Storia dell'arte: stili artistici

Nessun altro artista, a parte William Turner, si è sforzato tanto quanto Claude Monet (1840–1926) di rappresentare efficacemente la luce stessa sulla tela. Tra tutti gli impressionisti, fu l'uomo di cui Cézanne disse “non è che un occhio, ma buon Dio che occhio!” a tener fede al principio di assoluta fedeltà alla percezione visiva, dipingendo direttamente dal vero. Si potrebbe dire che Monet abbia reinventato le possibilità del colore. Che sia stato dovuto all'iniziale interesse per le stampe giapponesi, al periodo trascorso come soldato di leva al sole accecante dell'Algeria o alla personale conoscenza dei più importanti pittori del tardo XIX secolo, la produzione di Monet nel corso della sua lunga vita avrebbe cambiato per sempre il nostro modo di percepire il mondo naturale come pure i fenomeni che vi hanno luogo. Il culmine della sua ricerca è rappresentato dalle ultime ninfee, dipinte nel giardino di Giverny, che – abbandonando quasi completamente ogni costrizione formale – segnano davvero l'origine della pittura astratta. Oltre a rendere piena giustizia a un artista di eccezionale talento ed enorme influenza, questa biografia è corredata di numerose riproduzioni e foto d'archivio come pure di testi arguti e circostanziati.

«(...) è diventato chiaro che dobbiamo cambiare radicalmente il nostro modo di guardare i quadri di Caravaggio. La sua arte è molto di più che un esercizio museale. In una guerra tra la vita e la morte, la sua arte prende la posizione dei suoi clienti e della stessa istituzione a cui essi sono legati: la chiesa di Roma. Non veniva creata in un contesto diverso da quello che è basato su dei criteri tradizionali ancora validi per il mondo romano degli anni Novanta e della prima decade del secolo successivo. L'arte di Caravaggio è principalmente uno strumento di fede: l'una è inseparabile dall'altra. Ambedue insieme determinarono la forma di questi quadri le cui invenzioni sono funzionali: stimolare e intensificare la fede del credente. La loro ragion d'essere è, dunque, storicamente condizionata e la forma artistica e la fede sono le due coordinate per un'attività artistica in cui l'immagine dipinta è concepita. Separare la fede dalla forma e dalla funzione dell'arte di Caravaggio porta a deplorabili malintesi non solo sulle sue opere, ma anche sullo stesso pittore.»

La vasta produzione di David Hockney, iniziata oltre sessant’anni fa, è marcata dalla sua insaziabile curiosità nei confronti delle tecniche e dei processi artistici innovativi. Pioniere nell’utilizzo dell’iPad, l’artista esibisce un ineguagliabile virtuosismo nella pittura su tablet. Dai ramoscelli spogli in pieno inverno ai rami carichi di fiori impalpabili, nei quattro acri del suo giardino in Normandia Hockney è riuscito a catturare il miracolo della rinascita primaverile. La coincidenza con la prima ondata della pandemia di Covid nel 2020 conferisce un significato speciale a queste immagini, luminose e dense di colori. Un’introduzione del celebre romanziere William Boyd e una conversazione tra l’artista e Edith Devaney completano questo pregiato volume, indispensabile per gli appassionati dell’arte così personale di David Hockney. « Con L’arrivo della primavera, Normandia assistiamo all’apoteosi di un periodo della pittura definibile come pittura su schermo. La padronanza da parte di Hockney del potenziale tecnico a sua disposizione è definitivamente acquisita e ormai assoluta. » William Boyd.

Questo cofanetto celebra il variegato mondo degli uccelli attraverso le opere dei più grandi maestri della stampa giapponese. Contiene un libretto sulla storia dello stile kachō-ga («immagini di fiori e di uccelli») e un elegante leporello con oltre 60 riproduzioni volte a celebrare in ogni dettaglio la bellezza della natura. Delicate cince su ciliegi in fiore, maestosi pavoni che fanno la ruota, cacatua dai colori cangianti e civette dormienti sotto la luna piena rivelano tutta la poesia di artisti intramontabili quali Keisai, Keibun, Hiroshige e Koson.

Onde impetuose, scrosci improvvisi, nevicate silenziose e dolci piogge leggere... l'acqua scorre in tutte le sue forme negli oltre settanta capolavori raccolti in questo cofanetto, presentati in formato a leporello e accompagnati da un libretto esplicativo. Il virtuosismo senza tempo di maestri come Hokusai, Hiroshige, Utamaro e Kuniyoshi si rivela in raffinati giochi di linee, tratteggi e colori, volti a sublimare la comunione dell'uomo con una natura pervasa di spiritualità.

