Silvana: Arte

La ferita è un fil rouge che lega gli uomini alla vita e che può rimanere relegata alla dimensione del dolore se l'essere umano non riesce a cogliere l'anelito all'assoluto che ogni ferita ha il potere di aprire. L'arte ha rappresentato la ferita come passaggio dalla sofferenza alla consolazione, dall'ombra alla luce, dal vuoto alla pienezza, dalla solitudine a una comunione... La ferita è divenuta allora lo spazio dove il divino si manifesta. Il volume propone una selezione di opere di arte antica e moderna che hanno indagato il tema della ferita, fra cui tavole di artisti dell'Italia centrale - dal Maestro di Roncione a Giuliano di Martino da Rimini, da Francesco da Rimini a Nicola di Maestro Antonio e Lorenzo de Carris -, in dialogo con lavori del Novecento di Burri, Lucio Fontana e Maria Lai. A conclusione della rassegna, un'opera appositamente ideata per la mostra di cui il libro dà conto: "Aperta", di Ettore Frani.

Primo Levi – il testimone di Auschwitz, lo scrittore, il chimico, l’uomo di pensiero – è ancora capace di sorprenderci: questo volume ci svela le figure tridimensionali che egli realizzò, per lo più con filo di rame smaltato: figure di animali, ma non solo, intrecciate per gioco sulla base di un linguaggio compositivo chiaramente decifrabile. Questi oggetti, intimi e domestici, si offrono come felici prodotti della fantasia e dell’abilità manuale di un intellettuale che, spinto da suggestioni molto varie, si è misurato nella sua opera con gli aspetti più diversi della condizione umana. Per parlare di Primo Levi, per tracciarne un ritratto ricco di tante dimensioni ancora in parte da esplorare, è necessario considerare lavori così suggestivi e inconsueti. Il filo di rame è anche il filo di un sentiero, di un percorso destinato a portarci molto lontano.

L’"Adorazione dei Magi" della cattedrale di Pozzuoli è uno dei capolavori della maturità di Artemisia Gentileschi (Roma 1593 – Napoli post 31 gennaio 1654), grande protagonista della pittura italiana del Seicento e unica pittrice del tempo ad avere ottenuto altissimo prestigio e importanti riconoscimenti con la sua arte. Realizzata nel periodo napoletano, la tela è parte di un ciclo commissionato dal vescovo spagnolo di Pozzuoli Martín de León y Cárdenas. In quest’opera la pittrice aderisce al naturalismo moderato caro alla committenza partenopea: la sua predilezione per una gamma cromatica essenziale, risolta sulle variazioni dei toni marroni, rossi, blu e gialli, si associa alla straordinaria attenzione per la verità del dato reale e per le espressioni dei volti e a un’attenta e scenografica resa degli effetti di luce-ombra ancora di derivazione caravaggesca.

Il volume è l'esito di un progetto di ricerca internazionale e pluridisciplinare dedicato ai "Paradigmi della creatività", che ha legato l'Università degli Studi di Bergamo e Sorbonne Université di Parigi. Il gruppo di ricerca ha posto in dialogo professori e ricercatori appartenenti all'ambito delle scienze umanistiche: lingue e letterature, la storia dell'arte e della cultura visuale, le discipline dello spettacolo, la storia, il cinema, la musicologia, il fumetto. Al centro dell'indagine sono posti gli "impliciti terrificanti": oggetti, persone, situazioni generatori di paura, non identificabili visivamente o fisicamente. L'attenzione è focalizzata in particolare sul sentimento della paura che germina dai vuoti, dai silenzi, dai cortocircuiti del linguaggio e della rappresentazione, tutti sintomi della sua presenza misteriosa e al contempo sempre carsicamente attiva. Interventi in lingua francese, italiana e inglese.

Coperti alla fine del XVI secolo e riapparsi sotto uno strato d'intonaco in seguito al terremoto del 1916, gli affreschi della chiesa riminese nota come Sant'Agostino, ma dedicata a San Giovanni Evangelista, rappresentano una delle testimonianze più alte e precoci della cosiddetta scuola riminese del Trecento. A partire da tali testimonianze, che coniugano l'influenza di Giotto, attivo in città negli ultimi anni del XIII secolo, con l'ascendente di una più antica cultura adriatico-orientale di matrice bizantina, Rimini sì configurò ben presto come un importante centro di produzione artistica, in grado di irradiare la sua influenza in un contesto geografico che, oltrepassando i confini locali, dalla Romagna si estese alle Marche e al Veneto. Il volume, frutto di una meticolosa campagna fotografica che documenta nella loro interezza gli affreschi e di una duplice rilettura critica sotto il profilo sia storico-stilistico sia teologico-simbolico, costituisce un invito a conoscere e a contemplare, oggi, tutta la mirabile bellezza di quello che appare come un vero e proprio "Trecento riscoperto".

