Forme d'arte

Dedicato agli appassionati di simbologia alla ricerca del prossimo tatuaggio e ai tatuatori professionisti che vogliono arricchire il proprio catalogo, questo libro offre informazioni essenziali su oltre 500 simboli spirituali. I simboli in questo libro sono stati accuratamente selezionati per la loro potenza e il loro significato spirituale; si tratta di icone che esistono da migliaia di anni ma che continuano, ancora oggi, a catturare la nostra immaginazione. Ogni simbolo, accuratamente suddiviso in sezioni tematiche e di cui viene spiegato mito e folklore, è accompagnato da parole chiave che ne chiariscono il significato, da diversi disegni da cui si può trarre ispirazione, e da alcune idee per la sua realizzazione. La natura spirituale dei simboli continua a vivere nel cuore e nella mente di coloro che scelgono di decorare il proprio corpo con questi emblemi senza tempo.

Ospitato da Villa Rospigliosi con la direzione artistica di ChorAsis e la curatela di Matteo Binci ho la possibilità, attraverso una mostra personale, di coagulare un lungo processo di solvenza. Decido di penetrare mediante lo sviluppo di un percorso in tre tappe. La prima, sala dell’aperitivo o dell’uccellagione, è un sistema di cattura congegnata per il “viandante”/pubblico, inspirata agli impianti di caccia per uccelli (uccellande) e rievocati dall’adiacente boschetto un tempo in uso per l’uccellagione nella Villa. Nella sala richiami seducenti di campanacci fatti suonare da dildi vibranti imboscati tra le foglie del limone, dispensatori di cibo e bevande conducono, sotto lo sforzo del carro, a un buco passaggio, un tappeto piegato, una porta verso la sala senza nome. In questa seconda sala espositiva e ricovero dei mezzi dell’azienda agricola Rospigliosi, si trova la proiezione, sul muro sgarrupato, del video documentario Un mondo senza nome. Prospiciente, a conclusione del percorso, la sala da pranzo è un impianto per la celebrazione conviviale quale atto di trasformazione per mezzo di fuoco. Delineazione di una costellazione familiare e crogiolo di nodi psicologici fusi misti a scorie.

Il volume documenta e approfondisce "Analisi dell’errore", progetto di Esther Stocker a cura di Angel Moya Garcia, presentato alla Tenuta Dello Scompiglio. L’errore, concetto che attraversa filosofia, scienze, psicologia e linguaggi contemporanei, viene qui indagato non come semplice deviazione negativa, ma come principio generativo capace di ridefinire sistemi conoscitivi e percettivi. L’installazione ambientale, costituita da un reticolato di nastro adesivo nero su fondo bianco che avvolge lo spazio e da una serie di dipinti che ne anticipano le interferenze, mette in discussione ordine e regolarità, introducendo anomalie che destabilizzano l’apparente oggettività del sistema. Nel dialogo tra rigore matematico e intuizione sensibile, astrazione e distorsione, l’opera di Stocker rivela la produttività dell’errore come apertura di senso e occasione di trasformazione. Il volume restituisce un’indagine critica sull’attualità di un concetto che, oltre la nozione di fallimento, si afferma come dispositivo conoscitivo, estetico e politico.

"Boule de Neige" è un progetto promosso dal Comune di Empoli e curato da Sergio Risaliti e Antonella Nicola, che porta l’arte contemporanea nel cuore della città per rinnovarne lo sguardo e gli spazi. Un itinerario culturale urbano chwe prende forma nel centro storico, con l’obiettivo di valorizzare luoghi dimenticati, stimolare nuove percezioni del territorio e favorire la partecipazione collettiva. Gli interventi site-specific dei sei artisti Marco Bagnoli, Francesca Banchelli, Chiara Bettazzi, Marcela Castañeda Florian, Giovane Ceruti e David Reimondo trasformano il centro di Empoli in un dispositivo poetico e narrativo, capace di intrecciare memoria, paesaggio urbano e immaginario collettivo. Il titolo del progetto, Boule de Neige, rimanda a quell’oggetto iconico — oggi celebre souvenir — nato dall’ingegno di Erwin Perzy, produttore di strumenti chirurgici nell’Austria di fine Ottocento. Da oltre un secolo, la boule de neige continua a incantare per la sua capacità di racchiudere in una sfera trasparente un mondo in miniatura, sospeso tra realtà e immaginazione.

