Arcana: Musica

Il brano Sugar, Sugar, nel 1969, ha scalato le classifiche internazionali. A cantarlo, The Archies, ossia una band “disegnata” – protagonista della serie animata The Archie Show – ma con voci e canzoni reali, pop. Un esempio del cosiddetto Cartoon Rock, che, di serie in serie, nei decenni, ha visto la musica “animarsi”, facendo ballare i più piccoli, ma attirando anche l’attenzione dei più grandi. Il legame tra animazione e musica, nel tempo, si è fatto sempre più stretto e, soprattutto, in molti casi, è diventato centrale nella costruzione di storie e personaggi. Il trend non è stato passeggero. Molti i successi. Prima, i Chipmunks. Poi, Gli Impossibili, le “incursioni” rock nei Flintstones e nei Jetsons, i Cattanooga Cats, Josie and the Pussycats, The Pebbles and Bamm-Bamm Show, Il clan di Charlie Chan, Butch Cassidy and the Sundance Kids, Jabber Jaw e così via. E non sono da trascurare esperimenti di band note in carne e ossa felici di “cartoonizzarsi”. Così, i Beatles nel lungometraggio animato Yellow Submarine. Molti grandi, negli anni, hanno scelto l’animazione per raccontarsi, dai Pink Floyd a Chage & Aska con On Your Mark, animato da Miyazaki. E ancora, progetti speciali, come Gorillaz e Hatsune Miku, senza tralasciare la trasformazione della regia dei lungometraggi animati, con sequenze sempre più spesso simili a quelle di veri e propri videoclip.

Il rock e la filosofia hanno molte più cose in comune di quelle che potete immaginare. Sono infatti entrambi tentativi di conoscere e approfondire il reale senza accontentarsi di ciò che ci viene detto essere giusto e sbagliato, e quindi armi per mettere in discussione lo stato delle cose o, detto in altra maniera, strumenti per “ampliare il fronte del possibile”, ovvero addentrarsi nella conoscenza di noi stessi e del mondo oltre i miseri spazi concessi dai ritmi delle nostre giornate. “L’arte di sfasciare le chitarre” parla proprio di questo, partendo dalla nascita del movimento rock come esperienza “tragica” e “diabolica”, sulla scorta di interpretazioni del mondo di pensatori come Schopenhauer, Nietzsche e Colli, per arrivare alle connessioni fra filosofi e rockstar (Eraclito e Jimi Hendrix, Platone e i Doors, Diogene e Iggy Pop, Schopenhauer e i Nirvana, Nietzsche e i Queen), dal rock che si mette a fare filosofia, una filosofia che spacca i timpani (con David Bowie, Clash, Joy Division, John Lennon), fino alla ribellione iconica dell’atto/rito di sfasciare gli strumenti musicali come manifestazione plastica della rottura filosofica del rock con la narrazione dominante. Un testo suggestivo per amanti del rock che vogliono approfondirne la filosofia e per amanti della filosofia che già sapevano di quanto questa fosse rock, ma ovviamente anche per chi ama sia il rock sia la filosofia, che in queste pagine troverà raccontato – con amore – il loro intimo legame.

