Forme d'arte

Ai Weiwei è famoso non solo per la sua arte. Il suo operato in favore della libertà di espressione e contro ogni forma di autoritarismo va ben oltre il mondo dell'arte. Ogni sua azione pubblica è permeata da un profondo impegno sociale e politico. Vari sono gli esempi: ha portato 1.001 cittadini cinesi provenienti da tutte le regioni e le classi sociali a Documenta 12, ha sparso oltre 100 milioni di semi di girasole in porcellana fatti a mano sul pavimento della Turbine Hall del Tate Modern, ha realizzato un fregio fatto di zaini scolastici in memoria dei tanti bambini vittime del tragico terremoto del Sichuan, ha visitato i campi profughi di tutto il mondo per raccontare le storie di persone, spesso ignorate, nel suo film Human Flow. Nel 2011, Ai fu detenuto per 81 giorni dalla polizia cinese per le sue incessanti critiche alle autorità e gli fu ritirato il passaporto che, nonostante le proteste internazionali, riottenne solo nel 2015. Tornato a viaggiare fuori dalla Cina, decise di stabilirsi prima a Berlino e poi in Portogallo. Oggi è un artista di portata globale, la cui opera artistica è influenzata dal suo attivismo e il cui attivismo è influenzato dalla sua arte. Con al centro l'ultimo decennio di produzione artistica e attivismo di questo autentico artista contemporaneo, la presente edizione è un aggiornamento completo della precedente monografia di Ai Weiwei pubblicata dalla Taschen. Racconta 40 anni di carriera, spaziando dall'esilio dell'artista nella New York degli anni '80, alle sculture ispirate alla tradizione e all'artigianato cinesi del periodo in cui tornò in Cina, fino alle recenti opere concepite in Europa: mosaici di mattoncini per costruire, film e installazioni a difesa dei diritti umani. Il libro è esso stesso un documento storico. Fu realizzato come prima monografia approfondita in stretta collaborazione con l'artista negli anni in cui Ai non poteva uscire dal suo Paese. Oggi, lo stesso team che ideò questa pubblicazione si è riunito per dare seguito alla storia. Innumerevoli immagini provenienti dagli archivi di Ai mostrano la quotidianità nel suo studio, la produzione delle sue opere, la realizzazione di azioni politiche. Il tutto è accompagnato da scritti, che l'artista ha appositamente vergato di suo pugno per questo volume, e da tre saggi esaustivi, redatti dal curatore indipendente Roger M. Buergel e dallo storico dell'arte Alfred Weidinger. Entrambi gli autori, che hanno collaborato con l'artista a importanti mostre, discutono nel dettaglio l'opera di Ai e il suo sviluppo tematico. Si aggiunge infine un ritratto personale dell'artista scritto dall'amico di lunga data, imprenditore e collezionista Uli Sigg, che condivide con il lettore due momenti intimi.

"Tano Festa. Dalla luce all’oggetto 1956-1970" esplora i percorsi creativi dell’artista nella fase più originale della sua attività, che lo vide immerso in una intensa pratica disegnativa e di definizione linguistica. Le opere sono rilette individuando le fonti figurative e letterarie, e sono ricollocate in posizione centrale nella storia della pittura monocroma degli ultimi anni cinquanta e nel successivo clima di ritorno alla figurazione. Sollevata dalla precoce e univoca assimilazione al ‘realismo d’oggetto’ e all’immaginario mediatico, la pittura di Tano Festa è restituita alla pienezza dei suoi interessi che si sono indirizzati, anche, verso inedite linee di ricerca percettive, legate alla psicologia della visione, e alla progettazione di oggetti-scultura vicini alla coeva estetica del design.

Idee e consigli per creare le meraviglie del mondo Un altro viaggio sul pianeta della tenerezza! Scopri nuove illustrazioni da replicare. Aggiungi un tocco coccoso ai tuoi disegni. Impara tutto sullo stile kawaii. Prendi una matita o una penna e inizia!

