Forme d'arte

Lo studio più completo mai realizzato sulle opere dipinte di Salvador Dalí. Dopo anni di ricerche, Robert Descharnes e Gilles Néret hanno individuato opere finora inaccessibili che incarnano le rappresentazioni di Dalí del subconscio e dei suoi strani meccanismi. Completa di didascalie aggiornate, questa elegante edizione contestualizza i dipinti di Dalí con i suoi scritti, disegni e materiale d'archivio.

La stampa xilografica giapponese ha mostrato paesaggi mozzafiato, pulsione erotica, fantasmi e demoni che tormentano i vivi e ha reso i lottatori di sumo e gli attori kabuki delle rock star. Questo compendio racchiude le stampe più eccezionali del periodo tra il 1680 e il 1938 e attinge alle migliori opere di musei e collezioni private di tutto il mondo.

In un’epoca di trasformazione continua, l’arte digitale e l’intelligenza artificiale stanno ridefinendo il ruolo del curatore aprendo nuove prospettive per la fruizione, conservazione e interpretazione del patrimonio artistico e culturale. Questo manuale, il primo sul tema, nasce con l’intento di esplorarne l’evoluzione attraverso il contributo di critici, storici dell’arte, artisti e curatori internazionali. Con un approccio interdisciplinare, il libro esamina la digitalizzazione del patrimonio storico-artistico, le nuove frontiere della creazione artistica e il futuro della curatela in un contesto sempre più tecnologico, proponendo uno sguardo ampio e trasversale. "Professione Digital Art Curator" intende ripensare le modalità di narrazione e mediazione, sperimentare nuove forme di archiviazione e diffusione e comprendere il dialogo tra curatore, artista e sistema tecnologico. Un manuale attesissimo, scritto dai principali attori del settore.

Nato in Italia, figlio di un principe russo e di una cantante lirica americana, Paul Troubetzkoy si forma artisticamente a Milano, soggiorna a Mosca, San Pietroburgo e Parigi, conducendo, parallelamente, una brillante carriera negli Stati Uniti, grazie anche al successo ottenuto da alcune sculture che riportavano al mondo del Far West. Ritrattista di talento, seduce le élite di tutto il mondo: aristocratici, celebrità, personalità della società parigina, e persino le prime star del cinema americano. Al di là dei celebri ritratti – in particolare delle statuette-ritratto, tra gli altri raffiguranti Franklin D. Roosevelt, Enrico Caruso, Roland Garros, Giacomo Puccini... – Troubetzkoy si distingue anche nella realizzazione di monumenti pubblici e nella scultura animalier, che pratica con raffinata sensibilità, riflettendo le sue convinzioni vegetariane condivise con amici come Lev Tolstoj e George Bernard Shaw. Il volume, ricco di testi e informazioni inedite, ripercorre la carriera di questo scultore straordinario e pone la questione della scultura impressionista, intesa come «una scultura in cui la vita prevale sulla forma esatta, in cui la visione d’insieme prevale sul dettaglio e in cui l’armonia della composizione risiede nell’intensità dell’impressione», ma anche con la coeva pittura di Giovanni Segantini, Gaetano Previati e Giovanni Boldini. Dopo essere stata ospitata nelle sale del Musée d'Orsay di Parigi, la mostra approda alla Galleria d'Arte Moderna di Milano, tra le più importanti istituzioni di arte pubbliche dell'Ottocento in Italia, di cui questo volume rappresenta il catalogo ora disponibile anche in lingua italiana.

Quanto raccontano i luoghi? E quanto le persone che lì hanno vissuto? La storia dell’intellettuale Olga Delfina Bickley, classe 1896, si intreccia con quella di Villa Gentile Bickley, dimora nobiliare cinquecentesca di Genova Cornigliano. Capitolo dopo capitolo, le due voci, della Signora e della Villa, si alternano raccontando le loro storie, dal 1500 allo splendore di inizio Novecento e al turismo inglese, fino alla trasformazione dovuta allo sviluppo industriale, passando per le due guerre mondiali. Tra citazioni inglesi di Shakespeare e frasi popolari in dialetto genovese, le due narrazioni si sovrappongono e si completano, restituendo un ritratto vivido di una Signora del Novecento e della sua Villa. Nel contempo, grazie anche all’apparato multimediale, le pagine di questo romanzo storico raccontano una Cornigliano oggi non più riconoscibile.

