Arti: soggetti e temi specifici

Dalla metà degli anni Settanta Dadamaino, abbandonata ogni altra prospettiva sperimentale, ha concentrato la propria tensione espressiva nella dimensione del segnare, ovvero del ridurre l’immagine a un tracciato grafico elementare e porla con lo spazio che la ospita in un rapporto al massimo grado di tensione poetica. È stato un nuovo, straordinario inizio, in cui le premesse cospicue degli anni precedenti si sono schiarite e manifestate con una forza che l’ha definitivamente collocata tra i grandi del Novecento. Quella che l’Archivio Dadamaino offre con questo libro è una documentazione ampia e circostanziata della sua maturità piena e sontuosa, tracciata con mano sicura dal testo di Flaminio Gualdoni, da sempre testimone e interprete acuto dell’opera dell’artista, oltre che grande amico di Dada.

Nel catalogo sono presentate oltre cento sculture, tra marmi e bronzi, raccolte da Gerolamo e Roberta Etro a partire dagli anni Settanta del Novecento: si tratta di una collezione che, per pregio dei singoli pezzi e ampiezza cronologica, probabilmente non ha confronti tra quelle private formatesi nell’ultimo secolo. Assolutamente eccezionale è, innanzitutto, la sfilata di capolavori di età barocca: sono infatti rappresentate tutte le maggiori realtà regionali italiane, da Roma a Firenze, da Genova a Venezia. Forse anche più rilevante, sebbene meno nutrito, è il nucleo di pezzi del Seicento romano, con una clamorosa antologia di busti, a partire da due di Alessandro Algardi. All’ambito berniniano è poi da ricondurre uno dei pezzi più affascinanti della raccolta, la Musa Lancellotti, già Ginetti, un tempo ritenuta un marmo antico restaurato da Gian Lorenzo. Sceltissima è la selezione dei marmi rinascimentali, alcuni inediti, con opere – tra gli altri – di Giovanni Antonio Amadeo e Antonello Gaggini. La collezione vanta, inoltre, capolavori del tardo Sette e inizio Ottocento, a partire da una scultura assolutamente sui generis come il raro Suonatore di fagotto incapace, in piombo, di Franz Xaver Messerschmidt (unica opera dell’artista oggi in Italia) e due marmi di Antonio Canova. Secondo solo a quello di età barocca, è il gruppo di opere del Novecento, con tutti (o quasi) i maggiori artisti italiani, da Vincenzo Gemito ad Arturo Martini, passando per Marino Marini e gli straordinari sette marmi di Adolfo Wildt, che confermano la riscoperta recente di questo grande maestro. Gli Etro, infine, grazie anche al lungo rapporto di amicizia con il gallerista e collezionista Gian Enzo Sperone, hanno continuato a seguire l’evoluzione della plastica contemporanea, acquistando opere di artisti attivi ancora entro il nostro secolo, quali Joseph Kosuth, Not Vital e Fabio Viale. Autori delle schede di catalogo sono oltre venti specialisti: studiosi affermati e ormai di fama internazionale, come Alessandro Angelini, Francesco Caglioti, Anne-Lise Desmas, Davide Gasparotto e Fernando Mazzocca, e molti giovani già divenuti nomi di riferimento nei rispettivi campi di studio.

Una collezione d'arte contemporanea con una profonda connessione con la natura. Racines-Roots è un vibrante libro d’arte che riflette la visione unica di una filantropa, collezionista e imprenditrice francese, Garance Primat, che in queste pagine svela una selezione di opere provenienti dal cuore del suo viaggio estetico e spirituale. Per lei, l’arte è una forza che sostiene la vita: le radici profonde nutrono il nostro “essere” e ci legano alla natura, permettendoci di fiorire come un albero. Nata in una famiglia sensibile alla natura e all’arte, ha affinato il suo sguardo attraverso il contatto con diverse culture durante i suoi viaggi, in particolare in Australia e negli Stati Uniti. Questa ricerca l’ha ispirata nell’acquisizione in Francia del Domaine des Étangs, nella Charente Limousine. Grazie alla sua capacità di mettere in discussione il mondo e plasmare il futuro, l’arte contemporanea occupa un posto di primo piano nella sua eclettica collezione, che dialoga con l’arte moderna, le arti del mondo, i minerali e altri oggetti portatori di saggezza. Garance Primat ci invita a fidarci della sua sensibilità mentre esploriamo l’universale, dove le parole faticano a cogliere la connessione tra gli esseri viventi. Un messaggio originale emerge dalla “radice” delle cose, risvegliando una coscienza condivisa. Questo libro, costruito attorno all’etimologia di sette parole chiave legate alla natura e all’universo, è un invito a lasciarsi trasportare dai sensi e a scoprire i legami invisibili che ci uniscono. Mostra: Fondation Opale, Lens-Crans Montana, Valais, dal 21 dicembre 2025 al 12 aprile 2026 Una selezione di opere contemporanee e moderne da tutto il mondo, oltre a minerali e oggetti portatori di saggezza, che riflettono un profondo viaggio estetico e spirituale. La collezione crea legami tra i maestri del XX secolo e gli artisti contemporanei più sorprendenti, offrendo una prospettiva ricca e variegata. Questo libro unico è costruito attorno all’etimologia di sette parole chiave associate alla natura e all'universo, offrendo una nuova prospettiva sul loro significato più profondo.

