Nomos Edizioni

Il testo ricostruisce una storia del pensiero artistico-didattico che, partendo dal Bauhaus, transita per la Scuola di Ulm per arrivare all’Istituto Statale d’Arte di Monza. In particolare, si sofferma su alcune figure chiave che hanno sapientemente unito il fare artistico con la pratica didattica. Tra queste, Klee e Kandinsky, poi Bill e Maldonado, per finire con Valentini e Silvestrini: “Maestri”, in quanto non solo possono essere considerati tra i massimi esponenti nel loro campo, ma perché, ancora oggi, sono da esempio e insegnamento per schiere di nuovi aspiranti artisti-docenti. Ciò spiega come mai testi quali Teoria della forma e della figurazione, Punto, linea, superficie o le varie dispense e pubblicazioni nate dentro e attorno all’ISA di Monza tuttora costituiscano un patrimonio condiviso, ineludibile e ancora avant-garde rispetto ai tanti, più o meno recenti, manuali d’arte distribuiti e studiati nelle varie scuole occidentali. Arte, geometria, colore, psicologia della forma, filosofia, biologia, poesia e letteratura sono discipline intimamente interconnesse e che, in tutta evidenza, emergono nel pensiero dei maestri suddetti a dimostrazione che non esiste una vera separazione tra i vari ambiti del sapere, anzi che questi costituiscono un unicum, un humus fertile sul quale sono fiorite le straordinarie personalità qui trattate, grazie anche al favorevole e stimolante ambiente sviluppatosi per alcuni formidabili anni a Weimar, Ulm e Monza.

Il libro nasce dal progetto scritto da Philippe Daverio insieme al Museo MA*GA nel 2009, dopo anni di ricerca e confronto sulle collezioni del museo e sui protagonisti che hanno determinato svolte significative nella relazione tra arte e design; il progetto ha poi visto la luce nel 2024, in occasione dei trent’anni di fondazione della sezione Design del MA*GA. Il volume accompagna quindi la grande mostra, poi trasferitasi a Palazzo SUMS di San Marino, dedicata al dialogo tra arti visive e design che ha caratterizzato gli anni tra il Secondo dopoguerra e lo scorcio del secolo scorso, attraverso un’avventura di instancabile innovazione e sperimentazione. Il libro, visionario e ambizioso, racconta attraverso una serie di episodi la produzione artistica e l’oggetto di design inteso come progetto autoriale dialogando, da una prospettiva estetica ed etica, col fare artistico della modernità. Cinquant’anni di design italiano, bello, funzionale e, perché no, anche divertente. Si va da Gio Ponti a Luigi Caccia Dominioni, da Marco Zanuso a Franco Albini, da Ettore Sottsass a Enzo Mari, da Joe Colombo a Gae Aulenti, da Nanda Vigo ad Antonia Campi, da Achille Castiglioni ad Anna Castelli Ferrieri, con incursioni nelle arti visive grazie a Piero Manzoni, Lucio Fontana, Enrico Castellani, Mario Radice, Emilio Vedova fino a Maurizio Cattelan.

Come affermato da Giuseppe Turroni nel suo "Nuova fotografia italiana", pubblicato da Schwarz nel 1959, dagli anni Trenta alla fine dei Cinquanta la più significativa fotografia autoriale italiana non è stata realizzata dai professionisti, ma da figure come Giuseppe Cavalli, Mario Finazzi, Federico Vender, Arrigo Orsi, Ferruccio Ferroni, Paolo Monti, Giulio Parmiani e alcuni altri che si dedicavano a questa forma artistica dopo avere terminato di occuparsi delle loro attività imprenditoriali, mediche, legali, commerciali. In quel periodo la fotografia più interessante, più significativa anche per gli esiti futuri, è nata come frutto della sperimentazione e della dedizione di alcuni personaggi che non hanno vissuto di fotografia ma che a essa hanno dedicato il loro tempo migliore. Catalogo della mostra presso Fondazione Banco di Napoli.

Nell’immaginario collettivo le liste sono spesso percepite come strumenti funzionali e pratici: strategie di scrittura finalizzate a mettere ordine nel caos quotidiano, indipendentemente che si tratti di incombenze concrete e della vita di ogni giorno o di promemoria per la redazione di opere letterarie o scientifiche. Eppure questi elenchi possono trasformarsi in qualcosa di ben più complesso e intrigante: un’affascinante esplorazione del pensiero umano, della sua irrefrenabile spinta a classificare, raccogliere e ad assegnare significato e priorità alle cose, ai pensieri, alle azioni, alle parole. Alle liste in mostra, nata da un argomento e da un titolo straordinariamente suggestivi che Eco ha scelto per il Louvre nel 2009, le curatrici hanno voluto dare un corpo fatto di carta: il risultato è un’esplorazione di quella tensione tra il desiderio di ordine e la consapevolezza che tale ordine è sempre imperfetto, provvisorio e, a tratti, illusorio. La vertigine delle liste non è solo una questione di numeri e classificazioni, ma un riflesso della nostra continua ricerca di senso e di significato, in un mondo che si trasforma e si moltiplica a una velocità sempre crescente.

