Taschen: BIBLIOTHECA UNIVERSALIS

Fin dai tempi in cui Henry David Thoreau descrisse nel libro Walden, ovvero Vita nei boschi (1854) la sua permanenza in una capanna sulle sponde del Lago Walden, Massachussets (durata due anni, due mesi e due giorni), l’idea di un rifugio continua a sedurre la psiche moderna. Nel decennio scorso, dopo che il lato materiale della nostra esistenza e l’impatto sul pianeta sono cresciuti in maniera esponenziale, architetti di tutto il mondo hanno iniziato a mostrare un particolare interesse verso le possibilità offerte da residenze minimali, a basso impatto ambientale e isolate. La nuova edizione Bibliotheca Universalis di Cabins combina testi approfonditi, numerose fotografie e splendide illustrazioni contemporanee di Marie-Laure Cruschi per mostrare come questa particolare tipologia architettonica offra particolari spunti al pensiero creativo. Rifuggendo ogni eccesso, la capanna limita gli spazi allo stretto indispensabile, e il suo necessario contesto rurale mette in primo piano soluzioni eco-friendly. In quanto tale, la capanna è la palestra in cui si cimentano alcuni degli studi di architettura contemporanei più innovativi e all’avanguardia, con Renzo Piano, Terunobu Fujimori, Tom Kundig e molti giovani professionisti che si accostano alla progettazione di spazi distillati e minimali alla stregua di santuari. Le capanne selezionate mettono in evidenza la varietà di questa tipologia architettonica in termini sia funzionali sia geografici. Da uno studio per artista sulla costa inglese del Suffolk a case ecologiche nella regione indiana dei Ghati occidentali, questa rassegna è doppiamente eccezionale, tanto per il suo respiro internazionale quanto per l’ampio ventaglio di brief, clienti e situazioni che presenta al lettore. Caratteristici del volume sono inoltre l’innovazione architettonica e un senso di contemplazione e coesistenza carichi di ispirazione, ora che la tendenza dell’uomo è quella di un ritorno alla natura e a un modello di vita meno distruttivo nei confronti del pianeta.

Il Kama Sutra offre dettagliate istruzioni su come sculacciarlo. C’è chi lo tocca come portafortuna prima di una scommessa. In America è oggetto di chirurgia plastica a un ritmo che quasi eguaglia gli interventi di mastoplastica additiva. Il sedere femminile – chiamiamolo derrière, culo o lato B – da sempre ispira meraviglia, fantasia e remissiva devozione. Non si direbbe, ma la sua principale funzione è di natura pratica e non estetica: il sedere aiuta a mantenerci in equilibrio mentre corriamo, dicono i biologi. Ma provate a chiedere a un qualsiasi pigofilo (termine tecnico che indica gli amanti dei fondoschiena) e vi darà sempre la stessa risposta: il posteriore femminile esiste per soddisfare i piaceri degli occhi, delle mani e delle parti basse. Un culetto sodo è fonte di eccitazione immediata, come sottolinea Zora Neale Hurston in Their Eyes Were Watching God: “Gli uomini notarono le sue chiappe rotondette, era come se avesse due mele mature nelle tasche di dietro”. O come afferma il rapper Sir Mix-a-Lot: “My anaconda don’t want none, unless you’ve got buns, hun”. Presentato in edizione Bibliotheca Universalis, The Big Butt Book esplora il fascino senza tempo del fondoschiena femminile – da piccolo e scattante, a voluminoso e suntuoso – basandosi sulla quarta istallazione artistica dell’acclamata serie dedicata al corpo ad opera di Dian Hanson. Le numerose fotografie, tra cui scatti di celebri artisti, spaziano dal 1900 fino ai giorni nostri, e sono contestualizzate dalle interviste con l’icona del mondo pornografico John (Buttman) Stagliano, il regista Tinto Brass, l’artista Robert Crumb, e molti altri ancora.