Un volume che restituisce tutta la potenza visionaria di Lucio Fontana, maestro che ha rivoluzionato il concetto di arte tra materia, luce e spazio. Questo catalogo, ricco e autorevole, propone un percorso inedito che lo rilegge anzitutto come scultore: dalle prime prove agli ambienti spaziali, dai celebri Buchi e Tagli alle ceramiche e ai neon, ogni opera è interpretata come parte di una ricerca plastica capace di travalicare i confini dei generi. Luca Massimo Barbero, curatore del catalogo, guida il lettore con chiarezza e profondità, intrecciando nuove fonti documentarie, archivi e studi recenti che consentono di guardare all'opera fontaniana senza retorica, restituendone la freschezza e l'attualità. L'apparato iconografico, ampio e di alta qualità, permette di avvicinarsi alla materia viva dei lavori: superfici incise, cromie accese, forme che vibrano nello spazio. Questo libro è uno strumento indispensabile per studiosi, collezionisti e appassionati: un'edizione che arricchisce il panorama editoriale su Fontana e che conferma la centralità di un artista capace di parlare ancora oggi con sorprendente modernità.

This book offers a sustained study of Hudinilson Jr.’s Cadernos de Referên-cias, more than 130 notebooks produced in São Paulo between the early 1980s and 2013. Rather than treating them as personal objects or marginal artefacts, it approaches the Cadernos through the lens of low theory, consid-ering scrapbooking as a generative practice situated between visual culture, media, and contemporary art. By introducing the notion of scrapscape, the book describes the Cadernos as unstable terrains emerging from the circula-tion and residue of mass media. Within these terrains, cutting, photocopy-ing, collecting, and tactile handling operate as ways of thinking with images. Scrapbooking is not approached as a genre, but as an undisciplined method rooted in proximity, repetition, and minor gestures, where attention, desire, and practices of self-imaging take form across surfaces, reopening the ques-tion of Narcissus beyond the logic of mere reflection. Situating Hudinilson Jr.’s practice within the Brazilian cultural landscape of the late dictatorship and the political period of abertura, the book reads the Cadernos in relation to xerox art, mail art, underground publishing, and urban interventions that re-configured the uses of the body and mass media. Rather than approaching them as an archive of images, it frames them as a practice of dis-production: a daily, haptic, and intimate labour through which fragments of visual and material culture are reworked into a slow process of self-design, resistance, and becoming.

Il catalogo documenta l’esposizione site-specific Bones of Tomorrow, che l’artista georgiano Andro Eradze ha realizzato a Firenze coinvolgendo le due sedi di Palazzo Strozzi e dell’ex Teatro dell’Oriuolo. Sia il volume che la mostra sono il frutto di una collaborazione tra Fondazione Palazzo Strozzi e la classe del master in Curatorial Practice di IED Firenze. La ricerca artistica di Eradze si muove tra forze in opposizione che coesistono, esplorando aree di confine in cui si incontrano il naturale e l’artificiale, il domestico e il selvaggio, l’umano e l’animale. Le immagini enigmatiche di Bones of Tomorrow aprono interrogativi sul tempo, sul rapporto tra umano e non umano, sulla metamorfosi continua delle forme di vita. In questa zona liminale le contrapposizioni non si annullano ma restano aperte, dando vita a una costante sensazione di ambiguità, sospensione e attesa. Il continuo passaggio di stato rappresenta uno dei temi centrali dell’estetica di Eradze, e la pluralità dei linguaggi che si alternano nella mostra – installazione, video, fotografia – ne rispecchia la tensione e l’ambiguità, in un fluire incessante di forme. Un saggio di Daria Filardo e Martino Margheri amplifica lo sguardo sull’opera di Eradze, ulteriormente esteso grazie all’intervista di Arturo Galansino all’artista. A completare l’excursus, fotografie, installation view e una serie di approfondimenti indagano i diversi aspetti dell’opera di questo artista, una delle voci emergenti più originali della scena internazionale.

