Arti, cinema e spettacolo

Nel presente libro i film di Lynch vengono visti come un insieme di elementi riconducibili a quanto proposto nel saggio di Freud Das Unheimlche. Tali elementi, portano la mente dello spettatore a ciò che rifugge, il determinarsi improvviso dell'indeterminatezza dell'angoscia, un ritorno del rimosso, un processo di aletheia in cui ciò che l'angoscia cercava di velare irrompe rivelando la propria drammaticità: l'essere abitati da ciò che temiamo.

Molto più che una biografia, un tributo a uno dei più grandi rocker della musica italiana. Una biografia raccontata attraverso le sue canzoni: da "Albachiara" a "Siamo solo noi", da "Vita spericolata" a "Un senso", questo libro raccoglie gli aneddoti, le curiosità, le intuizioni che hanno caratterizato la vita di Vasco Rossi e dato forma a tutti i suoi successi. Le passioni, gli episodi e gli incontri che sono entrati a far parte della sua vita e che sono entrati dentro le sue canzoni o che ne sono stati fonte di ispirazione. Da questo libro emerge l'immagine di un uomo tormentato e pieno di sfaccettature, un uomo fragile, ma allo stesso tempo temerario, capace di trasformare in arte queste sue caratteristiche apparentemente inconciliabili e di sfornare sempre nuovi successi; alcuni di questi ancora oggi vengono cantati da chi era adolescente ieri e da chi lo sarà domani.

Questo volume, edizione ampliata e aggiornata del precedente testo del 1973, presenta un ampio corpus scientifico sul Caravaggio. Le vicende biografiche che i nuovi documenti d'archivio hanno permesso di focalizzare, affiancati da un corredo fotografico che riproduce a colori l'opera pittorica completa, permette di restituire all'artista lombardo una fisionomia umana e culturale più vera, più attinente alla Storia e al trapasso dell'Umanesimo nella società della Riforma Cattolica. Uno studio complesso, frutto di lunghi anni di ricerca, che potenzia la portata intellettuale e rivoluzionaria dell'opera di Caravaggio, fino a metterne in luce da una parte il background nel naturalismo lombardo (veneto) e, dall'altra, l'esperienza personale, tragica e irripetibile, che s'innesta sull'adesione a una pittura secondo natura svolta nella tensione di una scelta d'arte, divenuta esigenza di vita, travolgente come una vocazione religiosa. Caravaggio riscopre infatti le premesse di una concezione aristotelica del dipingere per rinnovarle all'interno di una visione attuale della Fede esplicitata in lancinanti termini di realtà e sacralità dell'uomo a immagine e somiglianza di Dio. Una ricerca, quindi, che fa il punto su una personalità che i luoghi comuni della Storia e del mito nero (iniziati già nel corso della vita del pittore e contrabbandati fino a oggi) avevano trasformato in un criminale in fuga, ateo e iconoclasta, che in nulla corrisponde alla realtà obiettiva.

Oliviero Toscani è noto a livello internazionale per essere la forza creativa dietro ad alcuni dei marchi di maggiore successo. Tra il 1982 e il 2000 ha progettato l'identità, l'immagine aziendale, la strategia di comunicazione e la presenza sul web della Benetton, con la campagna United Colors of Benetton, trasformandola in uno dei marchi meglio riconosciuti a livello internazionale. Durante la sua carriera ha ideato l'immagine aziendale e alcune campagne pubblicitarie per Esprit, Chanel, Fiorucci, Prénatal e molte altre società. Ha collaborato come fotografo di moda con molte riviste internazionali, tra cui "Vogue", "Elle", "GQ", "Harper's Bazaar", "Esquire", "Stern", "Liberation". Nel 1991 ha ideato, creato e diretto "Colors", la prima rivista globale. Nel 1993 ha fondato Fabrica, di cui è anche direttore, centro internazionale per le arti e la ricerca sulla comunicazione moderna. Oliviero Toscani è nato a Milano nel 1942. Ha studiato fotografia e design alla Hochschule der Künste di Zurigo tra il 1961 e il 1965.