L'architettura tradizionale giapponese è così ricca e unica che è veramente difficile migliorarla. Tuttavia i designer e gli architetti giapponesi contemporanei continuano a cercare nuovi modi per rinnovarla traendo ispirazione dal passato. Che si tratti di una casa tradizionale perfettamente conservata o di un appartamento all'avanguardia, le migliori case giapponesi hanno in comune la predilezione per gli spazi accuratamente progettati e per i materiali caldi come il legno, i mattoni e il bambù. Da una fattoria con il tetto di paglia in cui vive un monaco Zen alla sperimentale 4x4 House di Tadao Ando, dalla Shutter House di Shigeru Ban a un bell'omaggio al bambù in forma di casa, questo libro attraversa il paesaggio sfaccettato dello stile di vita e dell'abitare giapponese contemporaneo. Arricchito da 170 fotografie nuove e inedite, questo incredibile viaggio nella terra del Sol Levante include anche una lista di indirizzi per chi desidera visitare di persona le case e le strutture più affascinanti del Giappone. Un utilissimo glossario, comprendente termini chiave come tatami, shoji e noren, vi aiuterà a comprendere tutti gli elementi dell'ineguagliabile estetica giapponese, emblema del minimalismo orientale.

Sebbene sia separato dall'Europa solo da uno stretto braccio di Mediterraneo, il Marocco non potrebbe essere più lontano. Con i suoi paesaggi desertici, i souk labirintici, la cucina squisita, gli splendidi tessuti e tappeti, i mosaici vivaci, gli odori fragranti, la musica ipnotizzante e l'accoglienza della sua gente, il Marocco è una delle destinazioni più incantevoli e intriganti. Immergendosi nel mito marocchino, Barbara e René Stoeltie ci presentano una selezione di meravigliose abitazioni per illustrare tutti i tratti caratteristici dello stile di questa terra: da piscine piastrellate di turchese e giardini lussureggianti, fino agli arredi in legno intarsiato e alle fontane di marmo color smeraldo. Più di 500 pagine arricchite da fotografie inedite vi guideranno in un viaggio alla scoperta di oasi esotiche e paradisiache, magari mentre sorseggiate un bel tè alla menta...

So rich and unique is traditional Japanese architecture that it’s nearly impossible to improve upon. Yet contemporary Japanese designers and architects keep finding fresh approaches to refurbish and take inspiration from the ways of old. Whether it’s a pristinely preserved traditional house or a sleek modern apartment, the best Japanese homes share a love of cleverly designed spaces and warm materials like wood, brick, and bamboo.

Gli edifici scolpiti nella nostra mente, le icone dello spirito architettonico degli anni Cinquanta e Sessanta, sono quelli che sono stati ampiamente pubblicati su libri e riviste; ma che ne è stato di quelli di cui, per un motivo o per l’altro, si è persa memoria, perché scarsamente pubblicizzati o mai apparsi sulle pubblicazioni di settore? Lo scambio di informazioni visive è fondamentale per lo sviluppo, l’evoluzione e la promozione dei movimenti architettonici. Se un edificio non viene visto profusamente, se le sue immagini non compaiono sulle pubblicazioni di settore, o vi compaiono sporadicamente, non può entrare nel vivo del discorso e del dibattito architettonico. Questo è il destino toccato in sorte a molti degli edifici fotografati da Julius Shulman: le loro immagini sono cadute nell’oblio. Con questa pubblicazione, vengono riportati alla luce, rendendo omaggio al Modernismo californiano in tutte le sue manifestazioni. Gli archivi abbandonati di Julius Shulman mostrano un altro lato del Modernismo, rimasto nell’ombra per tutti questi anni. Modernism Rediscovered riunisce quasi 300 capolavori dimenticati e rende omaggio a questi contributi meno noti, e tuttavia di grande rilevanza, al movimento moderno in architettura. È come intrufolarsi in una storia privata, in case che, fino ad ora, sono state viste e apprezzate di rado.

Gli edifici marchiati a fuoco nei nostri ricordi, che per noi rappresentano lo spirito della progettazione architettonica degli anni '50 e '60, sono quelli di cui venivano pubblicate molte fotografie su libri e riviste; ma che ne è stato di quelli di cui nel frattempo si è persa la memoria perché non sono mai o quasi mai apparsi sulle pubblicazioni a stampa? Per lo sviluppo, l'evoluzione e la promozione dei movimenti architettonici, lo scambio di informazioni visive è essenziale. Se un edificio non gode di ampia visibilità, se non se ne pubblicano mai o quasi mai le fotografie, quell'edificio semplicemente non si inserisce nel discorso architettonico. Molti degli edifici fotografati da Julius Shulman hanno subito questa sorte, poiché le immagini che li ritraevano sono cadute nell'oblio. Con questo volume, TASCHEN li porta alla luce, rendendo omaggio al modernismo californiano in tutte le sue forme. Gli archivi abbandonati di Julius Shulman ci mostrano un altro aspetto del modernismo che è rimasto sconosciuto per tutti questi anni. Riunendo quasi 200 capolavori dimenticati, Modernism Rediscovered rende omaggio a questi contributi (meno noti eppure notevoli) al Movimento Moderno. È come intrufolarsi in una storia privata, dentro case che fino ad ora sono state viste di rado e difficilmente apprezzate. Bibliotheca Universalis – compagni culturali compatti che celebrano l'eclettico universo TASCHEN!

