Storia dell'arte: stili artistici

«Non può farsi la storia d'Italia senza fare la storia dell'arte italiana»: a oltre cinquant'anni dalla sua prima pubblicazione, la monumentale opera di Giulio Carlo Argan rappresenta il tentativo più riuscito e sistematico di raccontare l'evoluzione della cultura artistica italiana insieme con le idee e le società che ne hanno accompagnato gli sviluppi. Un classico contemporaneo, qui riproposto in una nuova edizione a cura di Vincenzo Trione. Questo primo volume ci conduce dall'Antichità fino al gotico attraverso millenni di innovazioni: dalle primitive pitture parietali alla levigata concretezza dei templi, teatri e statue dell'epoca romana; dalle ambizione architetture medievali lanciate verso il cielo, come il duomo di Orvieto o Santa Maria Novella a Firenze, alle innovazioni di Cimabue e Duccio di Buoninsegna, che traghetteranno la pittura fino alle soglie dell'Umanesimo. Con uno stile chiaro e preciso, che semplifica senza mai banalizzare, Argan ci mostra come, in ogni contesto ed epoca, l'arte rappresenti un linguaggio in grado di esprimere, in modo allo stesso tempo specifico e universale, la società e i rapporti di potere, le dinamiche economiche e le inquietudini che hanno animato la filosofia e la scienza. La Storia dell'arte italiana di Giulio Carlo Argan riesce nel difficile compito di offrire risposte suscitando nuove domande, di rendere il passato contemporaneo del presente, trattando l'arte come una fiamma viva e mai come dogma o sterile nozione. Come scrive Vincenzo Trione nella sua prefazione: «Nata da profonde intenzioni militanti, umanistiche e illuministe, l'opera di Argan è innanzitutto questo: una sacca di resistenza intellettuale e politica»; il tentativo riuscito di mappare l'incommensurabile.

Composta da un saggio di Demetrio Paparoni il volume analizza il genio artistico dell’artista, la sua vita e le sue opere. Accompagnato da schede dettagliate su 25 dei suoi capolavori, il libro guida il lettore attraverso la narrazione visiva e il significato culturale di ogni opera. La monografia si distingue per il suo approccio accessibile e informativo, ideale per appassionati d'arte.

Composta da un saggio di Demetrio Paparoni il volume analizza il genio artistico dell’artista, la sua vita e le sue opere. Accompagnato da schede dettagliate su 25 dei suoi capolavori, il libro guida il lettore attraverso la narrazione visiva e il significato culturale di ogni opera. La monografia si distingue per il suo approccio accessibile e informativo, ideale per appassionati d'arte.

Il volume Paolo Conte. Original è un ritratto inedito e affettuoso dell’artista astigiano, icona della canzone d’autore italiana, che ha coltivato per anni un’intima e riservata passione per l’arte visiva, formandosi come pittore e disegnatore e mantenendo un rapporto profondo e continuo con l’immagine. Il suo mondo prende forma attraverso colori, linee, astrazioni e suggestioni figurative che portano lo spettatore nel cuore dello stesso universo poetico delle sue canzoni: malinconico, jazzato, elegante e surreale. La mostra e il catalogo non sono solo un omaggio alla sua figura poliedrica, ma anche un’opportunità rara per scoprire il lato più visivo e segreto di un artista immenso.

Questo lussuoso volume doppio offre una panoramica da intenditori sui migliori orologi al mondo: dai primi modelli da aviatori

L’opera di Michelangelo, rivoluzionaria e inesauribile, ha segnato in modo indelebile la storia dell’arte. In questa monumentale monografia, arricchita da oltre ottocento illustrazioni a colori, Horst Bredekamp ne restituisce il genio, intrecciando biografia, ricostruzione storica e interpretazione critica. Con un approccio iconologico, ogni opera viene indagata non solo dal punto di vista stilistico ma, seguendo la lezione di Aby Warburg, anche nei suoi significati simbolici. Ne emerge un ritratto che rompe con le letture più consuete e introduce nuove categorie – “panempatia”, “eros proteiforme”, “inversione” – per rivelare un artista animato dal richiamo della materia e da una tensione costante a infrangere le convenzioni, capace di trasformare la propria esperienza della natura in un universo di forme travolgenti e imprevedibili. Per Michelangelo, infatti, plasmare e scolpire sono un atto d’amore incondizionato per il mondo e un modo di indagare il destino dell’essere umano e il suo tempo. Il risultato è un opus magnum inebriante che invita a guardare Michelangelo con occhi nuovi, a riscoprire l’energia di creazioni che, secoli dopo, continuano a interrogare e commuovere.

