Storia dell'arte: stili artistici

Pieter Paul Rubens (1577-1640) è il massimo pittore fiammingo del suo tempo. Nato in Germania si trasferisce giovanissimo con la famiglia ad Anversa, dove passa dal protestantesimo al cattolicesimo. Nel 1600 compie un viaggio in Italia, dove rimane otto anni tra Mantova, Venezia, Roma e Genova. La sua formazione classica si indirizza verso lo stile che contribuisce a formare, il Barocco. Diviene il prototipo dell'artista ricco e famoso, colto e ben introdotto nelle corti di tutta Europa. Il suo stile elegante, solenne e teatrale, capace di tenere insieme naturalismo e piacevolezza decorativa detterà le regole della pittura per l’intero secolo XVII.

Nella febbrile attività creativa della Firenze del primo Rinascimento, in quel Quattrocento straordinario che la rende presto capitale dell’arte europea, Lorenzo Ghiberti (Pelago 1378 – Firenze 1455) contribuisce col suo lavoro di orafo e scultore al clima generale di innovazione e fermento. Il suo capolavoro, la Porta del Paradiso del Battistero, manifesta le sue grandi doti di equilibrio ed eleganza, la sua padronanza tecnica e la sua capacità di adeguare lo studio dell'Antico al gusto tardogotico in trasformazione.

Insieme al Canaletto e a Bellotto Francesco Guardi (Venezia 1712-1793) è uno dei protagonisti del vedutismo veneto, fenomeno pittorico di grande successo in tutta l'Europa del Settecento. I suoi paesaggi, rispetto a quelli di Canaletto, appaiono meno nitidi, quasi volutamente imprecisi, slabbrati, tremolanti nei contorni e nelle luci. Col risultato di dare alla città un’atmosfera magica e inafferrabile, in qualche modo preimpressionista.

I dipinti affascinanti e senza tempo di Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) incarnano tuttora i nostri ideali di felicità, amore

La rosa è senza dubbio la regina dei fiori. È semplicemente ovunque, non solo nella vita quotidiana, ma anche nell’arte, nella letteratura e nella cultura pop, da quando in Medio Oriente, due millenni fa, si fece conoscere per il suo profumo e per le sue proprietà medicinali. Da allora la rosa non ha perso nulla del suo fascino, anzi, ha viaggiato nel mondo diventando uno dei fiori più adorati in tutti i Paesi. Quello che è meno chiaro è come e perché proprio lei tra tutti i fiori sia diventata così onnipresente, fonte o ornamento di tanti miti, iconografie, linguaggi simbolici: la rosa è cristiana e pagana, mistica e terrena, richiama la bellezza più pura come il presagio della sua corruzione; rappresenta l’amore romantico ma lascia intravedere il vizio e il peccato; può servire a dire la passione più sincera e la più crudele delle bugie. Il segreto della sua fortuna sta nell’essere un meme di antichissima origine, capace di viaggiare lungo le generazioni e le società; anzi, la rosa è un «potente amalgama di memi, un memeplex di grande successo che per evolversi o replicarsi si è adattato al rinnovamento degli ambienti culturali, si è dotato di difese a tutela di certi propri aspetti e nel frattempo è rimasto sempre connesso, in quanto schema significativo di informazioni, alla mente umana». Dai Sonetti di Shakespeare al rock dei Grateful Dead, dall’Inghilterra vittoriana all’alta moda francese, Simon Morley con il suo "Non solo rose" ci racconta la storia curiosa e affascinante di un fiore che, con la sua malia e la sua resistenza, ha sedotto il mondo intero, in ogni epoca e a ogni latitudine. E quando ci capiterà di guardarne una, sapremo meglio quello che abbiamo sempre intuito: una rosa non è mai solo una rosa.

La leggenda di Jean-Michel Basquiat è oggi più viva che mai

Sollecitando gli artisti più impegnati nello sviluppo dell'arte povera, le interviste curate e raccolte da Giovanni Lista cercano di definire i caratteri specifici di questo movimento dell'arte italiana che, nato all'inizio degli anni Sessanta del secolo scorso, ha proposto il salutare ritorno a un «grado zero» dell'arte contro i linguaggi tradizionali della produzione artistica e contro la retorica di un'avanguardia ormai compromessa con la società dei consumi. Rifiutando il mondo della cultura, nel momento in cui esso registrava il suo asservimento alle nuove tecnologie e alla massificazione dei media, l'arte povera ha preconizzato la messinscena del processo di creazione, il recupero dei gesti elementari e la manipolazione dei materiali primari. L'arte era così chiamata a tradurre l'atto cognitivo nella pienezza di un'esperienza sensibile e intellettuale in cui la coscienza d'essere si trovava confrontata all'epifania delle forze della materia, alla presenza fisica dell'oggetto, alla circolazione d'energia che relaziona le cose e lo spazio ambiente. Ogni opera d'arte povera pone se stessa come emergenza e scoperta, sopprime la coerenza ripetitiva dello stile e rinnova quindi l'esperienza originaria della creazione. Reagendo in termini d'identità culturale all'egemonia della pop art, poi del concettualismo e del minimalismo americani, l'arte povera è stata caratterizzata da un'aperta rivendicazione dei valori dell'arte europea, vissuta anche come nuova appropriazione dei fondamenti espressivi della civiltà artistica italiana.