Vinili da vedere I dischi dal design più audace Disponibile nella nuova edizione Bibliotheca Universalis, questa raccolta stupefacente dedicata ai dischi in vinile ridefinisce il concetto di “album art”. Prodotta in collaborazione con la rivista Colors, pagina dopo pagina scoprirete al suo interno oltre 500 dischi eccezionali provenienti dalle importanti collezioni di Alessandro Benedetti e Peter Bastine. Il libro si pone al confine tra fotografia, musica e grafica e celebra il vinile non solo per la pienezza del suono che ne scaturisce, ma anche per il suo potenziale artistico in quanto oggetto materiale. Musicisti del calibro di Pink Floyd, Prince, Michael Jackson, Bon Jovi e molti altri ancora, sono tra i protagonisti inclusi nel volume, che getta uno sguardo incisivo sui complicati dettagli della loro identità visiva, dal colore sgargiante al futuristico effetto a specchio del disco. I vinili sono presentati in ordine tematico, partendo da quelli monocromatici, passando per quelli insoliti (come i dischi argentati, dorati e a specchio, oppure i rarissimi vinili che si illuminano al buio), fino ai vinili multicolor, quelli con immagini impresse (in cui la musica è incisa solo su un lato), i vinili sagomati (con forme diverse dal classico disco) e i picture disc (con fotografie o elementi grafici stampati sulla superficie del vinile).

L’ascesa dell’individualità e della coscienza ecologica Architettura e design negli anni Settanta Fondata nel 1928 come una sorta di diario in presa diretta dal grande architetto e designer milanese Gio Ponti, domus è stata salutata come la rivista di architettura e design più influente al mondo. Con stile e rigore, si è occupata in maniera estensiva dei temi e dei movimenti stilistici più rilevanti nei diversi settori del design – del prodotto, strutturale, di interni e industriale. Questa ristampa di domus presenta gli eventi di spicco degli anni Settanta, un’epoca caratterizzata dall’affermazione dell’individualità e della coscienza ecologica. 1970–74: L’individualità regna indiscussa I primi anni Settanta furono segnati da stravolgimenti nel campo dell’architettura e del design, dettati da una nuova spinta verso l’individualità che si manifestò tramite stili e metodi costruttivi innovativi. Le opere futuristiche di Luigi Moretti si ersero a contrasto con il design pratico di Renzo Piano e Richard Rogers; altrove si scorsero le prime avvisaglie di tendenze postmoderniste. L’architetto giapponese Kisho Kuramata si impose all’attenzione con gli edifici e le pianificazioni urbanistiche in stile metabolico, mentre i paesaggi viventi di Verner Panton e Joe Colombo aprirono nuove prospettive. 1975–1979: I primi segnali di una coscienza ecologica Nella metà degli anni Settanta si verificò una crisi energetica su scala globale, causata da un calo nell’approvvigionamento di petrolio. Di conseguenza, l’architettura e il design iniziarono a volgersi verso risorse alternative, metodi costruttivi ecologici e materiali riutilizzabili. Il volume include gli edifici postmoderni di Richard Meier, le strutture moderniste di Foster Associates, il Centro Georges Pompidou di Renzo Piano e Richard Rogers e le opere degli architetti giapponesi Arata Isozaki e Kisho Kurakawa. Non mancano i progetti delle reti di trasporto, delle macchine per ufficio e di apparecchi elettrici.