Pin. Pittura italiana del Novecento descrive le ricerche pittoriche del secolo scorso attraverso una sequenza di immagini che ne costituiscono il ritratto. Si tratta di 100 dipinti, uno per ogni anno dal 1900 al 1999, ciascuno accompagnato da un testo. Non si tratta tanto di un libro storico, quanto di una selezione personale relativa al percorso di ricerca dell’artista autore del libro, con l’intenzione di rileggere il secolo scorso alla luce dell’attuale società sempre più proiettiva e smaterializzata. In questa prospettiva, alcuni dipinti che apparivano importanti nel secondo dopoguerra, sembrano mantenere oggi un valore più storico, mentre altri emergono come segni premonitori della digitalizzazione. Lo sforzo del libro è anche quello di svecchiare il vocabolario critico riflettendo sul linguaggio pittorico in modo semplice e diretto, alternando all’analisi formale del quadro gli aneddoti sulle vite degli autori senza perdere di vista il ritmo letterario. Un quarto di secolo trascorso nel nuovo millennio appare come un tempo sufficiente per tentare di riflettere sull’eredità pittorica di quello precedente. La prospettiva è quella di riaffacciarsi sul Novecento per far luce sui tempi che stiamo vivendo, tentando di capire in definitiva se la pittura oggi è ancora un linguaggio adeguato a rappresentare la perdita di fisicità della nostra vita digitalizzata.

Il volume, che raccoglie 109 schede scientifiche, restituisce una narrazione coerente e cronologicamente articolata della storia grafica del meridione d'Italia, accogliendo opere di maestri attivi tra la fine del XVI secolo e l'età Neoclassica. Tra questi si segnalano figure fondative come Belisario Corenzio e Giovan Bernardino Azzolino, esponenti del primo Naturalismo come Carlo Sellitto, protagonisti del primo Barocco locale come Cesare Fracanzano, Salvator Rosa, Carlo Coppola, Andrea de Leone, Giovan Battista Spinelli, nonché presenze emiliane di rilievo attive a Napoli, come giovanni Lanfranco. Spiccano inoltre alcuni disegni di Luca Giordano, vero campione del Barocco europeo, legati al cantiere madrileno del Casón del buen retiro, nonché opere dei maggiori interpreti della tarda stagione barocca e Rocaille che videro una stretta osmosi tra Roma e Napoli: Paolo de' Matteis, Francesco Peresi, Giacomo del Po', Sebastiano Conca, Corrado Giaquinto, anch'egli poi in visita alla Corte di Madrid. Il catalogo presenta anche esempi della scuola giordanesca e soliminesca, fucina creativa e teorica di lunga durata, con fogli di Nicola Maria Rossi, Jacopo Cestaro, Antonino Grano e il colto e versatile Francesco la Marra, interprete tra i più originali del tardo Settecento partenopeo. Particolarmente rilevante è la sezione dedicata alle attribuzioni respinte, che ha consentito di ottenere nuovi profili autoriali e assegnazioni precise: disegni erroneamente classificati precedentemente come napoletani si sono rivelati invece di ambito romano, genovese, veneziano o senese; al contrario, alcune opere rimaste irrisolte sono state ricondotte, grazie a un'accurata revisione critica, alla scuola partenopea.

Una serie di opere che alludono ad una imminente eruzione: i sommovimenti dei bradisismi nei Campi Flegrei, le fiamme che si elevano dal cono del Vesuvio, la pioggia che sembra flagellare i palmizi. La Napoli di Alessandro Busci è scossa dalla natura imperiosa che la circonda, sul punto di cedervi. Non è una premonizione, semmai il ricordo di eventi precedenti, quasi che l'artista potesse rammemorare il passato e, per paradosso, rammemorare il futuro; in "Parthenogenesis" si allude da un lato a un dopo catastrofe, dall'altro alle infinite possibilità della riproduzione virginale, così che da una città se ne possa produrre un'altra nuova, così che da un'opera se ne possano produrre altre con la stessa matrice, simili seppur derivate dal prototipo, rigenerate per esuberanza della vita e dell'arte che trovano, dopo gli olocausti, modi di sopravvivenza sempre miracolosi. È una pittura adesso matura quella di Busci che ha abbandonato collaudati schemi compositivi, per addentrarsi in territori dove talora l'astrazione sembra prevalere sulla figura, preconizzando future ulteriori rarefazioni; una maturità tecnica raggiunta, in cui il gesto si è liberato di qualsiasi accademismo, si è fatto più veloce, più capace di interpretare le tensioni di uno sguardo sul mondo, e che ha permesso al pittore milanese di evitare ogni manierismo rimanendo però fedele a uno stile, e a un materiale come il ferro.

Una guida per acquisire attraverso la pratica e l’esperienza la capacità di individuare le linee essenziali della figura umana. Una tecnica classica che prevede per ogni soggetto di schizzare la struttura prima di arrivare a un disegno più rifinito con gli effetti di chiaroscuro. Con richiami di anatomia e di studio delle proporzioni. Uno straordinario repertorio con centinaia di atteggiamenti e posizioni.