato periodo storico. Nel 1924 Julius von Schlosser, uno studioso austriaco, scrisse La letteratura artistica, fondando e dando un nome alla disciplina. Quel libro è stato l'opera indiscussa di riferimento per generazioni di amanti della materia. Oggi, La nuova letteratura artistica non è un semplice aggiornamento, in quanto propone un vero e proprio ripensamento della disciplina. In un ambito oggettivamente complesso, questo libro conduce attraverso un affascinante viaggio che parte dai testi e segue gli spostamenti storici e geografici del discorso sull'arte. In questo percorso, è relativamente importante chi esprime per primo un concetto; è fondamentale, invece, seguire la fortuna di quel concetto nel corso dei secoli e tra un'area geografica e un'altra. La nuova letteratura artistica è un progetto in più volumi. In questo primo libro si va dalla tarda antichità alla fine del Quattrocento. I criteri che caratterizzano la narrazione sono completezza della trattazione e chiarezza del commento. Ogni capitolo è diviso in due parti: la prima contiene le informazioni di base per l'insegnamento universitario della materia, o anche per chi, semplicemente, ami l'arte e desideri saperne di più; la seconda è pensata per gli operatori professionali e propone approfondimenti contenutistici con un ricco apparato di segnalazioni bibliografiche. L'indice delle fonti, a fondo volume, ne permette l'uso come opera di consultazione.

"Gestire il patrimonio artistico" di Luigi Di Vaia è una guida operativa pensata per trasformare una collezione, piccola o gra