Nomos Edizioni

Quello di Max Baccetti con la fotografia è un rapporto che dura da molti anni. La passione nasce quando, da bambino, riceve in regalo dai genitori una piccola macchina fotografica, ma è nel 1988 che inizia la sua carriera di fotografo professionista. Il volume è dedicato alle sue fotografie di viaggio, dal Nepal nel 1993 alla Bolivia nel 2013: venti anni di lavori ai quali si aggiungono, On the road, immagini scattate dalla Maremma a Parigi, passando per Guatemala, Brasile, Mali e molto altro. L'Autore si racconta, attraverso gli scatti e il franco dialogo con Chiara Letizia Coldorfei, da cui si evince che le sue non sono partenze casuali, ogni viaggio è preceduto da ricerche approfondite e raccolta di documentazione. Nulla deve essere scontato, tutto potrebbe costituire una scoperta. Il suo è l’atteggiamento di chi esplora, di chi vuole conoscere, capire, tornare ogni volta spiritualmente arricchito. Un lavoro come il suo potrebbe tranquillamente essere definito umanistico: l’uomo è al centro, ma non nell’accezione prepotente e arrogante del termine, piuttosto da un punto di vista più ampio, che comprende la psiche, la spiritualità, la potenza straordinaria di porsi in un rapporto di pace e di dialogo con l’universo. Un aspetto che è in tutte le sue immagini. Edizione bilingue italiano/inglese.

Franco Broccardi accompagna il lettore in un viaggio appassionante tra mainstream e controculture, arte e politica, mercato e creatività. Con uno stile diretto e ricco di riferimenti pop, smonta i luoghi comuni (“con la cultura non si mangia”) e mostra come la cultura sia un impianto vitale in cui economia e società si intrecciano inevitabilmente. Dal punk al rap, dalle bolle speculative all’arte contemporanea, Cultura adesso racconta con lucidità e passione un legame spesso sottovalutato ma decisivo: quello tra economia e cultura. Un saggio brillante, che mescola teoria e storie, pensiero critico e immaginario pop, per restituire alla cultura il suo ruolo di forza trasformativa nel mondo di oggi. “Che tipo di mondo vogliamo costruire insieme? Come possiamo ripensare il futuro collettivamente, par- tendo da narrazioni condivise e nuove immagini di possibilità? Non sono solo le istituzioni e gli operatori culturali a domandarselo, ma anche, soprattutto, le persone. Cittadine e cittadini che rifiutano una cultura decorativa o elitaria e chiedono invece una cultura viva, accessibile, capace di immaginare e costruire alternative”.

Questo volume raccoglie gli interventi presentati al seminario “Tecno-kitsch. La spettacolarizzazione digitale”, organizzato dalla Fondazione Insula Felix con la partecipazione di semiologi, mediologi, storici dell’arte, artisti, sociologi della cultura: il suo scopo è porre la questione della valutazione estetica nel variegato settore dell’arte digitale, dove spesso viene semplicemente apprezzata la novità tecnologica inquanto tale. Lontano dai tentativi di dare una definizione di tecno-kitsch, si è cercato di disegnare una mappa approssimativa del fenomeno, connettendo un campo potenzialmente sterminato di concetti chiave studiati dalla letteratura classica sul kitsch con le nuove forme che questi concetti assumono quando sono declinati secondo le modalità del digitale; l’obiettivo è di avviare un’analisi sistemica delle potenzialità e dei limiti del digitale in campo artistico e creativo, anche e soprattutto alla luce della forte accelerazione indotta dall’intelligenza artificiale e delle contraddizioni che ne derivano, comunque sempre nel contesto più ampio delle dinamiche culturali. Contributi di: Aldo Colonetti, Ruggero Eugeni, Kamilia Kard, Giulio Lughi, Gabriele Marino, Domenico Quaranta, Ugo Volli.

