Letteratura teatrale

Allan Felix, un goffo critico cinematografico, ammiratore dei film con Humphrey Bogart, è ossessionato a tal punto dal suo idolo da vederlo apparire per dispensargli consigli su come avere successo con le donne. Suggerimenti molto apprezzati da Allan, appena divorziato, che è però assolutamente incapace di applicarli. Nutre così poca fiducia nelle sue capacità che ogni appuntamento galante si rivela fallimentare, finché gli appare chiaro che esiste una sola donna che possa amare: Linda, la moglie del suo migliore amico. Proprio come accade a Rick (Humphrey Bogart) e Ilsa (Ingrid Bergman) nel film Casablanca… Torna in libreria il capolavoro che ha rivelato il genio comico di Woody Allen, una commedia brillante e irriverente, con 453 repliche a Broadway, da cui è stato tratto l’omonimo film cult del 1972, con Woody Allen e Diane Keaton.

"“Nessuna vergogna, comincio io: Pasolini è un accollo!” La giuria di SuiGeneris assegna come vincitrice: “Generazione Pasolini” di Marta Bulgherini, per aver messo in scena le costanti interrogazioni di una generazione che vorrebbe la complessità, ma viene ostacolata da barriere mentali imposte e autoimposte. È un bel dilemma quanto la nostra formazione individuale abbia a che fare con il tempo in cui viviamo e quanto possiamo essere l’eccezione alla regola. PREMIO SuiGeneris - fringe (Fringe Festival Torino 2024) PREMIO della critica (FringeMi 2024)"

"Circe Anime Semplici Medea" col sottotitolo Drammaturgie dello specchio, contiene tre testi teatrali dedicati a due donne del mito, Circe e Medea e alla mistica Marguerite Porete che all'inizio del 1300 preferì morire sul rogo, piuttosto che rinnegare il suo scritto su "Lo specchio delle anime semplici". Come scrive Rodolfo Sacchettini nella sua introduzione, quello di Ilaria Drago è un teatro spirituale e di poesia in cui i personaggi interpretati travalicano il tempo, per diventare specchio di inquietudini a noi contemporanee. Antonio Cipriani, nella postfazione molto poetica, ricorda come il teatro di Ilaria Drago "tramuta il sogno in parole e le parole in magia, in forme e suoni sin da prima, sin dall'inizio di tutto, destinati come siamo a restituire il puro alla purezza..."

"De Rerum Natura [There is no planet B]" è un testo che racconta in sei episodi il rapporto tra uomo e natura oggi; il titolo è ispirato all'opera didascalica in versi del poeta latino Lucrezio; opera ch'ha rappresentato il punto di partenza intorno cui sviluppare la drammaturgia; sei "libri", un prologo, un interludio e un epilogo, in cui prevale la forma dialogica, perché è proprio attraverso il dialogo, attraverso la forza rivelatrice del dialogo che ho provato a restituire il Teatro in tutta la sua potenza, in tutta la sua affascinante capacità di turbamento. A raccordare tra loro gli episodi, c'è la voce della Natura che, mediante l'uso dei versi originali dell'opera di Lucrezio, si rivela quale forza primordiale e motrice della realtà, disvelando l'urgenza di una riflessione sulla nostra condizione contemporanea. Una riflessione "sulla natura delle cose". Sulla nostra natura delle cose.

Con il termine dispregiativo ʻCìncali’ gli svizzeri indicavano, nel secondo dopoguerra, gli immigrati italiani: in Italiani cìncali e La turnàta, testi autonomi nella trama, ma intimamente connessi per tematica e poetica, vengono raccontate le commoventi vicende di una generazione di emigrati «che ha affrontato enormi sacrifici per costruire un futuro migliore, lontano dalla propria terra natale», chi per cercare lavoro nelle miniere del Belgio, chi appunto nella ricca e prospera Svizzera. A vent’anni di distanza dalla prima messinscena di due spettacoli che hanno segnato il teatro di narrazione italiano, viene qui riproposto, con la vibrante emozione che soltanto il grande teatro sa dare, una delle pagine dimenticate della secolare storia di immigrazione italiana.

Nei sette corti riuniti in questo volume hanno un ruolo preminente altrettante figure femminili agenti in un arco temporale che dalla seconda metà del diciottesimo secolo giunge fino ai giorni nostri. Sono le vicende vitali ed artistiche di Nannerl Mozart, Fanny Mendelssohn, Camille Claudel, Anna Kuliscioff, Margherita Guidacci e di altre due artiste (Marinella e Arianna) appartenenti alla seconda metà del ventesimo secolo e all’inizio del ventunesimo. L’azione scenica, come in gran parte delle pièces di Del Serra, fluisce nell’alveo di coordinate sociali chiaramente definite e storicamente riconoscibili, ma il carattere dei suoi personaggi assume frequentemente la dimensione archetipica e si fa segnacolo capace di trascendere il contesto spazio-temporali nel quale si manifesta, divenendo emblema di una condizione, in questo caso quella della donna alle prese con limitazioni e pregiudizi familiari e sociali tanto radicati al punto da ostacolare la valorizzazione dei naturali talenti femminili ancorché espressi con brillanti ed innovative qualità, a “bruciarli”, come afferma il titolo del volume, incoraggiando al contrario quelli professionali dei rispettivi fratelli.

