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Per vent’anni, tra il 2000 ed il 2020, il poeta, drammaturgo e scrittore svedese Lars Norén, autore di una nuova estetica ed etica del teatro contemporaneo, ha tenuto un diario, zibaldone di pensieri pubblici e privati e di frammenti di vita sul palcoscenico. L’opera, che qui viene presentata con il titolo di "Diario di un autore drammatico", diviene ipertesto della complessa realtà noreniana, registro magnetico dei piccoli avvenimenti e delle creazioni dell’attività di regista, sismografo emotivo di sentimenti dirompenti verso famiglia, sodali e compagne di vita e passioni brucianti, attento elzeviro sulla politica culturale nazionale e dei contesti internazionali. Ne risulta un libro-mondo, un tentativo di racchiudere l’intera esistenza – propria e della sua opera drammatica – in una cartografia letteraria universale di un lungo ventunesimo secolo, un esercizio umano di pensiero e un esperimento che ferma il proprio tempo in una mappatura minuta e universale, in una registrazione completa di ogni movimento della ragione e del cuore.

Che cos'è un "film nel XXI secolo"? Come possiamo riconoscere l'identità del cinema dopo il 2000? Quanto è cambiata l'immagine del grande schermo nel nuovo millennio? Temi molto discussi in questi anni, segnati da una crisi delle sale e da una sovrabbondanza di stimoli mediali che sembrano assediare e confondere l'immaginario della Settima Arte. Il volume cerca tuttavia di smentire i luoghi comuni di un tramonto dell'esperienza cinematografica, offrendo al contrario una vastissima mappa di titoli e autori che hanno rimesso in gioco il racconto e le forme del cinema negli ultimi venticinque anni. Si scopre un universo ampio e pulviscolare, che reagisce ai problemi sociali e geopolitici del presente creando nuove configurazioni culturali, più frammentarie di un tempo ma non meno degne d'interesse per gli spettatori di oggi.

Il volume si configura come una prima ricognizione critica sull'opera e sulla parabola artistica di Elvira Frosini e di Daniele Timpano, protagonisti di rilievo del teatro italiano contemporaneo. L'indagine mira a restituire la genealogia dei loro percorsi formativi e professionali e a delineare la complessa architettura poetica che sostiene il progetto della Compagnia Frosini/Timpano, mediante l'analisi di spettacoli e di testi drammaturgici. L'indagine integra approcci storico-artistici a un'interpretazione ermeneutica dei processi creativi, esaminando le matrici culturali ed estetiche che hanno alimentato l'evoluzione del linguaggio scenico dei due autori-attori che hanno offerto e stanno continuando a offrire un contributo significativo allo sviluppo del teatro degli ultimi anni.

Nato dal convegno tenutosi all’Università del Salento nel centenario pasoliniano, il volume raccoglie studi e testimonianze che indagano il teatro di Pier Paolo Pasolini come luogo di pensiero, poesia e politica. Attraverso saggi critici e letture interdisciplinari, il libro restituisce la vitalità di un autore che ha concepito la scena come spazio di rito e di parola, laboratorio di idee e corpo vivente della comunità. Tra teoresi, drammaturgia e riscritture, emerge un teatro inattuale e necessario, capace ancora oggi di interrogare la società e la sua lingua, rivelando nella parola pasoliniana la forza di una resistenza poetica e civile.

In questo secondo volume teatrale, Juan Mayorga invita il lettore in quattro mondi diversi e complementari, uniti dalla sua inconfondibile capacità di interrogare il reale attraverso l’immaginazione. La lingua in pezzi reinventa il confronto tra Teresa d’Avila e il suo inquisitore, trasformandolo in un duello spirituale e politico. Ne Il critico, il teatro diventa specchio impietoso del giudizio e del desiderio di essere visti; Reykjavík costruisce un thriller mentale sulle ossessioni della memoria; Il Golem rilegge il mito come riflessione sul potere delle parole e la responsabilità dello sguardo. Quattro testi che rivelano ancora una volta lo straordinario talento di un autore capace di unire intelligenza, ironia e profondità etica. Un teatro di idee e di emozioni, che interroga il presente con rara precisione poetica.