Il quarto volume del Catalogo generale delle opere del Maestro Pablo Atchugarry è dedicato agli anni dal 2019 al 2024. Curato da Marco Meneguzzo, ospita un suo testo critico e un dialogo con l'Artista. Nel libro sono raccolte, illustrate e descritte oltre 800 opere divise per anno, ciascuno dei quali introdotto da un testo critico. Pablo Atchugarry (Montevideo, 1954) è tra i protagonisti della scultura contemporanea. Dopo gli esordi nella pittura e in diversi materiali, nel 1979 scopre il marmo di Carrara, che diventa cifra distintiva della sua poetica, fatta di verticalità, luce e spiritualità. Dal 1982 vive a Lecco, da dove ha portato le sue opere monumentali in musei, collezioni e spazi pubblici in Europa e nelle Americhe, partecipando anche alla Biennale di Venezia. Fondatore della Fundación Pablo Atchugarry e del MACA in Uruguay, unisce ricerca artistica, valori universali e dialogo tra arte e natura, vivendo e lavorando tra Lecco e Manantiales. Edizione con cofanetto e testi tradotti in inglese.

Nel cuore bianco della Sardegna, Fortunato Scrimali fa qualcosa che nessuno aveva mai osato prima: introduce la moda – archetipo della grazia e dell’effimero – in uno degli scenari più duri del lavoro umano, la salina. Con un’intuizione al tempo stesso poetica ed antropologica, il fotografo sceglie come set il paesaggio lunare delle montagne di sale di Santa Gilla, 2700 ettari di acqua, sole, vento e solitudine. Non c’è artificio, non c’è retorica: solo la consapevolezza compiaciuta che anche nel luogo più remoto e duro possa attecchire il seme di una bellezza altra e spiazzante. Le immagini, pubblicate dalla rivista “Bellezza” nel 1955, di cui Scrimali diventa il fotografo di punta, costituiscono ancor’oggi, a distanza di settant’anni, un documento raro di un cortocircuito visivo, una felice commistione tra il linguaggio della bellezza e quello della fatica.

Catalogo del Premio Internazionale di scultura Gabbioneta promosso da Trillium Pumps Italy – Gabbioneta Pumps. Il concorso, nato nel 2016 e giunto alla sua decima edizione, sostiene nuove generazioni di scultori e nello stesso tempo tramanda la storia e l’identità di una storica azienda italiana, conosciuta in tutto il mondo. Testi bilingue italiano/inglese.

Il testo ricostruisce una storia del pensiero artistico-didattico che, partendo dal Bauhaus, transita per la Scuola di Ulm per arrivare all’Istituto Statale d’Arte di Monza. In particolare, si sofferma su alcune figure chiave che hanno sapientemente unito il fare artistico con la pratica didattica. Tra queste, Klee e Kandinsky, poi Bill e Maldonado, per finire con Valentini e Silvestrini: “Maestri”, in quanto non solo possono essere considerati tra i massimi esponenti nel loro campo, ma perché, ancora oggi, sono da esempio e insegnamento per schiere di nuovi aspiranti artisti-docenti. Ciò spiega come mai testi quali Teoria della forma e della figurazione, Punto, linea, superficie o le varie dispense e pubblicazioni nate dentro e attorno all’ISA di Monza tuttora costituiscano un patrimonio condiviso, ineludibile e ancora avant-garde rispetto ai tanti, più o meno recenti, manuali d’arte distribuiti e studiati nelle varie scuole occidentali. Arte, geometria, colore, psicologia della forma, filosofia, biologia, poesia e letteratura sono discipline intimamente interconnesse e che, in tutta evidenza, emergono nel pensiero dei maestri suddetti a dimostrazione che non esiste una vera separazione tra i vari ambiti del sapere, anzi che questi costituiscono un unicum, un humus fertile sul quale sono fiorite le straordinarie personalità qui trattate, grazie anche al favorevole e stimolante ambiente sviluppatosi per alcuni formidabili anni a Weimar, Ulm e Monza.