La prima guerra mondiale volge al termine e a Saint-Quentin, in Francia, i soldati inglesi sono in trincea. Nonostante la sua giovane età, Dennis Stanhope è ormai al fronte da tre anni, e già da tempo è al comando di una compagnia di fanteria. Gli orrori del conflitto lo hanno trasformato in un uomo burbero e dipendente dall'alcol. Mentre qualcuno si fa beffe del suo continuo trangugiare bicchieri di whisky, l'ufficiale Osborne ne prende le difese: il comandante ha visto e sopportato più di quanto sia ritenuto possibile. Alla compagnia assediata in trincea si unisce un nuovo tenente appena diciottenne, Raleigh, che conosce Stanhope dai tempi della scuola: lo ammira ai limiti della venerazione, e ha fatto in modo di entrare nella sua squadra. Lo trova però molto cambiato, e capirà presto il perché. Le ore scorrono lentissime, scandite dai turni di guardia, e Raleigh non ha passato al fronte più di due giorni quando arrivano notizie certe su un attacco orchestrato dai tedeschi, che avrà luogo molto presto...

Elettra, una giovane orfana cresciuta in convento, viene accolta dai suoi ricchi zii e si innamora di Máximo, uno scienziato rimasto vedovo. Salvador Pantoja, un conoscente della famiglia e della defunta madre della ragazza, cerca di impedire questa relazione amorosa affinché la ragazza entri in un convento di clausura. Máximo e Pantoja sono i rappresentanti di due modelli opposti di Spagna: il primo simboleggia la libertà e il progresso, il secondo è emblema del conservatorismo e di un cattolicesimo intransigente. La première di quest'opera al Teatro Español di Madrid, il 30 gennaio 1901, fu il più grande successo teatrale della Spagna di allora. Trascese l'ambito del teatro e della cultura per trasformarsi in un fenomeno sociale, non privo di implicazioni politiche.

In tempi come questi, dove lasciarsi il passato alle spalle è diventata una moda, Eugenio Sideri decide di fare una scelta controcorrente utilizzando il suo teatro in maniera politica e soprattutto sociale. Da questa consapevolezza nascono i tre spettacoli qui raccolti, le cui vicende gridano ancora vendetta (kraugé, dal greco antico: il “grido”, che può essere lamento o anche protesta) e aprono gli occhi su qualcosa che è stato e non dovrebbe più essere ma che costantemente viene rimarcato dalla cronaca quotidiana. Ecco allora che in Tantum ergo tre personaggi, due vittime della strage della stazione di Bologna del 2 agosto 1980 e un narratore, si ritrovano a confrontarsi in una perpetua sala d’aspetto interrogando lo spettatore e mettendo alla prova le sue convinzioni. Troviamo poi in Lo squalo un uomo solo, Arturo, che nel suo monologo ci conduce nell’inferno della tragedia del cantiere Mecnavi del porto di Ravenna, dove nel 1987 persero la vita 13 lavoratori reclutati tramite la pratica del caporalato. A concludere il trittico è la vicenda di Quasi una farsa (italiana) nella quale il protagonista, Ernesto, si ritrova improvvisamente senza lavoro e incapace di affrontare il dolore che questo gli procura.

"Gore" è un’opera teatrale dirompente e surreale, che gioca con il linguaggio per smascherare le contraddizioni della comunicazione e delle relazioni umane. In un universo grottesco e imprevedibile, i personaggi si muovono tra tensioni e incomprensioni, dando vita a dialoghi frammentati e situazioni paradossali in cui ogni scambio diventa una rivelazione delle loro insicurezze più profonde. Daulte intreccia umorismo e crudeltà con una teatralità irriverente, capace di spiazzare e affascinare, esplorando i limiti della comprensione, mostrando quanto sia sottile l’equilibrio tra ciò che si dice, ciò che si sente e ciò che resta inespresso. Un’esperienza teatrale unica, che sfida le convenzioni e coinvolge il pubblico in un gioco audace e spiazzante.

"Madri" è un’indagine sull’intimo, sul pudore, sull’identità, sull’ingarbugliarsi ossessivo del pensiero. In una situazione di stasi una madre e un figlio non trovano qualcosa, la conclusione di una frase che hanno dimenticato. Varie risposte e strade vengono eluse in questo testo. Finché nel finale resta una sola strada possibile.