"Nel 1972 Ileana Sonnabend invita Giulio Paolini a tenere una mostra nella sua galleria di New York e mi chiede, dopo la nostra collaborazione su Piero Manzoni, di curare il suo catalogo. La mia proposta è di realizzare un’ampia monografia che rappresenti l’intero percorso della sua ricerca. Nasce così questo libro, inedito per l’epoca perché le gallerie producevano solo semplici pieghevoli, mentre la pubblicazione, qui in reprint, è uno dei primi studi, approfondito e scientifico, su un artista contemporaneo. È un’esperienza per me fondante: segna il mio futuro impegno di storico nel territorio del presente." (L'autore)

Aprile del 1487: la Val d'Ossola per la nona volta è invasa da nord. Questa aggressione armata è voluta da Jodoco di Silenen, vescovo di Sion nel Vallese, con lo scopo di conquistare la valle, terra di frontiera ed estremo baluardo del ducato sforzesco di Milano. Ne segue una breve guerra che termina il 28 aprile quando l'esercito ducale sconfigge duramente gli invasori. La battaglia di Crevola attorno al ponte sul Diveria, definita "strage sanguinolentissima" da Ludovico il Moro, si è radicata nella fantasia popolare tanto da oscurare gli altri pur importanti combattimenti della giornata a Preglia e a Trontano/Masera. Sono qui descritti gli aspetti tattici dei vari scontri, gli armamenti presenti e il modo di combattere dell'epoca, in un approccio che si estende dalla realtà locale a un più ampio sguardo sull'orizzonte politico del XV secolo.

Il volume racconta l'avvincente avventura del Futurismo in un tempo in cui l'Italia accarezza il cambiamento e la città di Domodossola, tappa obbligata fra Milano e Parigi, vive una sua epoca d'oro, coinvolta nell'immaginario della modernità grazie alla prima automobile, una Panhard & Levassor del 1895, che supera il valico del Sempione nel 1905, l'apertura del traforo nel 1906, la prima trasvolata delle Alpi di Geo Chávez nel 1910. Viene qui illustrato il passaggio dalla tradizione all'innovazione tra la fine dell'Ottocento e gli anni quaranta del XX secolo, dalle figure intime di Umberto Boccioni alle forme nuove di Dudreville e Prampolini. Si approda al cuore del linguaggio pittorico futurista con la velocità e il movimento che esplodono sulle tele di Giacomo Balla e culminano con il mito dell'aeroplano nell'Aeropittura di Gerardo Dottori, Monachesi, Cambellotti, Tato e Tullio Crali. In un intreccio inedito e intrigante, gli eventi storici del capoluogo ossolano innescano suggestioni futuriste a partire dalle due fascinose sculture a misura d'uomo che indossano i costumi d'epoca della valle Anzasca e della valle Antigorio in dialogo con il propagandistico Costume italico di Fortunato Depero, per chiudersi con l'ala del Blériot di Chávez, il cui volo sui cieli del Sempione annunciò l'emancipazione dal limite dello spazio e del tempo: è il frammento del suo aereo che apre la sezione finale del volume dedicata all'ultima rivoluzionaria stagione futurista: l'aeropittura. Storia e arte s'incontrano magistralmente per costruire lo spazio del futuro!

Nata a Marina di Massa nel 1901, e giunta a Torino durante la Grande guerra, Nella Marchesini appartiene alla cerchia intellettuale dei giovani raccolti intorno a Piero Gobetti e alle sue riviste. Prima allieva di Felice Casorati, concepiva la pittura come "stella polare", una dedizione costante, armonizzata con la vita degli affetti, una pratica riflessiva e narrativa, fondata sul dialogo tra storia dell'arte e autobiografia. Il volume a lei dedicato, corredato dai testi critici di Giorgina Bertolino e Alessandro Botta, e da un ricco apparato documentario, raccoglie dipinti e disegni che ricostruiscono le stagioni della sua arte e le tappe della carriera espositiva.

Traendo ispirazione dall'immaginario quotidiano femminile e dall'esperienza di una dittatura oppressiva e censoria – quella in Brasile dal 1964 al 1984 – Anna Maria Maiolino realizza opere ricche di energia vitale, che fondono in uno stile inimitabile la creatività italiana e la sperimentazione delle avanguardie brasiliane. Attraversata dal tema dell'amore – per le sue origini, la sua famiglia, la sua terra d'adozione e il suo lavoro – l'opera di Maiolino indaga i rapporti umani, le difficoltà comunicative e di espressione, percorrendo il labile confine tra fisicità e sfera intima e spirituale. Con oltre 400 opere, dai primissimi disegni fino alle ultime creazioni, il volume, curato da Diego Sileo, racconta per decadi una storia artistica iniziata nei primi anni Sessanta e ancora oggi attuale e fertile, in grado di influenzare molti artisti delle nuove generazioni.

Il volume, dal taglio monografico, è dedicato a Emilio Scanavino (Genova, 1922 - Milano, 1982), indiscusso protagonista della stagione informale italiana. Le opere presentate, introdotte da numerosi interventi critici, raccontano il percorso dell'artista, indagando la pluralità espressiva che ha caratterizzato la sua produzione pittorica. Nelle tele, spesso di grande formato, l'artista riversa le sue inquietudini, che prendono forma nel simbolo del nodo: un elemento ricorrente a partire dagli anni sessanta, e che è alla base degli intrecci, segreti e misteriosi, in cui si riconosce l'animo umano. Il volume, corredato da fotografie storiche e arricchito da una conversazione con l'artista del 1961, è completato da una cronologia selezionata. Testi di: Greta Petese, Federico Sardella, Sara Uboldi; conversazione con Antonella Zazzera; intervista a Emilio Scanavino.