Da quando e perché la doppia B congiunta al fuoco rappresenta Busto Arsizio? E, prima ancora, che cosa significa o ricorda il nome di Busto? Sono le questioni che qui si tenta di risolvere ripercorrendo a ritroso il tempo, con le citazioni, le implicazioni, le illustrazioni necessarie. Lo stemma non impone, ma raccoglie: raccoglie memorie storiche e situazioni di fatto. Con un ricco corredo iconografico di oltre 80 immagini, molte delle quali inedite e provenienti da antichi documenti manoscritti.

Le opere di Maurizio Donzelli presentate in questa occasione sono lavori di grande impatto e consentono di scoprire l’ultimo ciclo pittorico dell’artista bresciano, destinato a porsi come ulteriore elemento di sperimentazione e di discussione per lo sguardo dello spettatore. Donzelli costruisce le sue reti su supporti vari (carta, legno, tessuto, tela), sviluppando una visione lenticolare dove i frammenti di un mondo in divenire si depositano sulla superficie. Accanto ai Nets, il volume propone l’evoluzione di due cicli già ampiamente apprezzati, i Mirrors e gli O, la serie degli ori. L’aspetto fondamentale della ricerca condotta dall’artista è l’indagine sulla natura stessa dell’immagine e sulla nostra percezione. Come afferma Alberto Fiz, “l’intera produzione di Donzelli orbita intorno al punto zero dove tutto è ancora possibile e lo spazio dell’arte torna ad ampliarsi”.

Eugenio Cecconi, relativamente poco conosciuto al di fuori della Toscana, occupa un posto a parte rispetto all’eterogeneo gruppo degli artisti labronici fiancheggiatori dei Macchiaioli. Artista di solitaria grandezza, possiede una straordinaria abilità nel descrivere la Maremma, catturandone i colori, i profumi ed i suoni. La mostra a Forte Leopoldo I è il risultato di un lavoro costruito anno dopo anno, reso possibile grazie alla sinergia con la Società di Belle Arti e la Fondazione Villa Bertelli e mette al centro la Maremma toscana con i suoi paesaggi incontaminati, boschi di querce e lecci, paduli misteriosi e scorci indimenticabili, fonte inesauribile di ispirazione per Cecconi. Le sue tele catturano la luce calda e i colori vibranti di questa terra, ritraendo con particolare abilità, essendo stato un grande appassionato, scene di caccia, in cui i cani emergono come protagonisti.

il volume raccoglie la maggior parte dei contributi presentati, in forma di conferenze, dalla Fondazione Insula Felix ETS durante sette incontri dedicati a recenti scoperte e altrettanto recenti riletture di alcuni aspetti e opere d’arte medievale – in un caso neo-medievale – improntati sempre al massimo rigore scientifico, come anche alla curiosità e all’apertura interdisciplinare: una combinazione rara, e che però caratterizza tutti gli autori che hanno generosamente aderito a questo progetto.Prospettive, tutte, che non solo mostrano la profondità dei problemi irrisolti e la ricchezza delle possibilità di ricerca che il Medioevo offre a storici e storiche dell’arte, ma anche quanto l’ampiezza di orizzonti e l’apertura interdisciplinare possa favorire la ricerca, consentendo nuove letture di testi e opere già noti o anche la fortunosa e fortunata scoperta di oggetti nuovi ed inediti. Testi di: Martina Corgnati, Serena Romano, Marco Rossi, Luigi Carlo Schiavi, Miriam Rita Tessera, Margherita Orsero, Edoardo Rossetti, Sergio Rebora.