Il Conte Francesco Algarotti, poliedrica figura di scrittore, poeta, filosofo, scienziato, diplomatico e consigliere di Re e di potenti, viaggiatore, cosmopolita e poliglotta, collezionista e mercante d'arte e Libero Muratore, soprannominato l'“Artistotele veneziano”, è stato indubbiamente uno dei personaggi più straordinari del XVIII secolo. Spirito squisitamente illuminista, animato da grande curiosità intellettuale e dotato di una straordinaria erudizione – i suoi interessi spaziavano dalla Filosofia alla Musica, dalla Storia all'Architettura, dalla Fisica alle Lettere e alle Arti pittoriche – ebbe legami di amicizia e intensi scambi epistolari con le personalità più grandi della sua epoca. Il Saggio sopra la pittura, scritto nel 1762, è una delle opere più significative dell'Illuminismo veneziano e un pilastro della critica d'arte del Settecento. L'”Aristoteole veneziano” scrisse questo trattato con l'intento di elevare la pittura da mestiere artigianale a disciplina intellettuale, fondata su basi razionali e scientifiche. Pubblicato in un'epoca di transizione tra il Barocco e il Neoclassicismo, il saggio si propone di fornire una guida teorica e pratica sia per gli artisti che per i dilettanti colti. Algarotti intendeva infatti riformare la pittura, sottraendola all'arbitrio del gusto personale per ancorarla a regole derivate dall'osservazione della natura e dallo studio dei classici. L'opera ebbe una risonanza europea, contribuendo a fare di Algarotti un intellettuale universale, la cui fama travalicava gli angusti confini delle nazioni. Senza contare il fatto che sua insistenza sulla necessità di una "scuola" e di un metodo pedagogico rigoroso contribuì alla nascita delle moderne Accademie di Belle Arti. Con saggio introduttivo di Nicola Bizzi.

Nel rifiutare l'idea di un'arte concepita come "illustrazione", l'opera di Bacon si interroga, e ci interroga, sulla possibilità di un'arte che, ora, sa di dover esibire lo stesso enigma della sua genesi: il suo continuo oscillare tra astrazione e figurazione. da un lato, dunque, l'autonomia di una forma che diventa l'unico soggetto dell'opera, e dall'altro, invece, la capacità che quest'ultima ha di parlare del mondo: il suo farsi mimesi di quel "grido" che è l'altro di ogni pittura. a profilarsi, così, è il paradosso di una critica del dato che presuppone sempre la sua incorporazione: l'assorbimento di quanto, nell'apparenza, preme per venire a manifestazione.

Yatora è un liceale tanto intelligente quanto abulico e privo di stimoli... finché non sperimenta la pittura. Terminato il liceo, decide così di intraprendere una strada più difficile rispetto all'università, che lo accoglierebbe a braccia aperte: puntare all'ammissione in una prestigiosa accademia d'arte. Scoprirà che l'impegno e la volontà di applicarsi non bastano per realizzare un'opera che conquisti, ma che bisogna essere disposti ad aprirsi e comunicare allo spettatore tramite la tela. E anche a soffrire, incassare colpi e rialzarsi. Per Yatora si spalanca un mondo pieno di emozioni e sfide di cui non sospettava l'esistenza.

