Storia dell'arte: stili artistici

Il pamphlet è una feroce critica all’arte moderna e contemporanea, alle sue presunte stranezze, alle sue illusioni, ai suoi sofismi e, in definitiva, alle sue menzogne. La guerra a tali falsità è mossa attraverso storia, scienza, filosofia e il pensiero artistico dell’Autore, con un intento bellicoso verso chi, in modo snob e arrogante, violenta la coscienza collettiva dell’umanità da oramai molti decenni, imponendo nella sfera pubblica brutture deprimenti che abbassano e sviliscono l’uomo, imprimendo nelle menti il relativismo mercatista.

Il volume propone un percorso attraverso la storia dell’arte italiana dedicata a Maria Maddalena, una delle figure femminili più rappresentate dopo la Vergine Maria. Spesso descritta come peccatrice redenta o amante di Gesù, l’iconografia si è nutrita di leggende che hanno oscurato la sua vera identità: quella di “Apostola degli Apostoli” , prima testimone del Risorto. L’opera invita a riflettere sul ruolo della donna nella Chiesa, sul valore della fede e sulla forza simbolica delle immagini che, nei secoli, hanno interpretato e trasformato la figura della Maddalena.

La collezione Gianni Mattioli, in deposito dal 2022 al museo del 900 di Milano, rappresenta uno degli episodi più alti e consapevoli della storia del collezionismo del Novecento. Non si tratta soltanto di un nucleo eccezionale di opere d’arte, ma di un vero e proprio manifesto etico ed estetico. Costituita tra il 1943 e il 1953, nel pieno di un’epoca segnata da guerra, ricostruzione e inquietudine, la collezione riflette una scelta militante: credere nell’arte come gesto di resistenza, custode della memoria ed energia per il futuro. Attorno a un nucleo futurista tra i più significativi al mondo – con capolavori di Boccioni, Carrà, Balla, Russolo, Severini, Depero – la collezione si amplia a comprendere l’essenzialità visionaria di Sironi, la misura umanissima di Rosai, la malinconia plastica di Modigliani, l’intelligenza figurativa di Soffici, fino alla poesia muta e luminosa di Morandi, la cui presenza segna uno dei vertici più silenziosi e profondi dell’intero 'corpus'. Questo volume, arricchito da analisi storico-critiche puntuali e aggiornate, rende conto della costruzione di una collezione che fu progetto culturale e civile. Una raccolta che ha avuto una ricaduta pubblica importante, con mostre, prestiti e pubblicazioni che ne hanno fatto un punto di riferimento internazionale per lo studio dell’avanguardia italiana.

In occasione della 18a Quadriennale, il progetto speciale Noi nel mondo, realizzato con il sostegno del Ministero della Cultura, esplora l’impatto che l’arte italiana esercita sulla scena internazionale, misurando quanto la produzione e gli autori italiani siano conosciuti e riconoscibili all’estero. Il report raccoglie anche gli esiti di videointerviste a operatori del sistema dell’arte nazionale e internazionale, critici, curatori, artisti, galleristi, collezionisti, giornalisti.

La creatività può manifestarsi in mille modi diversi: dalla street art alle sculture, senza dimenticare le collaborazioni con brand di moda e con il mondo della televisione. Ne sa qualcosa KAWS, all’anagrafe Brian Donnelly, che è a tutti gli effetti uno degli artisti più apprezzati dai grandi collezionisti e non solo: un nome tra i più trendy del momento, e qualcuno dice che potrebbe anche stendere un’ombra sul grande genio di Banksy. Nato a Jersey City nel 1974, fin da adolescente è affascinato dai graffiti e dall’ambiente underground. Dopo il trasferimento a New York, nel 1996 si diploma alla School of Visual Arts di Manhattan e inizia a collaborare con la Walt Disney, lavorando principalmente come illustratore. Il suo desiderio di sperimentare la sua creatività con forme e strumenti sempre diversi gli permette di affermarsi prima nel mondo della televisione, poi come scultore e street artist, oggi come designer per alcuni noti brand di abbigliamento. KAWS porta nei musei di tutto il mondo giocattoli, illustrazioni e cultura pop. I suoi dipinti astraggono la dimensione familiare con cambi di prospettiva, miscele di colori audaci e linee nette; i suoi personaggi e le sue figure si stemperano nella nostra immaginazione. KAWS è un maestro delle collaborazioni: le sue vanno dalla recente linea di abbigliamento con il marchio Sacai ai sodalizi con brand quali Uniqlo, Sesame Street, Star Wars… seguiti da un lungo eccetera.

“Quello che chiamo interiorità è ciò che accade dentro di noi. La cosa più interessante sono le esperienze che si verificano: ho ricevuto diverse lettere e alcune persone mi hanno confessato di aver pianto davanti ai miei quadri. E perché piangere? Certamente ciò li tocca nel profondo [...]. Interiorità, significa essere in presenza dell’insondabile” – Pierre Soulages. Che cosa vediamo nei quadri di Soulages? Nulla, se non una grande distesa di colore nero, ma è proprio grazie a questo Noir lumière, alla luce che vi si riflette, che si verifica un incontro particolarmente intenso tra lo spettatore e la tela. Nelle opere del pittore si cerca di disvelare ciò che normalmente non siamo in grado di cogliere, ciò che si colloca nei luoghi più profondi di noi stessi.