Il metal è spesso visto da fuori utilizzando la lente deformante del pregiudizio. Invece, questo ambiente presenta riferimenti a settori artistici basilari per definire l’identità della razza umana. Vero è che alcuni temi affrontati al suo interno non si segnalano quanto a profondità, ma non esauriscono certo ciò che il genere ha da dire. Religione, filosofia, scienza, storia e folklore non sono difficili da rintracciarvi. Parlare dell’uso del lavoro di grandi pittori per le cover di alcuni album può contribuire a capire meglio un mondo denigrato, ma anche a riprendere contatto con una parte importante della nostra cultura. Di artisti come Bosch e Beksinski o illustratori come Derek Riggs o Joe Petagno, “Dipinto sull’acciaio” parla dividendo il tutto in più parti. Nella prima prende a titolo di esempio pittori totemici che sono stati scelti massicciamente da gruppi HM, poi lo stesso fa per appartenenti a correnti pittoriche “concettualmente metal” come Romanticismo, Simbolismo e Preraffaeliti. Quindi si lancia in una corsa dal Trecento al Novecento per dimostrare come l’interesse del metal verso la pittura attraversi un arco temporale enorme. Nella seconda si occupa invece di alcuni illustratori/disegnatori dallo stile pittorico o fumettistico. Perché l’immaginario heavy è fatto di rappresentazioni talvolta violente che hanno però una precisa motivazione di essere, così come ne esistono di altrettanto forti nel mondo dell’arte ufficiale. Del perché certi pittori si siano rivelati così affini al feeling della “musica del demonio”: di questo parla questo libro. Per indicare come il metal sia un inesauribile carburante istruttivo che brucia nell’anima e non inquina. Prefazione di Eliran Kantor.

“La febbre del Country” racconta cosa sia oggi la “Country Line Dance”, un modo per socializzare e una moda abbastanza recente, in espansione in tutta Europa. Ottima anche per chi non ha mai ballato. Ogni anno migliaia di persone si avvicinano a questa disciplina. Alcuni la praticano per un po’ e poi desistono; in molti, invece, rimangono affascinati da questo mondo particolare, diverso da tutte le altre realtà tersicoree. Non è necessario un partner, per esempio. Partendo da alcune definizioni basilari di teoria musicale, nel libro vengono presi in esame i pregi di questa disciplina, le motivazioni di chi la pratica, le sue origini, il “galateo”, l’abbigliamento, lo stile catalano e i nuovi traguardi. Non manca una sezione dedicata a una breve storia della musica country. Ci sono, poi, alcune testimonianze di esponenti di spicco di questo ambiente e un’appendice in cui vengono elencati molti passi che si eseguono durante le coreografie. Tutte tessere che vanno a comporre un mosaico per rappresentare al meglio quella che oggi è una nicchia ma in grande crescita, avvicinare il neofita e valorizzare l’esperienza di chi già la conosce.

La crisi legata all’esplosione del Covid-19 ha sconvolto il mondo, costringendo milioni di persone ad affrontare una crisi imprevista. Tutto si è fermato, per poi provare a ripartire da zero. La musica è protagonista nel bene e nel male: dalle canzoni dai balconi agli show in streaming, al settore discografico e live annichilito. Artisti, professionisti e ascoltatori in una continua tensione che ha visto la musica come collante emotivo sociale, eppure così bistrattato dalle istituzioni. Tramite il racconto e la riflessione sulle varie tappe della crisi – dal lockdown alla ripartenza estiva, fino al ruolo del collettivo #lamusicachegira – Musica in lockdown affronta il tema della centralità della musica in una società che da una parte sente il bisogno di suonare e cantare, dall’altro dà per scontato il lavoro dell’artista. Come è cambiato il modo di ascoltare musica? Quali sono stati i danni economici, ma anche psicologici e sociali? Può esistere un mondo senza musica? Cosa unisce l’ascoltatore casuale al cantante pop di successo? E come reagisce il settore tecnico-discografico? Sono solo alcune delle domande affrontate nel libro. Anche tramite interviste a professionisti e protagonisti del mondo dello spettacolo, Musica in lockdown cerca di raccontare il presente della musica in Italia, nel momento in cui questo mondo viene messo in discussione, nella sua ora più buia. Con la speranza di tracciare una linea per poter ripartire.