La collaborazione tra la Veneranda Biblioteca Ambrosiana e il Museo e Real Bosco di Capodimonte trova in questa mostra una consonanza profonda di intenti. Le opere di Nicola Samorì si pongono in dialogo con i capolavori custoditi dalle due storiche istituzioni, attraversando la tradizione senza lasciarsi limitare. Classical Collapse è una riflessione sulla fragilità e sulla permanenza delle forme. Nel confronto con l’eredità classica, Samorì narra una storia nella quale il passato e la tradizione sono campo sempre presente in virtù della sua forza di trasformazione. In questa duplice esposizione, della quale ci piace sottolineare la peculiare originalità, Milano e Napoli si riconoscono come poli complementari di una medesima tradizione culturale. Nella fluidità tra le sale ambrosiane e gli spazi di Capodimonte si delinea una geografia comune, dove l’antico e il contemporaneo si specchiano l’uno nell’altro, restituendo unità a ciò che la storia tende a separare. Con Classical Collapse, la pittura di Samorì invita a riconoscere nella crisi del classico non la sua fine, ma la sua continua rinascita. È in questa tensione che le due istituzioni si ritrovano, condividendo la responsabilità e la gioia di offrire al pubblico un percorso che rinnova, nel presente, il dialogo ininterrotto tra arte e conoscenza. Oltre ad essere una portentosa raccolta di dipinti e sculture di uno dei protagonisti della scena artistica europea, Classical Collapse è un invito a guardare e riguardare il classico attraverso prospettive molteplici. Le opere esposte propongono una serie di antinomie, invitando l’osservatore a meditare sull’essenza dell’arte visiva e al contempo sull’esistenza umana: dall’antitesi tra materia e illusione, silenzio e ritmo, creazione e rovina, presenza e passato, assenza e futuro, corpo e spirito. La Veneranda Biblioteca Ambrosiana e il Museo e Real Bosco di Capodimonte dialogano attraverso lo sguardo sull’arte di Nicola Samorì.

Nicola Samorì (Forlì, 1977) è uno degli artisti contemporanei più innovativi, noto per il suo profondo dialogo con la tradizione visiva occidentale. Attraverso un processo di scavo e riscrittura, Samorì trasforma il classico in un campo di tensione, sfidando l’apparente immutabilità dell’arte. Classical Collapse è un progetto espositivo unico che unisce Milano e Napoli, coinvolgendo la Pinacoteca Ambrosiana e il Museo e Real Bosco di Capodimonte in un percorso che attraversa oltre cinquanta opere dell’artista affiancate a capolavori delle collezioni permanenti. La mostra esplora temi come materia e illusione, creazione e rovina, corpo e spirito, indagando la metamorfosi continua dell’arte classica e la vitalità del patrimonio culturale. Il volume che accompagna l’esposizione include saggi di Demetrio Paparoni, Alberto Rocca e Eike Schmidt, direttori delle istituzioni ospitanti, insieme ai contributi dello scrittore Antonio Moresco e del teologo e critico d’arte Friedhelm Mennekes, offrendo una riflessione approfondita sul lavoro di Samorì e sulla sua capacità di ispirare un nuovo sguardo sull’arte.

Il San Giovanni Battista di Caravaggio (1571-1610), capolavoro della Galleria Borghese, rivela tutta la forza innovativa del maestro lombardo: una pittura fatta di luce, carne e silenzio. Un’immagine sospesa tra sacro e umano, dove l’intensità dello sguardo e il chiaroscuro drammatico restituiscono la modernità di uno dei protagonisti assoluti della pittura. Il volume accompagna il lettore nel cuore del San Giovanni Battista di Caravaggio, realizzato negli ultimi mesi della vita del pittore. Il giovane Battista, fragile e pensoso, immerso in un silenzio, diventa il simbolo di una condizione esistenziale di vulnerabilità e attesa, figlio della stessa inquietudine di Caravaggio. Attraverso un’analisi dell’opera e un’attenta ricostruzione documentaria, il testo illumina anche le vicende che condussero il dipinto nelle collezioni Borghese, intrecciando storia dell’arte e storia giudiziaria.

Carlo Maratti (1625-1713) a lungo attivo a Roma dove divenne protagonista indiscusso dell’ambiente artistico del suo tempo, riconosciuto in tutt'Europa quale caposcuola della pittura romana.