L’uomo antico in tutte le sue attività quotidiane era circondato da immagini: i templi, le strade, le piazze, i teatri erano ornati da statue e da rilievi che raffiguravano gli dèi e gli uomini che avevano fatto grande la città; nelle case affreschi, mosaici, stoffe, suppellettili di lusso mettevano in scena i personaggi dell’epos e del mito e le loro leggendarie imprese; le tombe erano riccamente decorate, ora con i ritratti dei committenti, ora con immagini ispirate al loro ruolo sociale o alla grande tradizione mitica. E tutti, dall’intellettuale al politico, dalla matrona all’ancella, erano in grado di riconoscere ciò che era rappresentato e, nella maggior parte dei casi, di comprenderne il messaggio. In una società poco alfabetizzata qual era quella antica, infatti, l’immagine aveva una forza pari, se non superiore, a quella della parola scritta o recitata, ma, a differenza della parola, che è libera da vincoli e capace di narrare eventi che si svolgono in tempi e spazi diversi, essa è statica e per rendere riconoscibile un soggetto o costruire un racconto deve ricorrere a un sistema di codici comunicativi che si basano sulla piena condivisione di un patrimonio culturale comune. Ricostruire tali codici e ritrovare lo sguardo degli antichi è lo scopo di questo libro.

Maurice Utrillo (Parigi 1883 - Dax 1955) nasce a Montmartre da padre ignoto. Ci sono varie ipotesi, in merito, tutte nell’ambito degli artisti del tempo; finché nel 1891 un pittore catalano, Miquel Utrillo, ne assume la paternità e gli dà il cognome. La madre è Suzanne Valadon, modella e pittrice essa stessa. È lei che gli insegna a dipingere, e Maurice raggiunge una certa notorietà. Ancora giovanissimo manifesta però i segni di un’infermità mentale che lo condizionerà per tutta la sua esistenza, così come la dipendenza dall’alcol. Restano i suoi colorati e poetici paesaggi urbani, tema quasi esclusivo della pittura di Utrillo, svoltasi fino alla metà del secolo scorso lontana da ogni tentazione di avanguardia.

Con una prefazione di Riccardo Falcinelli Cielo, indaco, azzurro, lapislazzuli, oceano, pace, blues. Dalle origini ai giorni nostri, una storia del colore blu raccontata dallo storico Michel Pastoureau.

Prima ancora di compiere trent’anni, Michelangelo Buonarroti (1475–1564) aveva già realizzato il David e la Pietà, due delle sculture più famose dell’intera storia dell’arte. I risultati conseguiti come scultore, pittore, progettista e architetto sono unici – nessun artista prima o dopo di lui ha mai prodotto un corpus di opere così vasto, multi-sfaccettato e di ampia portata. Questa nuova edizione ripercorre la vita e l’opera di Michelangelo grazie a un saggio biografico illustrato e una rassegna completa di tutte le sue opere, suddivisa in quattro sezioni: dipinti, sculture, edifici e disegni. Le riproduzioni a tutta pagina e i particolari ingranditi permetteranno ai lettori di osservare i minimi dettagli, mentre i testi tracciano un profilo accurato delle caratteristiche e delle circostanze più personali di Michelangelo, come la sua natura solitaria, la sua bramosia di denaro e incarichi, l’avidità, la ricchezza e le sue doti di investitore oculato. Il volume affronta anche la controversa questione dell’attribuzione dei disegni di Michelangelo, un settore in cui le decisioni continuano a essere dettate dagli interessi privati del mercato dell’arte e dai più grandi collezionisti.

Prima ancora di compiere trent'anni, Michelangelo Buonarroti (1475–1564) aveva già realizzato il David e la Pietà, due delle sculture più famose dell'intera storia dell'arte. I risultati conseguiti come scultore, pittore, progettista e architetto da questo protagonista indiscusso del Rinascimento italiano sono unici: nessun artista, né prima né dopo di lui, ha mai prodotto un corpus di opere tanto vasto, sfaccettato ed eclettico. Questa nuova proposta di TASCHEN ripercorre l'ascesa di Michelangelo all'élite culturale del Rinascimento. Oltre a esaminare i dipinti, le sculture e i progetti architettonici dell'artista in dieci capitoli ricchi di illustrazioni, il volume offre un'analisi dettagliata dei celeberrimi affreschi realizzati da Michelangelo nella Cappella Sistina. Le riproduzioni a tutta pagina e i particolari ingranditi permetteranno ai lettori di osservare nei minimi dettagli il repertorio dell'artista, mentre il saggio biografico contenuto nel libro prende in considerazione tratti caratteriali e fatti più personali di Michelangelo, come la sua natura solitaria, la sua brama di denaro e incarichi, la sua immensa ricchezza e le sue doti di investitore oculato.