Quando, nel dicembre del 1993, il Metropolitan Museum di New York organizzò la prima grande esposizione delle sue opere, Lucian Freud non era più che un pittore di nicchia. Per lui, in quell'occasione si aprirono finalmente le porte del mercato internazionale dell'arte. Eppure, nonostante la fama e la ricchezza, Lucian Freud continuava a vivere circondato da un alone di riservatezza. Di lui erano note le innumerevoli amanti, le amicizie nel mondo dell'aristocrazia e dell'elite intellettuale britannica, la passione per il gioco. C'era però un Freud "segreto", un "Mefistofele paranoico che distrugge tutto ciò che lo circonda", secondo le parole dell'ex moglie Caroline Blackwood; un artista, ma soprattutto un uomo, tormentato, che aveva dialogato a lungo con la morte. Questo Freud "segreto" viene svelato per la prima volta da Geordie Greig, che per dieci anni ha fatto parte del ristrettissimo gruppo di amici che regolarmente si incontravano con l'artista per la prima colazione al ristorante Clarke's, in Kensington Church Street, a Londra. Lì, Freud rievocava episodi del suo passato e parlava di bookmaker e fantini, di gangster dell'East End e di figli troppo spesso dimenticati, di amori di struttivi e di incontri incredibili. Ma soprattutto parlava d'arte e di pittura, rivelando la sua ossessione per il lavoro, l'attenzione maniacale con cui ritraeva, in maniera a tratti sconcertante, la carne nuda e viva dei corpi che animano le sue tele.

Questo libro si propone di tracciare un inedito percorso di indagine storico e critico dell'architettura di epoca contemporanea, dalla Rivoluzione Francese all'oggi, a partire dall'aforisma rogersiano del progetto esteso "dal cucchiaio alla città". A un taglio cronologico tradizionale si affianca infatti una lettura disciplinare trasversale, nella quale architettura, città, territorio, design, tecniche e interni, sono descritti in relazione alla storia sociale ed economica, come aspetti di una più ampia storia della cultura. Arricchito di immagini, approfondimenti, cronologie, strumenti didattici e suggerimenti per il confronto con i campi della letteratura, della musica e del cinema, si presta a essere strumento di formazione per gli studenti di architettura, di ingegneria, di design e di storia dell'arte, ma anche stimolo alla ricerca e all'approfondimento per gli studiosi e gli appassionati.

La fotografia di Elliott Erwitt non è mai semplice. Il suo occhio sa cogliere l'aspetto umoristico e al contempo la sottile vena tragica di ogni situazione, i suoi personaggi celebri rivelano le emozioni che accomunano tutti noi. Ma soprattutto, la sua tecnica, solo apparentemente casuale, cattura senza sforzo le ironie della vita: si tratta di un dono che ha fatto guadagnare a Erwitt non solo il rispetto di altri fotografi e della critica, ma anche la devozione degli ammiratori. Nell'introduzione a questa raccolta, che riunisce fotografie famose e scatti ancora inediti, Erwitt ricorda con ironia la vita movimentata che lo condusse, figlio di espatriati russi, dall'Italia di Mussolini al sud della California, dove trascorse gli anni dell'adolescenza; dal servizio militare in Europa, in forza all'esercito americano, fino al successo come fotografo per i più importanti periodici di attualità. Agli incarichi commerciali, fra cui molte note campagne pubblicitarie, egli ha sempre affiancato i suoi "scatti personali", le istantanee argute e commoventi che lo hanno reso celebre. Con il suo tipico tono autoironico, Erwitt si dice convinto che il vero giudice del "significato" di una foto sia l'osservatore. Secondo la sua filosofia, le foto migliori sono quelle che "accadono", ma solo a patto che si sappia come guardarle. Prefazione di Bibi Giacchetti.

È vero che il cinema sta morendo sotto l'assalto dei nuovi media? E vero che i nuovi modi di produzione e consumo lo cambiano così radicalmente da trasformarlo in un'altra cosa? Questo libro sostiene che nell'epoca della convergenza, in cui tutti i media tendono a trasformarsi e a confondersi, il cinema non solo sopravvive, ma anzi rifiorisce. Lo incontriamo nelle sale, ma anche nelle nostre case, nelle gallerie e nei musei, sui mezzi di trasporto o nelle sale d'aspetto, sui nostri dispositivi portatili, e in rete. Sette parole chiave aiutano a cogliere il modo in cui il cinema si apre a nuovi orizzonti, e insieme mantiene la sua identità, e anzi spesso ritrova le sue radici. Il cinema non muore: forse comincia a vivere adesso.