Pubblicato in un’unica e rara edizione nel febbraio del 1956 a Parigi, Esthétique et Mystique è un breve ma denso saggio che indaga la possibilità di ricostruire una teoria coerente dell’arte a partire dalle opere e dal pensiero dei due fondatori del Carmelo riformato: Teresa d’Avila e Giovanni della Croce. Michel Florisoone, curatore al museo del Louvre di Parigi e uno dei più eminenti critici della sua generazione, in questo studio si discosta dall’analisi dell’opera d’arte in senso stretto per favorire una lettura più ampia e integrale capace di coniugare la dimensione estetica alla riflessione teologica e spirituale. Sostenuto dai molti riferimenti alle fonti primarie che puntellano il saggio, l’autore riesce a mettere in luce l’importanza, non affatto trascurabile, attribuita dai due Dottori carmelitani al godimento del Bello e della Bellezza, considerato come frutto autentico dell’elevazione spirituale e delle più alte vette mistiche. Ribaltando il pregiudizio secondo cui l’ascesi carmelitana sarebbe dominata da un rigorismo estremo e da una totale rinuncia a tutto ciò che riguarda il sensibile, Florisoone dipinge invece una Teresa dotata di un attento e ricercato gusto per il bello naturale e un Giovanni non solo poeta, ma anche e anzitutto artista figurativo. Il saggio si conclude con una breve riflessione sull’opera de El Greco, figura cardine della rivoluzione artistica del Siglo de Oro e profondo conoscitore della mistica carmelitana, segnata però, si dirà, da un profondo fraintendimento tra “l’estasi e l’evasione”. A motivo di ciò la sua arte non sarà in grado di perseguire le vette tracciate da Teresa e Giovanni e per lui l’autore riserverà un giudizio lapidario che forse chiama in causa lo stesso lettore: “Il vero dramma di El Greco è senza dubbio questo: comprendere la sublimità della mistica e non poterla toccare con mano.”. Citato da Hans Urs von Balthasar nel terzo volume del suo monumentale Gloria e ancora menzionato in nota ai principali studi contemporanei sull’iconografia carmelitana, l’edizione del 1956 è oggi praticamente introvabile. In occasione del centenario della proclamazione di san Giovanni della Croce come Dottore della Chiesa, la presente traduzione offre ai lettori italiani l’opportunità di accedere integralmente a questo prezioso testo, finora conosciuto quasi esclusivamente attraverso estratti e riferimenti bibliografici.

Il Lidai minghua ji è uno studio analitico delle più famose opere pittoriche nel corso della storia cinese fino alla fine del IX secolo, e viene riconosciuto come la prima monografia esaustiva dedicata alla storia della pittura cinese. È suddiviso in tre parti, di cui la prima dedicata a un esame dello sviluppo storico ed estetico della pittura; la seconda a un’ampia riflessione sull’apprezzamento delle opere d’arte e sui rapporti tra arte e dimensione politica; la terza a circa quattrocento biografie di artisti, delineando un panorama vasto che testimonia la ricchezza e la complessità del patrimonio pittorico cinese. La presente antologia, la prima in lingua italiana, comprende in particolare alcune sezioni dedicate ai principi filosofici della pittura, al tema del paesaggio, alle no-zioni tecniche fondamentali dell’arte del pennello.

Questo volume propone una ricognizione approfondita sulla vivacità artistica che ha caratterizzato Prato nel corso del XX secolo, un periodo in cui la città ha vissuto una profonda trasformazione intrecciando sviluppo produttivo e crescita culturale. Attraverso saggi, biografie e analisi di opere, il volume ricostruisce un articolato panorama fatto di fermenti creativi, sperimentazioni stilistiche e dialogo costante tra arte, lavoro e comunità. Il libro esplora il ruolo di numerosi artisti che hanno contribuito a definire l’identità visiva della città, evidenziando una sensibilità condivisa che lega la pratica artistica alla manualità, al fare e alla dignità del lavoro. Tra le figure più rappresentative emergono Anna Sanesi, Bruno Saetti, Leonetto Tintori, Ardengo Soffici e Rinaldo Frank Burattin, simboli di una Prato capace di innovare e rinnovarsi pur mantenendo salde le proprie radici. Il volume offre così una lettura ricca e sfaccettata dell’arte pratese tra il 1900 e il 1970, mettendo in luce un secolo in cui la città si è rivelata un vero laboratorio culturale, anticipatore di linguaggi e attento alle trasformazioni sociali. "Il Novecento a Prato 1900-1970" si propone come uno strumento fondamentale per comprendere la storia artistica locale e, allo stesso tempo, per riconoscere il valore della memoria e del patrimonio condiviso nella costruzione del futuro.