Il libro nasce dal progetto scritto da Philippe Daverio insieme al Museo MA*GA nel 2009, dopo anni di ricerca e confronto sulle collezioni del museo e sui protagonisti che hanno determinato svolte significative nella relazione tra arte e design; il progetto ha poi visto la luce nel 2024, in occasione dei trent’anni di fondazione della sezione Design del MA*GA. Il volume accompagna quindi la grande mostra, poi trasferitasi a Palazzo SUMS di San Marino, dedicata al dialogo tra arti visive e design che ha caratterizzato gli anni tra il Secondo dopoguerra e lo scorcio del secolo scorso, attraverso un’avventura di instancabile innovazione e sperimentazione. Il libro, visionario e ambizioso, racconta attraverso una serie di episodi la produzione artistica e l’oggetto di design inteso come progetto autoriale dialogando, da una prospettiva estetica ed etica, col fare artistico della modernità. Cinquant’anni di design italiano, bello, funzionale e, perché no, anche divertente. Si va da Gio Ponti a Luigi Caccia Dominioni, da Marco Zanuso a Franco Albini, da Ettore Sottsass a Enzo Mari, da Joe Colombo a Gae Aulenti, da Nanda Vigo ad Antonia Campi, da Achille Castiglioni ad Anna Castelli Ferrieri, con incursioni nelle arti visive grazie a Piero Manzoni, Lucio Fontana, Enrico Castellani, Mario Radice, Emilio Vedova fino a Maurizio Cattelan.

Come affermato da Giuseppe Turroni nel suo "Nuova fotografia italiana", pubblicato da Schwarz nel 1959, dagli anni Trenta alla fine dei Cinquanta la più significativa fotografia autoriale italiana non è stata realizzata dai professionisti, ma da figure come Giuseppe Cavalli, Mario Finazzi, Federico Vender, Arrigo Orsi, Ferruccio Ferroni, Paolo Monti, Giulio Parmiani e alcuni altri che si dedicavano a questa forma artistica dopo avere terminato di occuparsi delle loro attività imprenditoriali, mediche, legali, commerciali. In quel periodo la fotografia più interessante, più significativa anche per gli esiti futuri, è nata come frutto della sperimentazione e della dedizione di alcuni personaggi che non hanno vissuto di fotografia ma che a essa hanno dedicato il loro tempo migliore. Catalogo della mostra presso Fondazione Banco di Napoli.

Un bottone è solo un bottone? Un gruppo di amici si trova davanti a un pulsante molto strano. Mentre Volpe, Scoiattolo e Coniglio sono curiosi e vorrebbero premerlo, si apre una discussione perché Orso, Gufo e Gallina sono assolutamente contrari: a cosa porterebbe premerlo? Forse è il pulsante della distruzione... E se invece fosse il pulsante delle cose belle? In fondo è solo un pulsante... Ma premerlo potrebbe essere troppo pericoloso...Mentre la discussione si sviluppa nel gruppo, il lettore viene guidato pagina dopo pagina attraverso ipotesi divertenti e bizzarre e colori bellissimi, finché alla fine... qualcuno preme il pulsante! Il finale porterà sorpresa e risate. Età di lettura: da 5 anni.

Nell’immaginario collettivo le liste sono spesso percepite come strumenti funzionali e pratici: strategie di scrittura finalizzate a mettere ordine nel caos quotidiano, indipendentemente che si tratti di incombenze concrete e della vita di ogni giorno o di promemoria per la redazione di opere letterarie o scientifiche. Eppure questi elenchi possono trasformarsi in qualcosa di ben più complesso e intrigante: un’affascinante esplorazione del pensiero umano, della sua irrefrenabile spinta a classificare, raccogliere e ad assegnare significato e priorità alle cose, ai pensieri, alle azioni, alle parole. Alle liste in mostra, nata da un argomento e da un titolo straordinariamente suggestivi che Eco ha scelto per il Louvre nel 2009, le curatrici hanno voluto dare un corpo fatto di carta: il risultato è un’esplorazione di quella tensione tra il desiderio di ordine e la consapevolezza che tale ordine è sempre imperfetto, provvisorio e, a tratti, illusorio. La vertigine delle liste non è solo una questione di numeri e classificazioni, ma un riflesso della nostra continua ricerca di senso e di significato, in un mondo che si trasforma e si moltiplica a una velocità sempre crescente.

Da quando e perché la doppia B congiunta al fuoco rappresenta Busto Arsizio? E, prima ancora, che cosa significa o ricorda il nome di Busto? Sono le questioni che qui si tenta di risolvere ripercorrendo a ritroso il tempo, con le citazioni, le implicazioni, le illustrazioni necessarie. Lo stemma non impone, ma raccoglie: raccoglie memorie storiche e situazioni di fatto. Con un ricco corredo iconografico di oltre 80 immagini, molte delle quali inedite e provenienti da antichi documenti manoscritti.