Nel 2011, sulla soglia dei sessant'anni, Vasco Rossi vive quella che forse è l'estate più turbolenta della sua spericolata carriera: sull'orlo del tracollo fisico, conosce per la prima volta l'onta dei fischi sul palco di San Siro, e le sue clamorose "dimissioni da rockstar" gettano nel panico milioni di fan. Durante il ricovero, nell'isolamento di una clinica privata, il Blasco diventa però incontenibile: come un ragazzo che si affaccia a Facebook per la prima volta, affida senza filtri al social network ogni genere di sfogo, rivela il suo "male di vivere" e finisce per litigare a colpi di "clippini" e post con giornalisti, colleghi e, addirittura, con i suoi stessi seguaci. Le regole imposte dalla casa discografica e dall'ufficio stampa sembrano all'improvviso andargli strette, così lui prova, contro il parere di chiunque gli sia vicino, a sovvertirle: si proclama "social rocker", distribuisce "anteprime esclusive e abusive" e sostiene di voler abbandonare gli stadi. Sono mesi da vivere col fiato sospeso. Tra sconcertanti apparizioni sul web e improvvisi periodi di silenzio, il futuro del rocker di Zocca non è mai stato tanto incerto. Tra il matrimonio frettoloso con la compagna e i divorzi improvvisi con i collaboratori di sempre, tornano anche la forma fisica e il "buonsenso". Nel 2013, a due anni dalla crisi, Vasco ricompare sulle scene con una manciata di date che registrano puntualmente il tutto esaurito.

"Caravaggio è doppiamente contemporaneo. È contemporaneo perché c'è, perché viviamo contemporaneamente alle sue opere che continuano a vivere; ed è contemporaneo perché la sensibilità del nostro tempo gli ha restituito tutti i significati e l'importanza della sua opera. Non sono stati il Settecento o l'Ottocento a capire Caravaggio, ma il nostro Novecento. Caravaggio viene riscoperto in un'epoca fortemente improntata ai valori della realtà, del popolo, della lotta di classe. Ogni secolo sceglie i propri artisti. E questo garantisce un'attualizzazione, un'interpretazione di artisti che non sono più del Quattrocento, del Cinquecento e del Seicento ma appartengono al tempo che li capisce, che li interpreta, che li sente contemporanei. Tra questi, nessuno è più vicino a noi, alle nostre paure, ai nostri stupori, alle nostre emozioni, di quanto non sia Caravaggio." (Vittorio Sgorbi)

L'affermazione del disegno industriale, specialmente nel secondo dopoguerra, si deve all'attività svolta dagli architetti diventati protagonisti del passaggio dalla dimensione artigianale a quella industriale delle imprese, tanto nell'arredo quanto nell'industrial design. Attraverso l'analisi della produzione dei più importanti progettisti del Novecento italiano Fiorella Bulegato e Elena Dellapiana evidenziano coincidenze e distanze di approcci metodologici e pratici tra l'attività del designer e dell'architetto. Ne emergono visioni diverse che si compongono di variegate declinazioni sulla concezione dell'oggetto: dal pensarlo come struttura, composizione di elementi o contenitore di meccanismi, fino alle riflessioni che si originano dalla natura dei materiali, dalla funzione o dal dibattito sullo spazio abitativo. Il libro, scandito in quattro sezioni temporali (dagli anni Venti alla seconda Guerra mondiale, l'affermazione degli anni Cinquanta, la crisi degli anni Sessanta, la condizione contemporanea), dedica a ogni protagonista selezionato una scheda che, attraverso approfondimenti paralleli sull'architettura e sul disegno industriale, associa progettista a oggetti progettati.

Il montaggio al cinema non è una semplice operazione tecnica che consiste nel tagliare e assemblare dei pezzi di pellicola. È al contrario un lavoro complesso che esige creatività e presuppone un approccio estetico all'opera. Si tratta infatti di associare le immagini in un certo modo, di disporle secondo un certo ritmo, di creare rotture e continuità impreviste. Il libro intende tracciare un panorama delle diverse concezioni del montaggio succedutesi nel corso del tempo, fino alle più recenti applicazioni permesse dalla tecnologia digitale. L'autore prende in esame numerosi esempi di montaggio, attingendo a tutta la storia del cinema e analizzando attentamente l'opera di grandi cineasti per i quali questa tecnica si è rivelata particolarmente importante: Dziga Vertov, Sergej M. Ejzenstejn, Orson Welles, Alfred Hitchcock, Alain Resnais, Maurice Pialat e Krzysztof Kieslowski. Registi che ci permettono di cogliere dal vivo i principi che rendono il montaggio una componente essenziale della scrittura cinematografica.