Nell’epoca del contagio, dei punti di domanda e di sospensione, una canzone ci salverà. Una, cento, cinquecento canzoni italiane che raccontano nel modo più intenso la nostra anima sempre più fragile e il rapporto con un mondo che si allontana inesorabilmente. È la musica che resta e che diventa un grido per una nuova spiritualità individuale, sociale e ambientale. Ecco allora un percorso per ritrovare le emozioni e le armonie smarrite, per scoprire o riscoprire brani che hanno il potere magico e quasi sciamanico di toccarci dentro e commuoverci garantendo, a un nuovo ascolto, una prospettiva diversa e più consapevole di quello che siamo e di quello che dovremmo essere dentro il nostro tempo. Figlia ibrida, screanzata e sublime della poesia, ma anche della letteratura, del teatro, della filosofia, del cinema e della lirica, la musica d’autore è uno dei punti più alti e indecifrabili della cultura italiana. Ma siamo sicuri di conoscere davvero la parte più profonda della nostra canzone e dei nostri cantautori? Quali sono i brani che liberano la nostra sensibilità, che vanno oltre lo spartito, le parole, la musica, l’interpretazione, l’arrangiamento? La musica che resta, espressione presa a prestito dal Cielo capovolto di Roberto Vecchioni, è un’idea semplice e impossibile: radunare le canzoni più intime e intense di ogni artista italiano, creando dei “dischi perfetti”, le compilation dei sogni. Per noi e per chi verrà.

C’erano una volta gli anni Novanta e il loro cattivo per eccellenza: Marilyn Manson. L’Anticristo Superstar al centro di violente polemiche ma al contempo autore di dischi d’oro zeppi di brani scioccanti, videoclip come film horror in heavy rotation sui canali musicali e tour sold out. Dai primi passi segnati dai serial killer, dal disprezzo verso la società americana, provocazioni e distruzione di ogni tabù supportate adeguatamente dalla violenza delle note, il percorso musicale del Reverendo ha progressivamente assunto negli anni forme sonore più mature senza perdere lucidità di osservazione e dimenticare come far parlare di sé. Lontano dall’essere uno spauracchio, Marilyn Manson a fasi alterne ha saputo reinventarsi e superare i momenti delicati e ora, con l’ultimo we are chaos, si gode il plauso di critica e pubblico. Oltre il personaggio si cela un individuo complesso, pieno di sfaccettature mai considerate abbastanza che conosceremo in queste pagine, dove andremo oltre il clamore delle accuse per capire i veri significati dei suoi messaggi. Autore di poesie e racconti, giornalista musicale, attore e pittore, il mondo di Brian Warner riserva un viaggio in un mondo oscuro quanto affascinante. Dall’aspetto live ai celebri videoclip, passando per le tematiche delle canzoni e l’analisi dei concept album, senza dimenticare il lavoro sull’immagine e gli aspetti più controversi, Indagine su un ex Anticristo vuole tracciare un’analisi seria e accurata sulle diramazioni di un personaggio “vero”. Per un Anticristo che muore, c’è un artista da conoscere.

La principale caratteristica di questo metodo consiste nell’organizzazione delle materie in sezioni distinte: Solfeggio – Snare Drum – Drum Set. Tutti gli argomenti sono organizzati partendo dallo studio della sezione “solfeggio ritmico”, che diventa la guida per poi accedere alle sezioni dedicate alla tecnica degli arti superiori e allo strumento. L’andamento dei contenuti è costantemente lineare e progressivo. Lo studente o l’insegnante che desideri avvalersi di questa metodologia potrà riscontrare sin dalle prime pagine il carattere dinamico e divertente dello studio proposto. Sezione Solfeggio Organizzata in ordine progressivo di difficoltà, pensata per l’assimilazione delle figure ritmiche e il potenziamento dell’abilità di lettura. Questa, sin dal primo capitolo, diventa una guida per poter accedere in modo immediato e chiaro allo studio delle sezioni successive. Sezione Snare Drum Ideata per lo sviluppo della coordinazione degli arti superiori, la velocità, il controllo dinamico e il fraseggio. Sezione Drum Set Rappresenta il punto di arrivo del testo, ossia l’applicazione pratica sullo strumento attraverso lo sviluppo dei concetti elaborati nelle sezioni Solfeggio e Snare Drum.