«Un Cristo giovane, senza tempo, lontano da ogni apparenza terrena: divinamente nuovo come simbolo incarnato dell’umanità redenta.» Nel cuore della Basilicata, sulla vetta del monte San Biagio, si erge il Cristo Redentore di Maratea, opera maestosa e silenziosa di Bruno Innocenti, artista appartato, ma profondo, capace di fondere la tradizione scultorea italiana con una sensibilità spirituale unica. Questo saggio ripercorre la genesi e il significato dell’opera più imponente dello scultore fiorentino, ponendola in dialogo con le sue creazioni precedenti, in particolare con la figura dell’Angelo, tema ricorrente e ossessivo del suo mondo poetico.Con uno sguardo critico e narrativo, arricchito da riferimenti teologici, iconografici e filosofici – da Plotinoa Teilhard de Chardin, da Agostino a Balthasar – l’autore offre una lettura profonda e originale dell’opera, interrogando il senso stesso della creazione artistica.L’arte, qui, non rappresenta il sacro: lo incarna. Un libro per chi ama l’arte come rivelazione, la bellezza come verità, la forma come via all’eterno.

Dalla nascita della stampa agli albori dell’età moderna, la Commedia di Dante è stata accompagnata da un ricchissimo apparato figurativo che ne ha guidato e amplificato la ricezione. Questo volume indaga i cicli illustrati delle edizioni a stampa tra Quattrocento e Seicento, offrendo un percorso attraverso le prime interpretazioni visive dell’oltremondo dantesco. Attraverso un’analisi delle immagini, dei contesti editoriali e delle strategie iconografiche, il libro mostra come le illustrazioni abbiano contribuito a definire l’immaginario collettivo di Inferno, Purgatorio e Paradiso, oscillando tra tradizione manoscritta e innovazione tipografica. Un viaggio nella storia della stampa e dell’arte, che rivela il ruolo centrale dell’immagine nella fortuna e nella diffusione del poema dantesco nei secoli dell’Umanesimo e del Rinascimento.

Quelle che oggi definiamo fake news sono sempre esistite. Attualmente vengono alimentate da qualsiasi utente dei social media, anche grazie all'uso di strumenti potenti e persuasivi quali l'intelligenza artificiale. Un tempo la ricostruzione storica veniva affidata a cronisti che spesso si lasciavano andare a giudizi ingenerosi sulla base di antipatie o - peggio - del desiderio di compiacere i potenti di turno. Le parole di Svetonio sull'incendio di Roma alimentarono l'immagine di un Nerone piromane. Tacito non ne era affatto convinto, sostenendo che l'imperatore aveva addirittura aiutato la popolazione in difficoltà durante quel dramma. La rappresentazione dell'imperatore barbuto che assiste compiaciuto al rogo di Roma si deve principalmente a Lucio Cassio Dione, nato quasi novant'anni dopo la morte di Nerone. Esistono anche casi in cui la realizzazione di documenti falsi è stata utilizzata per modificare il corso della storia. Basti pensare al Constitutum Constantini, grazie al quale fu costruito il potere temporale della Chiesa, o al Privilegium Maius, fatto confezionare da Rodolfo IV d'Asburgo e denunciato come falso da Francesco Petrarca. Questo volume raccoglie una serie di episodi in cui il protagonista è l'intervento teso alla riscrittura della storia. Una storia compressa, modificata, aggiustata, revisionata: una storia manomessa, quindi, in cui l'uomo viene travolto da situazioni in cui il falso diviene vero e il vero diviene falso.

La creatività può manifestarsi in mille modi diversi: dalla street art alle sculture, senza dimenticare le collaborazioni con brand di moda e con il mondo della televisione. Ne sa qualcosa KAWS, all’anagrafe Brian Donnelly, che è a tutti gli effetti uno degli artisti più apprezzati dai grandi collezionisti e non solo: un nome tra i più trendy del momento, e qualcuno dice che potrebbe anche stendere un’ombra sul grande genio di Banksy. Nato a Jersey City nel 1974, fin da adolescente è affascinato dai graffiti e dall’ambiente underground. Dopo il trasferimento a New York, nel 1996 si diploma alla School of Visual Arts di Manhattan e inizia a collaborare con la Walt Disney, lavorando principalmente come illustratore. Il suo desiderio di sperimentare la sua creatività con forme e strumenti sempre diversi gli permette di affermarsi prima nel mondo della televisione, poi come scultore e street artist, oggi come designer per alcuni noti brand di abbigliamento. KAWS porta nei musei di tutto il mondo giocattoli, illustrazioni e cultura pop. I suoi dipinti astraggono la dimensione familiare con cambi di prospettiva, miscele di colori audaci e linee nette; i suoi personaggi e le sue figure si stemperano nella nostra immaginazione. KAWS è un maestro delle collaborazioni: le sue vanno dalla recente linea di abbigliamento con il marchio Sacai ai sodalizi con brand quali Uniqlo, Sesame Street, Star Wars… seguiti da un lungo eccetera.

