Poesia

«Fin dall'incipit della sua raccolta poetica, l'autrice ci regala assaggi preziosi di una filosofia dell'esistenza (Dove?), con i suoi entusiasmi acclarati e la compresenza di dubbi, che turbano le ore di semplice felicità. Il tema del tempo, che trascorre inesorabile, e che da sempre affascina l'uomo pensoso, le fa apparire la vita come un "malinconico passaggio", dovuto alla piena consapevolezza della fragilità umana. Di fronte a questa evidenza viene spontaneo, per ognuno di noi, cercare delle strategie per consolarsi, da questo doloroso incedere dei giorni. Il richiamo spontaneo che ci viene alla mente è a Leopardi, alla sua eloquente distinzione tra "vita" ed "esistenza". Anche per l'autrice di questa silloge poetica, l'uomo è condannato all'esistenza; e i rari momenti di vita autentica sono troppo inconsistenti, per costruire la felicità piena a cui l'uomo continua ad aspirare. La condizione a cui l'uomo è destinato è dunque quella di vivere "fra tentativi lenti/di stanchi giorni" (Fuori tempo). In ogni lirica si avverte il dialogo dell'anima coll'intimo significato del vivere, anche quando un velo di mestizia sembra frenare l'entusiasmo della ricerca. Tutto sommato quella di Alessandra è una lirica che potrebbe essere accostata al doloroso amore di una "poesia onesta" come quella di Umberto Saba (dalla introduzione di Giorgio Biondi).

"Il proposito di Giovanni Colasurdo consiste nel riflettere sulle dinamiche esistenziali nelle quali il conflitto rappresenta una condizione fin qui ineludibile del vivere, non solo nei rapporti tra i singoli, ma anche fra culture, che a volte pretendono ostinatamente di identificarsi come diverse perché superiori alle altre. All'opposto, il desiderio dei poeti, e in generale degli artisti, tende ad affrancarsi sempre più da questa condizione, richiamati dalla dimensione tutta estetica di uno spirito che trova spazio al di fuori dei più banali eventi della storia personale e dei gruppi. Così accade in questi Venti di guerra, nei quali il conflitto, nel progetto del suo superamento, è evocato mediante una fitta trama di richiami, immagini e metafore di forte tensione simbolica. Il dettato si caratterizza per una particolare forza evocativa, illuminata da una ricerca della parola esatta, capace di aderire immediatamente al pensiero del poeta" (dalla nota introduttiva di Marina Dellonte).

Come un bianco gabbiano, attaccato ad uno spicchio di cielo terso, librato sul mare, Paolo Ruvolo, invia il suo messaggio di libertà, di purezza, di pulito, in un mondo sempre più inquinato dall'odio e dalla violenza. In questa ubriacatura di colori si stacca netto il simbolico Gabbiano di Baudelaire, sempre in lotta con la natura, con gli ostacoli, con le malvagità dell'uomo. Nei suoi versi in un alternarsi di certezze e di dubbi, avverti un cupo senso di stanchezza, quasi un'ebbrezza di precipitare. Un'amara esperienza di solitudine, una malinconia profonda...è questa una poesia d'amore verso tutto e verso tutti, l'amore che domina l'angoscia e il pianto, questo suo amore che ama anche il "male" perché è spesso travestito da "bene", questo amore che lo sconvolge, che lo uccide in mille languori, che gli fa travisare la realtà. Egli trae dall'intimo della sua anima le ispirazioni più forti, che come zampilli di acqua sorgiva, escono in maniera, direi, non solo fluida ma quasi prepotente. Questa raccolta si presenta soprattutto come un dono di un cuore che ogni giorno riscopre sempre più il grande valore dell'amore.

È quasi inarrivabile anche solo ideare, oggi, opere vertiginose come questa (e altre) di Amato Maria Bernabei. Il movente dell’omaggio al massimo poeta inglese - appena due le versioni, mentre gli altri 99 sonetti sono d’autonoma ideazione e ispirazione - disegna un percorso in cui sentimento e intelletto intrecciano tempo e memoria personali al tempo, etico e metafisico, del comune destino umano. L’eleganza e padronanza impeccabili dello stile rivelano l’attualità di una forma metrica che, quasi millenaria, si fa contemporanea in virtù di sintassi e lessico mai aulici, seppur lontani da forzate modernizzazioni. Compostissimo e vorticoso, emozionale e meditativo, il libro sancisce le potenzialità perenni di una poesia libera dal morso della caducità: “tematiche eraclitee e oraziane, tonalità petrarchesche, visioni dantesche, cromatismi pascoliani, abissi ungarettiani, concezioni montaliane e meditazioni leopardiane” (Massimo Bandini) cristallizzano in una perfezione volta, apertamente, all’eternità, trovando nella “religione della parola” la via maestra per “lasciare integri i termini del pensiero, unica luce di conoscenza nel viaggio impervio dell’uomo” (Sandro Bernabei).

Tutta la raccolta possiede una freschezza senza tempo: non scorgiamo in nessun verso quel polveroso passato che a volte si annida tra la rievocazione dei ricordi e che ricopre anche la miglior poesia di una patina incolore. Qui tutto è diverso: è l'accettazione consapevole, che non è meno dolorosa ma che permette di non far ammalare oltre il dovuto un cuore già provato dalla vita. Portare con sé la sofferenza ma non esserne vittima è una conquista incredibile, frutto di un grande lavoro e per nulla scontato.

