Arte e design industriale e commerciale

Il libro include 60 regole fondamentali per creare un design davvero unico e garantire che il messaggio di design risuoni con un pubblico specifico. Graphic Design Rules è un libro che analizza il design grafico nel suo complesso, partendo dai sette principi più basilari che guidano la scelta del colore, del layout e del font, elementi che agiscono sotto la superficie per dare solidità ed equilibrio all'opera. Al di là delle consuetudini professionali e personali di ciascun designer, esistono alcune regole comuni che richiedono attenzione e obbedienza se si desidera un risultato efficace e attraente. Il libro illustra al lettore oltre 60 di queste regole applicate agli elementi principali che dominano il design grafico. Le regole sono organizzate in tre categorie: colore, carattere tipografico e tipografia, immagine e forma; 40 progetti mostrano infine la loro applicazione pratica. Il lettore potrà vedere come gli artisti e i designer utilizzino il colore per rappresentare fattori come stato d'animo, luce, profondità e punto di vista; le immagini che arricchiscono il testo mostrano l'applicazione di questi elementi di base da parte dei designer, per creare loghi e progetti grafici che rendono esclusiva l'identità del brand in esame. Grazie ai suggerimenti su cosa non fare per garantire che il messaggio di design abbia la giusta risonanza con un pubblico specifico, questo libro aiuta il lettore a trasmettere la sua narrazione in modo più coinvolgente ed evocativo.

Un'indagine sull'uso da parte di caffè, ristoranti, negozi di bevande e panetterie del branding e del design grafico per creare un'identità visiva unica, con casi studio e approfondimenti sulle strategie di design efficaci Nel competitivo settore alimentare e delle bevande di oggi, godere di una forte identità visuale ha la stessa importanza di servire dei buoni sapori. Questo libro esplora il modo in cui i caffè, i ristoranti, i negozi di bevande e le panetterie utilizzano il branding e il design grafico (quindi loghi, tipografia, palette di colori e temi) per attirare i clienti e creare esperienze memorabili. Una minuziosa selezione di progetti dimostra come scelte di design accurate siano in grado di plasmare l'atmosfera e l'identità del posto. Suddiviso in quattro sezioni: Cafes, Restaurants, Drink Shops e Dessert Shops & Bakeries, il libro illustra alcuni casi studio su come creare una personalità di brand unica nel suo genere. Dedicato ai designer, agli imprenditori, ai professionisti della ristorazione, questa guida ricca di immagini offre un valido approfondimento sui metodi del design strategico per aumentare il coinvolgimento del cliente e raggiungere il successo della propria attività.

"Design Espanso", terzo volume della collana Lezioni di design, è un omaggio a Vanni Pasca, storico e critico del design, co-fondatore con Pierluigi Bemporad del format Lezioni di Design. Si intitola "Design Espanso", concetto così definito da Vanni Pasca, parafrasando il titolo di un celebre saggio L’arte espansa di Mario Perniola pubblicato nel 2015, dove l’autore ha considerato forma d’arte non solo la filmografia tradizionale, ma anche altre narrazioni più o meno compiute realizzate con altri media. Il termine ‘design’, per Vanni Pasca era semplicemente ‘progetto’, non più riconducibile a un processo creativo preciso, ma diventato una categoria impalpabile, un aggettivo che spesso significa, nell’immaginario collettivo, qualità, invenzione, manualità. Partendo da alcune sue passioni - architettura, design, politica, jazz, cinema, viaggi, cibo, mare - abbiamo deciso di non percorrere la sua metodologia, clonandola in maniera che sarebbe risultata irriverente nei suoi confronti, ma di chiedere ad amici e studiosi interventi che non fossero incentrati sugli stessi argomenti a suo tempo oggetto delle lezioni, ma tangenti ad essi, ciascuno declinato secondo le capacità, la preparazione e la competenza di ciascuno degli autori. A cura di Dora Liscia Bemporad e Patrizia Scarzella. Con saggi di Pedro Franco, Peter Hefti, Giovanna Lambroni, Dora Liscia Bemporad, David Palterer, Aldo Pasca Raymondi, Vittoria Pasca Raymondi, Stefano Rovai, Patrizia Scarzella e un’intervista a Mario Caponnetto.

La desertificazione è un problema diffuso e di difficile soluzione, da affrontare con strategie complesse, con operazioni integrate tra uomo e ambiente. Il progetto Sahel vuole innescare una doppia catena di eventi, che investe, con azioni sistemiche, aspetti ambientali e socio-economici delle comunità rurali. Si favorisce il ripristino dell'ecosistema degradato attraverso l'avvio di processi di implementazione della copertura vegetale. Le essenze individuate in loco, in qualità di piante ad alto coefficiente di resilienza, vengono inserite in una strategia di riforestazione e di sviluppo di servizi ecosistemici. Ciò tutela la biodiversità ma sostiene anche la micro-economia africana, che, con prodotti di artigianato, compartecipa al miglioramento degli habitat. Iniziato in ISIA come tesi sperimentale, il progetto si è poi materializzato producendo diverse esperienze in Mali, che hanno attivato sinergie tra enti, agricoltori e artigiani.

Il corso di Teoria della forma verte sulla progettazione di qualità formali di artefatti a basso indice di funzionalità e di impatto tecnologico, con l'obiettivo di far acquisire conoscenze e competenze sul controllo spaziale e sulla coerenza metodologica delle evoluzioni formali, tipiche del design. Fondato sulla ricerca e sulla sperimentazione, intende avvicinare lo studente alle problematiche del progetto, stimolando le capacità di definizione dei processi logici e l'attitudine a gestire e sviluppare complessi sistemi di relazioni. È pensato per sviluppare, nei singoli studenti, la capacità di realizzare un progetto di design attraverso una metodologia che evidenzi, sul piano teorico, tutti quegli aspetti che concorrono all'elaborazione della forma in rapporto alla funzione (prestazione), al contesto, al materiale e alla tecnologia usata.

Scopo di questo manuale è quello di essere una guida per studenti, giovani professionisti o entusiasti in genere che vogliano avvicinarsi al mondo della tipografia, in modo critico e, se possibile, leggero. Si è cercato di far capire le potenzialità, l'estensione e l'importanza della tipografia all'interno delle dinamiche del mondo del design, ma anche e soprattutto come mezzo della trasmissione del pensiero e quindi di interesse culturale più generale. Il lavoro è organizzato in due parti. La prima introduce il lettore alla tipografia, offrendo una panoramica sul suo significato generale e sulle sue applicazioni pratiche, la sua grammatica. D'altronde "fare tipografia" (come il titolo suggerisce) prevede l'uso paritario di testa e mani, pensiero e azione: la cultura tipografica è cultura del progetto. La seconda parte è dedicata alla progettazione dei caratteri tipografici: disegnare caratteri prevede l'amore per il più infinitesimale dei dettagli e al contempo una limpida visione d'insieme. L'obiettivo più grande è a ogni modo quello di condividere l'entusiasmo che questa piccola impresa porta con sé. Nella speranza che sia da stimolo per diventare, quantomeno, designer migliori.