“Quello che chiamo interiorità è ciò che accade dentro di noi. La cosa più interessante sono le esperienze che si verificano: ho ricevuto diverse lettere e alcune persone mi hanno confessato di aver pianto davanti ai miei quadri. E perché piangere? Certamente ciò li tocca nel profondo [...]. Interiorità, significa essere in presenza dell’insondabile” – Pierre Soulages. Che cosa vediamo nei quadri di Soulages? Nulla, se non una grande distesa di colore nero, ma è proprio grazie a questo Noir lumière, alla luce che vi si riflette, che si verifica un incontro particolarmente intenso tra lo spettatore e la tela. Nelle opere del pittore si cerca di disvelare ciò che normalmente non siamo in grado di cogliere, ciò che si colloca nei luoghi più profondi di noi stessi.

Print no border attraverso una riflessione critica e le immagini di una serie di stampe xilografiche esplora il significato dei concetti di confine e frontiera. Partendo dall’area transfrontaliera europea tra Italia, Slovenia e Austria, il libro, in inglese, riflette sulla cartografia, la lingua e la pluralità culturale, interrogandosi su come vengano tracciati e percepiti i confini. Accanto al testo, ventisette stampe realizzate in xilografia giapponese (mokuhanga), tecnica di stampa non tossica, formano un atlante visivo in cui le linee geografiche si intrecciano con tracce naturali e antropiche, stratificando esperienze e narrazioni dello spazio.

Il Lidai minghua ji è uno studio analitico delle più famose opere pittoriche nel corso della storia cinese fino alla fine del IX secolo, e viene riconosciuto come la prima monografia esaustiva dedicata alla storia della pittura cinese. È suddiviso in tre parti, di cui la prima dedicata a un esame dello sviluppo storico ed estetico della pittura; la seconda a un’ampia riflessione sull’apprezzamento delle opere d’arte e sui rapporti tra arte e dimensione politica; la terza a circa quattrocento biografie di artisti, delineando un panorama vasto che testimonia la ricchezza e la complessità del patrimonio pittorico cinese. La presente antologia, la prima in lingua italiana, comprende in particolare alcune sezioni dedicate ai principi filosofici della pittura, al tema del paesaggio, alle no-zioni tecniche fondamentali dell’arte del pennello.

Questo volume indaga, attraverso una serie di casi di studio, modi e semantiche della rappresentazione di contesti naturali volti ad articolare strategie discorsive relative a varie forme di alterità. Molta della storiografia artistica dedicata a tematiche dell’alterità nella prima età moderna si concentra soprattutto su immagini proto-etnografiche che restituiscono gli sguardi europei su civiltà altre, concentrandosi appunto sulla raffigurazione dei corpi. Attraverso la collaborazione con studiosi e studiose che hanno offerto sguardi sui contesti nei quali le figure possono essere incluse ed indagate, i saggi qui raccolti concentrano l’attenzione su ciò che si trova attorno alle figure stesse: paesaggi immaginati e paesaggi dell’alterità, che permettono di esplorare storie che attraversano tutta la prima modernità fino a spingersi al contemporaneo. Senza alcuna pretesa di esaustività, l’obiettivo di questo volume è proprio quello di concentrarci sugli ecosistemi, raffigurati in diversi contesti, con differenti obiettivi, ed in varie epoche proprio per iniziare ad esplorare la ricchezza di contenuti che essi possono veicolare.

Le opere presentate in questa elegante edizione costituiscono una raccolta di disegni e acquerelli di rose realizzati dalla pittrice botanica Aurora Tazza, a partire da esemplari coltivati presso il Roseto dell’Università di Roma “La Sapienza” e il Monastero delle Benedettine di S. Cecilia in Urbe. Grazie agli stimoli e alle suggestioni che solo le Rose con il loro fascino misterioso sanno offrire, la raccolta è cresciuta nel tempo, arricchendosi di nuove tavole dipinte, studi cromatici e disegni acquerellati di rose italiane e di antiche varietà europee ed estremo-orientali. Il coinvolgimento emotivo dell’autrice trasforma la visione analitica delle complesse forme e cromie delle rose in contemplazione della loro straordinaria bellezza. Chiudono la pubblicazione significative note storiche e descrittive di ciascuna delle rose rappresentate.