Forme d'arte

«Una mattina a scuola ho fatto questa domanda agli allievi: un pomo in pittura vale una Venere. Perché un pomo in scultura non vale una Venere? Da quella mattina (fu nel marzo '44) ho cominciato a scrivere». Così Martini ricostruiva la genesi de 'La scultura lingua morta', che pubblicherà a Venezia, in cinquanta copie, nel 1945. Lo scritto è una drammatica sconfessione della statuaria, accusata di essere una lingua morta e una creazione di immagini episodiche, ma finisce in certi momenti per incrinare i protocolli della scultura stessa. C'è qualcosa di tragicamente grandioso nella radicalità di Martini. Chi si sta accanendo con tanta violenza contro la scultura non è un intellettuale, un filosofo, un professore di estetica, ma il maggior scultore italiano contemporaneo. E l'abiura non avviene nelle aule di un simposio accademico, nell'ambito di una querelle universitaria, ma sullo sfondo degli anni più terribili della guerra. Del resto, quanto del dramma storico in atto penetra nelle pagine di Martini? Quanto de 'La scultura lingua morta' nasce dalla cognizione della malattia mortale dell'Italia, dell'Europa? «Ogni cosa è andata a fondo» aveva scritto nel dicembre 1943." (La curatrice)

Dedicato agli appassionati di simbologia alla ricerca del prossimo tatuaggio e ai tatuatori professionisti che vogliono arricchire il proprio catalogo, questo libro offre informazioni essenziali su oltre 500 simboli spirituali. I simboli in questo libro sono stati accuratamente selezionati per la loro potenza e il loro significato spirituale; si tratta di icone che esistono da migliaia di anni ma che continuano, ancora oggi, a catturare la nostra immaginazione. Ogni simbolo, accuratamente suddiviso in sezioni tematiche e di cui viene spiegato mito e folklore, è accompagnato da parole chiave che ne chiariscono il significato, da diversi disegni da cui si può trarre ispirazione, e da alcune idee per la sua realizzazione. La natura spirituale dei simboli continua a vivere nel cuore e nella mente di coloro che scelgono di decorare il proprio corpo con questi emblemi senza tempo.

In un’epoca di trasformazione continua, l’arte digitale e l’intelligenza artificiale stanno ridefinendo il ruolo del curatore aprendo nuove prospettive per la fruizione, conservazione e interpretazione del patrimonio artistico e culturale. Questo manuale, il primo sul tema, nasce con l’intento di esplorarne l’evoluzione attraverso il contributo di critici, storici dell’arte, artisti e curatori internazionali. Con un approccio interdisciplinare, il libro esamina la digitalizzazione del patrimonio storico-artistico, le nuove frontiere della creazione artistica e il futuro della curatela in un contesto sempre più tecnologico, proponendo uno sguardo ampio e trasversale. "Professione Digital Art Curator" intende ripensare le modalità di narrazione e mediazione, sperimentare nuove forme di archiviazione e diffusione e comprendere il dialogo tra curatore, artista e sistema tecnologico. Un manuale attesissimo, scritto dai principali attori del settore.

Print no border attraverso una riflessione critica e le immagini di una serie di stampe xilografiche esplora il significato dei concetti di confine e frontiera. Partendo dall’area transfrontaliera europea tra Italia, Slovenia e Austria, il libro, in inglese, riflette sulla cartografia, la lingua e la pluralità culturale, interrogandosi su come vengano tracciati e percepiti i confini. Accanto al testo, ventisette stampe realizzate in xilografia giapponese (mokuhanga), tecnica di stampa non tossica, formano un atlante visivo in cui le linee geografiche si intrecciano con tracce naturali e antropiche, stratificando esperienze e narrazioni dello spazio.

Dalla nascita della stampa agli albori dell’età moderna, la Commedia di Dante è stata accompagnata da un ricchissimo apparato figurativo che ne ha guidato e amplificato la ricezione. Questo volume indaga i cicli illustrati delle edizioni a stampa tra Quattrocento e Seicento, offrendo un percorso attraverso le prime interpretazioni visive dell’oltremondo dantesco. Attraverso un’analisi delle immagini, dei contesti editoriali e delle strategie iconografiche, il libro mostra come le illustrazioni abbiano contribuito a definire l’immaginario collettivo di Inferno, Purgatorio e Paradiso, oscillando tra tradizione manoscritta e innovazione tipografica. Un viaggio nella storia della stampa e dell’arte, che rivela il ruolo centrale dell’immagine nella fortuna e nella diffusione del poema dantesco nei secoli dell’Umanesimo e del Rinascimento.