Nella Parigi dei boulevard, dei caffè, dei teatri e dei salotti, nasce la modernità. Tra il 1870 e il 1910, una generazione di artisti italiani sceglie la capitale francese come luogo di formazione e di libertà: Giovanni Boldini, Giuseppe De Nittis e Federico Zandomeneghi e altri straordinari protagonisti trasformano la vita quotidiana in pittura, catturando la luce, il movimento e l'eleganza del tempo nuovo. Il volume, curato da Francesca Dini, ricostruisce questa stagione irripetibile, in cui l'arte italiana dialoga con l'Impressionismo e con la nascente cultura della modernità, tra mondanità, introspezione e poesia urbana. Un viaggio nell'anima luminosa e inquieta della Belle Époque, quando Parigi divenne il cuore dell'arte europea.

Stregherie invita a un incontro con l'oscurità, con l'immagine di un sapere proibito che da secoli sfida la storia e l'arte. La figura della strega, simbolo di conoscenze segrete e poteri invisibili, ha attraversato le epoche, mutando volto tra paura, venerazione e disprezzo. Oggi la strega risorge, reinterpretata, per sfidare le convenzioni e rivelare dimensioni nascoste dell'essere. Un viaggio senza tempo tra iconografia, mito e folklore, un percorso guidato dove il mistero della strega si fa specchio del nostro stesso animo.

Antoni Gaudí ha fuso orientalismo, forme naturali e nuovi materiali in un'estetica modernista che ha reso Barcellona la meta d

I capolavori dell’arte fantastica, da Johann Heinrich Füssli a Odilon Redon. Tra fate, spettri, streghe, angeli e demoni, creature radicate in miti, leggende e capolavori letterari, 300 opere d’arte fra le più suggestive del romanticismo, del simbolismo e del preraffaellismo, accompagnate da approfondimenti storici, analisi stilistiche e contributi sull’universo dell’occulto. Un libro ricco di preziose schegge di luce nera che continuano ad accendere il nostro immaginario, in linea col celebre consiglio di Caspar David Friedrich: «Chiudi l’occhio fisico, per vedere il quadro con l’occhio dello spirito e riconoscere ciò che la ragione, da sola, non può spiegare». Evocative citazioni letterarie a corredo ci accompagnano nelle «profondità celate della notte scura» (V. Hugo).

Avvolto da linee sinuose e atmosfere oniriche, l’universo di Alphonse Mucha ha saputo trasformare il volto dell’arte tra ottocento e novecento, diventando il simbolo stesso dell’art nouveau. Le sue figure femminili, eteree e potenti, evocano una bellezza senza tempo che dialoga tanto con l’eleganza mondana di Giovanni Boldini, maestro della ritrattistica belle époque, quanto con la grazia ideale e armoniosa di Sandro Botticelli, cantore del rinascimento fiorentino. Questo volume accompagna il visitatore in un viaggio che intreccia raffinatezza decorativa e suggestione simbolica, rivelando come la visione di Mucha si collochi in un continuum di stile e poesia che, dall’eterno mito botticelliano alla frenesia elegante di Boldini, giunge a incarnare la modernità di un’epoca.

Considerato uno dei più grandi interpreti della pittura del Novecento, Marc Chagall si distingue come un maestro del colore e delle emozioni. Artista che ha affrontato con coraggio temi come l’esilio e il dolore del distacco, senza mai perdere di vista l’amore, i sogni e le divinità. La sua capacità di comunicare temi universali attraverso un linguaggio poetico e onirico gli permette di toccare il cuore di tutti. Nelle sue opere, Chagall affronta argomenti cari a lui, come l’attaccamento alla terra natia, la religione, la ricerca del proprio posto nel mondo, l’amore e la poesia. Nel corso della sua carriera, attraverso dipinti e scritti, ha creato un universo personale, un mondo lirico e fantastico nel quale tutto è possibile. Questa monografia raccoglie una selezione di oltre duecento opere, tra dipinti e lavori su carta che ci accompagneranno in un viaggio straordinario e consentiranno di comprendere la profonda umanità dell’opera di Chagall, artista plurale, visionario e testimone del suo tempo, cantore della bellezza e custode della memoria.