Un giornalista dall’aria dimessa si reca in un’isolata casa di campagna per intervistare il suo inquilino: un signore molto anziano, ex deportato nei campi di concentramento nazisti, accudito ora dall’austera figlia. Ma durante l’incontro emerge una storia differente e quella che all’inizio sembrava un’innocua intervista si trasforma lentamente in uno scontro a tre, in cui ognuno propone una propria verità che potrebbe rivelarsi però una menzogna. La pseudologia fantastica è un’ossessione patologica che induce chi ne soffre a costruirsi un’identità alternativa e ad aderirvi come fosse reale: ad essa è ispirato questo testo.

Questo libro, nato da una trasmissione radiofonica, potrebbe essere un racconto fatto di tanti piccoli racconti. Oppure potrebbe essere una parziale, parzialissima, indagine antropologica. O forse un puzzle, formato da tessere diverse che, unite, danno vita a una immagine, strana quanto vogliamo, eppure riconoscibile. Non ha pretese di scientificità, tanto meno di esaustività, ma vorrebbe avere la grazia di un omaggio. Non ci sono note a piè pagina, non ci sono riferimenti bibliografici specifici, per quanto non manchino le citazioni. Ma non è una Storia del Teatro; semmai una raccolta di ‘storie di vita’, avanti e indietro nel tempo, che intrecciano il teatro e nel teatro si consumano. Piccole o grandi storie del teatro passato e presente: una raccolta di biografie. Gente che ha passato la vita in scena, o giù di lì. Gente di teatro, appunto.

Nella Casa di Reclusione di Gorgona - che da centocinquant’anni esiste come istituto penale sperimentale - la Compagnia Teatro popolare d’arte svolge dal 2019 un laboratorio produttivo di teatro e musica con la finalità di offrire ai detenuti un’esperienza fondata sulla comunicazione sociale attraverso i linguaggi di scena. Il progetto Il Teatro del mare ha dato vita all’omonima trilogia composta dagli spettacoli Ulisse o i colori della mente, Metamorfosi e Una Tempesta. Questo libro, a cura del direttore Gianfranco Pedullà, raccoglie il percorso creativo e progettuale della Compagnia. Accoglie inoltre contributi e testimonianze che offrono i diversi punti di vista di quanti, nel corso degli anni, hanno partecipato alla realizzazione, alla visione e al sostegno di questo lavoro, con l’obiettivo di raccontare e raccogliere in un solo volume mondi apparentemente lontani che il teatro è in grado di avvicinare.

Quanti dettagli servono per raccontare la storia di Michelangelo Merisi da Caravaggio? C’è la peste da bambino, che gli porta via padre e nonno. La fame e la povertà da giovane apprendista, il successo fulmineo e scapestrato, i litigi, le risse: risse, agguati in strada, denunce e un omicidio. Fughe precipitose e ritorni. Arresti, scarcerazioni, amanti, prostitute e madonne, sentenze di morte. Una grazia arrivata troppo tardi. Sempre senza speranza, senza salvezza, senza misericordia. Due testi teatrali: un monologo che di Caravaggio racconta la vita e la morte, e un concertato per due voci e un sax, per il suo capolavoro più misterioso.

Le metamorfosi del teatro di Emma Dante offre un’analisi approfondita del percorso artistico di una delle voci più originali della scena contemporanea. Articolato in due parti, il volume esplora da un lato i temi fondanti del suo teatro – la famiglia, il corpo, il dolore, la marginalità, l’identità e la lingua –, dall’altro analizza spettacoli emblematici attraverso un’indagine critica puntuale e coinvolgente. L’autrice, riallacciandosi al suo primo libro sulla Trilogia della famiglia siciliana, di cui questo costituisce il seguito, attraverso opere come Cani di bancata, Le pulle, Verso Medea e Bestie di scena, ricostruisce l’evoluzione di una poetica teatrale metamorfa, fisica e postdrammatica. Un teatro che sovverte le forme tradizionali, fonda nuovi linguaggi e trasforma il corpo attoriale in centro pulsante della creazione scenica.

Gli scritti di Jean Epstein sono tra i più eclettici, provocatori e poetici della teoria del cinema. Attraverso un florilegio di testi, di cui alcuni inediti in italiano, questo libro traccia la cartografia proteiforme del pensiero del cineasta. Jean Epstein apre questioni profonde che innerveranno il pensiero sul film degli anni a venire: la relazione tra cinema e filosofia, la centralità di affetti e sensazioni nel processo conoscitivo, la corporeità della visione del film, oltre al rapporto tra fisiologia, empatia e spettatorialità esplorato in tempi recenti dalle neuroscienze.