«La travagliata storia di Giulietta e Romeo si colloca nel 1303 nella bella Verona, quando la città era governata dalla Signoria degli Scaligeri, una famiglia di ricchi mercanti. Questo intenso poemetto di Emanuela Sica apre su Giulia, una figura cristiana, di origine cartaginese, venduta come schiava; la nave che la trasportava si sarebbe arenata a Nonza, a Capo Corso, ed è lì che, in odio alla fede, sarebbe stata torturata e crocifissa. Nei versi di Emanuela Sica, l’intensità di questa antica storia sembra essere fatta di coraggio, di fede (Io sono già libera servendo Gesù Cristo non potrei mai esserlo se servissi i vostri idoli pagani) e di quell’amore universale che la poetessa dichiara di amare e al quale vuole appartenere. Quella di Giulietta e Romeo è senza dubbio la storia d’amore che, nei secoli a venire, ha assunto un valore simbolico, diventando la storia di tutte le storie d’amore, l’esempio eccelso dell’amore perfetto.» (Giuseppe Cerbino)

"Less is more è la linea conduttrice della raccolta. La brevità condensa e distilla significati invitando ad apprezzare le parole come concentrato di sensazioni, spesso di brevissime storie, attimi fuggenti del prolungarsi del Covid, petit onze che nella resa grafica ricordano gli alberi da abbracciare come tesori della natura. Limerick, Tautogrammi, Haiku, Maiuscole e minuscole usate con intenti speciali rendono la lettura agile e inducono al sorriso. Una piccola terapia poetica." (dall'introduzione di Nadia Boaretto)

La sua poesia non è per tutti, non perché sia complicata o "dialettale" (per usare un termine stupendo che è stato ribaltato di senso e stravolto fino a tramutarlo in accezione negativa), ma perché fa male. È una poesia che straccia le consuetudini, che induce, obbliga a riflettere, graffia il foglio fino a comprimerlo e incendiarlo. Le grammatiche stesse della poesia classica non sono un appannaggio del poeta Canzoneri; in lui vi è ricerca libera, libertaria, senza orpelli didattici o indottrinanti. Già il titolo dell’opera Sonetti ribelli indica in modo esplicito il suo poetare. I suoi sonetti non seguono le regole della metrica, non hanno un dogma ridondante esclusivistico di ardua comprensione, non hanno strutture delineate da angoli di fogli didattici, ma sono voli pindarici completamente in balia dei venti; quindi liberi nell’espressione più "illegittima". Non sono composti da quattordici versi, non sono endecasillabi, non sono divisi in due quartine e due terzine, non seguono uno schema di rime... Insomma, si rifiutano di sottostare ai canoni convenzionalmente imposti.

Lo scorrere delle innumerevoli stagioni ha contorto i loro possenti tronchi, plasmando le loro cortecce in forme uniche, spettacolari ed emozionanti. Nelle sinuosità della loro "danza" arborea, i castagni di Roncole, a Bardi, nel Parmense, esprimono pieghe e piaghe secolari, che suscitano, in chi le vuole leggere, le più varie sensazioni. Allora il testo fotografico si abbina, secondo l'interpretazione emotiva dell'autore, a poesie, odi ed elegie tratte dalla antica letteratura greca, latina e romantica, nella speranza implicita di renderne partecipi anche i lettori.

“Le tue orme sulla spiaggia” è una raccolta di poesie che tratta diversi temi, apparentemente slegati tra loro, ma con un unico filo conduttore: l'amore per il mondo che circonda la scrittrice. Le stelle, il cielo, gli uccelli che volano sono tutti elementi della natura, che richiamano nella mente del lettore, immagini dal significato profondo in grado di suscitare forti emozioni. Nel titolo si possono trovare gli elementi chiave di lettura: la spiaggia rappresenta il cuore, tempestato di emozioni, le orme sono gli eventi e le persone che lasciano il segno nella nostra esistenza.

L'autore pensa che l'egoismo, nella sua accezione sana e positiva, sia il principio trainante di qualsiasi attività umana. In virtù di esso, ogni uomo si trova in equilibrio precario tra quanto dice e quanto chi lo osserva percepisce dalle sue azioni. Questa raccolta racconta, tra le righe, tutte le contraddizioni che l'autore incontra e delle quali si rende conto di volta in volta.

Scriveva Jean Paul Sartre che "Ogni parola ha conseguenze. Ogni silenzio anche...". Nella poesia di Fernando D'Andrea il silenzio è un elemento ricorrente, sempre presente, una dimensione necessaria da cui far scaturire il suo contrario, la parola. La parola poetica prende forma dal vuoto del silenzio, dove il poeta cerca di nascondere l'anima, in un luogo senza confini che può contenere l'immensità dei sentimenti che vanno al di là dello spazio e del tempo. Il silenzio per l'autore è la dimensione dell'intimità, il luogo in cui la materialità della vita si scioglie perdendo consistenza, gli affanni e le pene si dissolvono e la realtà si capovolge tanto che l'anima riesce a contenere il cielo e il viaggio del poeta dentro sé stesso diventa un'esplorazione che non teme limiti. Il silenzio offre tepore ma anche musica, dà sapore alle emozioni e consente al poeta di esorcizzare la solitudine e di trasformarla in una compagna di viaggio silenziosa. Eppure l'autore è consapevole della "fragilità del silenzio", del pericolo incombente che i rumori del tempo, della vita che scorre fuori da questo spazio euforico, possano rompere quel velo che il poeta ha costruito tra sé e il mondo esterno.