Ai Weiwei è famoso non solo per la sua arte. Il suo operato in favore della libertà di espressione e contro ogni forma di autoritarismo va ben oltre il mondo dell'arte. Ogni sua azione pubblica è permeata da un profondo impegno sociale e politico. Vari sono gli esempi: ha portato 1.001 cittadini cinesi provenienti da tutte le regioni e le classi sociali a Documenta 12, ha sparso oltre 100 milioni di semi di girasole in porcellana fatti a mano sul pavimento della Turbine Hall del Tate Modern, ha realizzato un fregio fatto di zaini scolastici in memoria dei tanti bambini vittime del tragico terremoto del Sichuan, ha visitato i campi profughi di tutto il mondo per raccontare le storie di persone, spesso ignorate, nel suo film Human Flow. Nel 2011, Ai fu detenuto per 81 giorni dalla polizia cinese per le sue incessanti critiche alle autorità e gli fu ritirato il passaporto che, nonostante le proteste internazionali, riottenne solo nel 2015. Tornato a viaggiare fuori dalla Cina, decise di stabilirsi prima a Berlino e poi in Portogallo. Oggi è un artista di portata globale, la cui opera artistica è influenzata dal suo attivismo e il cui attivismo è influenzato dalla sua arte. Con al centro l'ultimo decennio di produzione artistica e attivismo di questo autentico artista contemporaneo, la presente edizione è un aggiornamento completo della precedente monografia di Ai Weiwei pubblicata dalla Taschen. Racconta 40 anni di carriera, spaziando dall'esilio dell'artista nella New York degli anni '80, alle sculture ispirate alla tradizione e all'artigianato cinesi del periodo in cui tornò in Cina, fino alle recenti opere concepite in Europa: mosaici di mattoncini per costruire, film e installazioni a difesa dei diritti umani. Il libro è esso stesso un documento storico. Fu realizzato come prima monografia approfondita in stretta collaborazione con l'artista negli anni in cui Ai non poteva uscire dal suo Paese. Oggi, lo stesso team che ideò questa pubblicazione si è riunito per dare seguito alla storia. Innumerevoli immagini provenienti dagli archivi di Ai mostrano la quotidianità nel suo studio, la produzione delle sue opere, la realizzazione di azioni politiche. Il tutto è accompagnato da scritti, che l'artista ha appositamente vergato di suo pugno per questo volume, e da tre saggi esaustivi, redatti dal curatore indipendente Roger M. Buergel e dallo storico dell'arte Alfred Weidinger. Entrambi gli autori, che hanno collaborato con l'artista a importanti mostre, discutono nel dettaglio l'opera di Ai e il suo sviluppo tematico. Si aggiunge infine un ritratto personale dell'artista scritto dall'amico di lunga data, imprenditore e collezionista Uli Sigg, che condivide con il lettore due momenti intimi.

"Tano Festa. Dalla luce all’oggetto 1956-1970" esplora i percorsi creativi dell’artista nella fase più originale della sua attività, che lo vide immerso in una intensa pratica disegnativa e di definizione linguistica. Le opere sono rilette individuando le fonti figurative e letterarie, e sono ricollocate in posizione centrale nella storia della pittura monocroma degli ultimi anni cinquanta e nel successivo clima di ritorno alla figurazione. Sollevata dalla precoce e univoca assimilazione al ‘realismo d’oggetto’ e all’immaginario mediatico, la pittura di Tano Festa è restituita alla pienezza dei suoi interessi che si sono indirizzati, anche, verso inedite linee di ricerca percettive, legate alla psicologia della visione, e alla progettazione di oggetti-scultura vicini alla coeva estetica del design.

Idee e consigli per creare le meraviglie del mondo Un altro viaggio sul pianeta della tenerezza! Scopri nuove illustrazioni da replicare. Aggiungi un tocco coccoso ai tuoi disegni. Impara tutto sullo stile kawaii. Prendi una matita o una penna e inizia!

«Un Cristo giovane, senza tempo, lontano da ogni apparenza terrena: divinamente nuovo come simbolo incarnato dell’umanità redenta.» Nel cuore della Basilicata, sulla vetta del monte San Biagio, si erge il Cristo Redentore di Maratea, opera maestosa e silenziosa di Bruno Innocenti, artista appartato, ma profondo, capace di fondere la tradizione scultorea italiana con una sensibilità spirituale unica. Questo saggio ripercorre la genesi e il significato dell’opera più imponente dello scultore fiorentino, ponendola in dialogo con le sue creazioni precedenti, in particolare con la figura dell’Angelo, tema ricorrente e ossessivo del suo mondo poetico.Con uno sguardo critico e narrativo, arricchito da riferimenti teologici, iconografici e filosofici – da Plotinoa Teilhard de Chardin, da Agostino a Balthasar – l’autore offre una lettura profonda e originale dell’opera, interrogando il senso stesso della creazione artistica.L’arte, qui, non rappresenta il sacro: lo incarna. Un libro per chi ama l’arte come rivelazione, la bellezza come verità, la forma come via all’eterno.