Ogni abito comincia con un disegno, ogni gonna con uno schizzo. L’illustrazione è parte integrante del mondo della creazione di moda, non solo come mezzo di espressione e come punto di partenza di qualsiasi abito, ma anche nella creazione di stampe e motivi decorativi così come per le immagini dei servizi di moda sulle riviste. Spesso, gli artisti illustrano i look più nuovi direttamente dalle passerelle. È quindi giunto il momento di celebrare anche l’illustrazione di moda nella nostra serie Illustration Now!: qui troverete nuove opere di 90 artisti provenienti da tutto il mondo, inclusi Ruben Toledo, Aurore de La Morinerie, Bil Donovan, Tanya Ling e Jean-Philippe Delhomme. Il libro presenta citazioni di esperti del mondo della moda: Valentino elogia l’opera di Gladys Perint Palmer e voci provenienti dagli studi di Martin Margiela, Christian Dior, Louis Vuitton e H&M lodano a loro volta i talenti presentati in questo libro. Dopo un’introduzione dell’esperto di illustrazione Steven Heller, un saggio della storica dell’arte e della moda Adelheid Rasche offre un’esplorazione approfondita di questo argomento. Risalendo fino al XVII secolo, il saggio delinea una cronologia dell’illustrazione di moda fino al giorno d’oggi, accompagnandola con immagini quali le prime incisioni di François Watteau, un disegno di Paul Iribe per il libro del famoso couturier parigino Paul Poiret e illustrazioni a opera di acclamati maestri dell’illustrazione di moda moderna: René Gruau e Antonio Lopez e, in anni più recenti, François Berthoud.

Gli anni Settanta: la magica epoca a cavallo tra la frenesia degli anni ’60 e la decadenza degli anni ’80, l’era dei pantaloni a zampa e delle acconciature afro, della disco music e delle zeppe. Mentre il conflitto imperversava in Vietnam e la tensione della guerra fredda montava alle stelle, Hollywood era in fibrillazione, tornato alla ribalta dalla crisi commerciale con successi acclamati, come Star Wars, Lo Squalo, L’esorcista, e Il Padrino. Grazie a registi del calibro di Spielberg e Lucas, il cinema americano diede vita a un nuovo fenomeno: il fenomeno da botteghino. Nel frattempo, sull’altra sponda oceanica, la Nouvelle Vague si stava estinguendo in Francia, per fiorire invece in Germania, dove il Nuovo Cinema Tedesco capitanato da Fassbinder, Wenders e Herzog era al suo apice. La rivoluzione sessuale approdò sul grande schermo (timidamente negli Stati Uniti e con più coraggio in Europa), in primis con il sensuale e celebre film di Bertolucci, Ultimo tango a Parigi, fonte di scandalo. A questo scenario si aggiunse l’ondata di film nostalgici (La Stangata, American Graffiti), quelli ambientati in Vietnam (Apocalypse Now, Il cacciatore), l’ascesa dell’anti-eroe (Robert De Niro, Al Pacino, Dustin Hoffman) e l’acclamato – anche se ebbe vita breve – genere blaxpoitation.

È grande il nostro debito nei confronti di Jean Baptiste Marc Bourgery (1797–1849) per il suo Traité complet de l’anatomie de l’homme, che non solo ha costituito una pietra miliare importantissima nella storia della medicina, ma rimane uno dei trattati anatomici illustrati più ampi e belli mai pubblicati. Bourgery iniziò a lavorare sul suo magnifico atlante nel 1830 insieme all’illustratore Nicolas Henri Jacob (1782–1871), allievo del pittore francese Jacques Louis David. I primi volumi furono pubblicati l’anno successivo, ma ci vollero quasi vent’anni per completare l’intera opera; Bourgery visse abbastanza a lungo per portare a termine la sua appassionante fatica, ma l’ultimo volume, l’ottavo, fu pubblicato cinque anni dopo la sua morte. Le quattro parti in cui si articola il trattato di Bourgery si occupano di anatomia descrittiva, tecnica e anatomia chirurgica (sono affrontate nel dettaglio praticamente tutte le operazioni che venivano eseguite nella prima metà del XIX secolo), anatomia generale, embriologia e anatomia microscopica. Le spettacolari litografie a grandezza naturale di Jacob dipinte a mano spiccano per la loro chiarezza, il colore e la piacevolezza estetica, riflettendo una combinazione di osservazione scientifica diretta in laboratorio e bellezza dell’illustrazione. Ancora oggi insuperate, queste immagini offrono un’eccezionale prospettiva sull’anatomia, non solo per chi lavora in ambito medico ma anche per artisti, studenti e chiunque si interessi del funzionamento e delle meraviglie del corpo umano.