Cosa vede un bambino al museo? Cosa può toccare? Perché non esiste un percorso “sotto il metro” dedicato ai bambini? Un sommerso di problemi e ostacoli che il progetto “Lilliput, a piccoli passi nei musei” ha il grande merito di illuminare con una metodologia a torto misconosciuta da molti esperti: domandare direttamente agli interessati, mettersi all’altezza del dialogo con le famiglie e i genitori da un lato, con il personale dei musei dall’altro, riportando all’attenzione la multidimensionalità di problemi che non ammettono soluzioni semplici, ma che necessitano di essere gestiti, di entrare nelle pratiche di fruizione che tengano in conto l’esperienza del bambino, la duttilità prodigiosa della sua mente, l’innesco della meraviglia come motore di esperienza. I musei stanno cambiando sempre di più a livello internazionale e nazionale. Cambiare è un travaglio di costruzione e decostruzione. Lilliput vuole contribuire a rimuovere gli ostacoli e i detriti che si frappongono a una piena accessibilità dei bambini ai musei, poiché l’apprendimento non ha inizio a un’età definita ma è un processo che sarebbe desiderabile durasse per tutta la vita.

Gli archivi del Museo delle storie di Bergamo si raccontano, per immagini, nella collana Mille storie. Ogni numero rilegge la storia italiana dell’Otto e del Novecento a partire da un oggetto delle collezioni del Museo. Il primo numero della collana è un omaggio all’80° della Liberazione. Il Taccuino 805, una fonte inedita e originale per la composizione in forma di filastrocca e per le illustrazioni a corredo, guida il racconto e descrive l’esperienza di Elisabetta (Betty) Ambiveri e delle sue compagne di prigionia durante la detenzione nel carcere di Aichach tra 1944 e 1945. Il volume offre uno spaccato della carcerazione femminile durante il Terzo Reich: ne emergono l’ironia, la forza e la rete di relazioni delle prigioniere nel drammatico contesto detentivo. Una narrazione che mostra quanto il Novecento sia stato il secolo delle guerre mondiali, ma anche quello in cui le donne hanno preso voce. Testi di Lia Corna, Greta Fedele, Andrea Ferrari, Sara Troglio, Dario Venegoni.

Edizione speciale con copertina cartonata rivestita in tela con fustellatura a finestra e stampa in oro a caldo e un disegno inedito di Mimmo Paladino, realizzato ad hoc dall'artista. Questo volume ci riporta, grazie a un approccio insieme filologico e scientifico, a considerare l’umanità – fisica, morale, psicologica – del grande innovatore e riformatore instancabile che è stato Carlo Borromeo. In particolare è qui ricostruito un momento importante e forse meno noto della sua vicenda: dopo aver passato in rassegna gli ultimi giorni del santo, sono resi l’epilogo terreno delle sue spoglie e la venerazione che, da subito, circondò il suo corpo. Grazie alla magistrale trascrizione e traduzione di Fabio Gasti, per la prima volta è presentata anche in italiano la dissezione anatomica di un grande uomo, di un grande pastore, già da vivo considerato incarnazione di santità. Affidata all’anatomo e chirurgo Giovanni Battista Carcano Leone, quella che oggi definiremmo “autopsia” costituisce l’occasione per contemplare e testimoniare le virtù incarnate, nel senso più letterale, nell’arcivescovo. Un uomo capace di spendere se stesso, di darsi agli altri, «cuore di tutti», come scrive commosso il medico che ne ha eseguito l’autopsia e che ha tenuto delicatamente tra le mani quel cuore ormai spento. Una personalità fortissima, ferrea, in un involucro fragile, una «crisalide», per usare la felice espressione di Filippo Maria Ferro. Testi di Renzo Dionigi, Fabio Gasti, Filippo Maria Ferro. Prefazione di Alberto Rocca.

Questa pubblicazione analizza in modo intimo e dialogato il tema dell’errore, dagli inciampi quotidiani, passando per curiosi giochi di parole, giungendo alle riflessioni sulle modalità di visualizzazione standardizzate dell’opera. Il dialogo vede l’alternarsi di riflessioni e suggestioni di Alessio Larocchi, artista, ed Elisa Muscatelli, curatrice, prendendo come input alcuni lavori di Larocchi trovati nello studio e lasciati in uno stato di auto contemplazione; nati per errore, essi giacciono delicatamente poggiati a terra o su tavoli nascosti in attesa di occhi indiscreti e di un alfabeto per decifrarli. L’alfabeto scelto è formato dalle parole del quotidiano, dai pensieri bizzarri e non omologati, dalle esperienze soggettive traumatizzanti, dagli aneddoti divertenti, dai trigger mutaforma. Tutto ciò su cui l’occhio si posa, nonostante il mondo circostante gli dica di non farlo. Questa piccola produzione, con molti refusi di pensiero, di parole, opere ed omissioni, vuole essere un omaggio all’errore e all’errare per accomunare tutti quelli che ad oggi stanno ancora cercando una casa.