La principale caratteristica di questo metodo consiste nell’organizzazione delle materie in sezioni distinte: Solfeggio – Snare Drum – Drum Set. Tutti gli argomenti sono organizzati partendo dallo studio della sezione “solfeggio ritmico”, che diventa la guida per poi accedere alle sezioni dedicate alla tecnica degli arti superiori e allo strumento. L’andamento dei contenuti è costantemente lineare e progressivo. Lo studente o l’insegnante che desideri avvalersi di questa metodologia potrà riscontrare sin dalle prime pagine il carattere dinamico e divertente dello studio proposto. Sezione Solfeggio Organizzata in ordine progressivo di difficoltà, pensata per l’assimilazione delle figure ritmiche e il potenziamento dell’abilità di lettura. Questa, sin dal primo capitolo, diventa una guida per poter accedere in modo immediato e chiaro allo studio delle sezioni successive. Sezione Snare Drum Ideata per lo sviluppo della coordinazione degli arti superiori, la velocità, il controllo dinamico e il fraseggio. Sezione Drum Set Rappresenta il punto di arrivo del testo, ossia l’applicazione pratica sullo strumento attraverso lo sviluppo dei concetti elaborati nelle sezioni Solfeggio e Snare Drum.

Ben pochi, o forse lui soltanto, hanno attraversato la storia della musica inglese con tre gruppi epocali come lo Spencer Davis Group (1963-1967), i Traffic (1967-1974) e i Blind Faith (1969). Steve Winwood è senza dubbio una delle figure di maggior talento, eleganza e visione che il pop abbia mai partorito. Ragazzo prodigio nello Spencer Davis Group (co-autore di un grande classico come Gimme Some Lovin’ alla tenera età di 18 anni), leader dei Traffic e mattatore nei Blind Faith, resta anche in seguito da solista un autore ricco di inventiva, un versatile polistrumentista, intrattenitore di lusso, musicista provetto, abilissimo nel giocare su più tavoli. Concede poco a chi sogna genialoidi impennate ma le sue canzoni sono sempre coinvolgenti, talvolta levigate ma di grande spessore. Il suo è l’universo di un musicista tra i più completi e fertili nel panorama del rock internazionale con quell’organo Hammond suonato con rara maestria e quella voce inossidabile da “negro bianco” che ha saputo fondere con naturalezza il soul black e il rock white. “Le nove vite di Steve Winwood” ripercorre l’intera, fluviale carriera dell’artista, oggi splendido settantenne amato e riverito da ogni collega e da tutti i veri appassionati di musica. Prefazione di Aldo Pedron.

Questo saggio analitico è strutturato intorno alle opere orchestrali prodotte e realizzate da Frank Zappa nell’arco della sua carriera. Nel testo si analizza la produzione discografica zappiana attraverso l’approfondimento dei termini, della produzione e della realizzazione sia delle composizioni orchestrali sia di quelle di matrice elettronica, focalizzando la continuità concettuale che lega tutta l’opera artistica del compianto artista americano. Nei vari capitoli del testo si ripercorre l’evoluzione musicale del compositore, partendo dalla prime esperienze giovanili e proseguendo attraverso l’analisi musicale e testuale dei dischi realizzati con la prima formazione dei Mothers of Invention sino a hot rats, burnt weenie sandwich, weasels ripped my flesh e 200 motels. Si passa di seguito alla trattazione analitica delle produzioni prettamente orchestrali e di quelle realizzate al Synclavier: da orchestral favorites a tutte le composizioni eseguite dalla London Symphony Orchestra sino alla collaborazione con Pierre Boulez. Dopo l’esaustiva trattazione dell’opera the yellow shark, i capitoli finali del saggio sono riservati all’analisi tecnica dei dischi più rilevanti sotto l’aspetto orchestrale ed elettronico pubblicati dallo Zappa Family Trust negli ultimi venti anni, per finire con una disamina dei concerti, degli eventi e dei progetti più importanti effettuati in Italia in memoria del compositore dalla fine degli anni Novanta a oggi.