Motivi intricati, geometrie eleganti e grafiche sbalorditive sono i marchi di fabbrica del magico mondo visivo dell’artista olandese M. C. Escher (1898-1972). Misteriosa e matematica al tempo stesso, la sua opera ha affascinato scienziati e studiosi ed è entrata nella cultura popolare, ispirando copertine di libri e di album, film, poster e puzzle. Con questo set, chiunque potrà assemblare facilmente le meravigliose sculture di carta a tasselli di Escher. Basterà piegare lungo le linee perforate per trasformare i dettagliati progetti dell’artista in intricate creazioni tridimensionali a incastro, in un susseguirsi di motivi ipnotici, tra cui geniali composizioni di fiori, farfalle, lucertole e conchiglie. Il libro include istruzioni concise e una panoramica sui principi geometrici e sull’invenzione artistica alla base delle meraviglie ottiche di Escher.

Un facsimile accurato che riproduce tutte le pagine dei volumi originali di American Woods di Romeyn Beck Hough, un'opera di riferimento indispensabile di una bellezza mozzafiato che ha stabilito gli  standard per lo studio degli alberi e del legno. In questa elegante edizione in oro, ogni esemplare è suddiviso in tre sezioni trasversali, che ne rivelano le caratteristiche uniche, le venature, i colori e la struttura.

Caravaggio, o più esattamente Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), è sempre stato un nome da tenere in considerazion

Il racconto di una città attraverso diverse generazioni di artisti che si sono imposte a partire dagli anni Settanta Se New York è il mondo, Los Angeles è certamente l'America. O almeno quell'America che cattura la nostra immaginazione per non lasciarla più. Una megalopoli nel deserto, un universo a sé che parla molte lingue e vive altrettante contraddizioni: feudo repubblicano e patria dell'underground, Hollywood e beat generation, Charles Manson e Marilyn Manson, insieme di linguaggi, idiomi, popoli. Los Angeles (state of mind) è il racconto di una città attraverso diverse generazioni di artisti che si sono imposte a partire dagli anni Settanta per arrivare fino a oggi. All'inizio anche in California si sovrappongono stili e linguaggi senza una linea o un genere prevalente. Alle ultime esperienze di pittura astratta con Sam Francis ecco coesistere la Pop Art di Ed Ruscha. I Settanta però sono anche il decennio dell'arte concettuale, della Body Art e dell'happening, nelle figure di John Baldessari, di Paul McCarthy, performer spesso estremi, di Ed Kienholz e di Lynda Benglis, tra le esponenti di spicco del femminismo militante. Molto significativa la generazione di mezzo, artisti nati tra gli anni Cinquanta e Sessanta, che Mike Kelley così definiva: "troppo giovane per essere un freak, troppo vecchio per essere un punk". Emersi negli anni Novanta, Doug Aitken che si esprime attraverso videoinstallazioni e fotografie, e la neominimalista Rita McBride. La Los Angeles di oggi guarda soprattutto alla Black Culture, fenomeno che si manifesta in tutta la sua urgenza sociale e costituisce l'asse portante di rinnovamento critico della cultura americana. I disegni di Umar Rashid e l'intensa pittura di Henry Taylor testimoniano questo passaggio epocale, per un'America sempre diversa.

Un talento assoluto e un pessimo carattere; Michelangelo Merisi, detto il Caravaggio (Milano 1571 - Porto Ercole, Grosseto, 1610), trascorre la sua breve esistenza tra risse e guai con la legge, è protetto da ricchi mecenati ma non sfugge a una tragica fine. Lascia però un segno indelebile nella pittura barocca italiana ed europea, affidando al contrasto fra luce e ombra il compito di restituire sulla tela l'evidenza del reale.

Le ultime notizie su: sublime di Caspar David Friedrich, paesaggio inglese di W. Turner, luce evanescente di A. Renoir, evoluzione d’oro di G. Klimt, ideali spagnoli di P. Picasso, illusionismo di R. Magritte. Questi sono solo alcuni artisti che contribuiscono a rendere fantastico questo tour all’interno dei dipinti creati dai più grandi autori dello scenario internazionale.

Egon Schiele (1890-1918) morto precocemente a causa dell'epidemia di Spagnola, dopo essersi liberato dell'ingombrante presenza