Quodlibet: CATALOGHI

ll volume accompagna la mostra che il MAXXI dedica alla Galleria Pieroni, attiva tra il 1975 e il 1992 e punto di riferimento per l'arte contemporanea della seconda metà del Novecento. La galleria di Mario Pieroni apre nel 1975 al Bagno Borbonico di Pescara con il celebre Allestimento teatrale di Luciano Fabro cui seguono esposizioni, tra gli altri, di Jannis Kounellis, Mario Merz, Vettor Pisani Nel 1979 la galleria si trasferisce a Roma, in via Panisperna, inaugurando con una mostra collettiva di Gino De Dominicis, Kounellis e Spalletti. Per tutti gli anni Ottanta la galleria si pone come punto di riferimento internazionale delle ricerche di orientamento concettuale in una Roma che assisteva al “ritorno” della pittura. Con testi di Stefano Chiodi, Sofia Pittaccio, Giulia Pedace e Giulia Cappelletti, una conversazione con Mario Pieroni e Dora Stiefelmeier e oltre settanta immagini dall'Archivio storico della galleria, recentemente acquisito dal MAXXI.

"Kant Can’t" è un’opera che mette in dialogo animazione, musica e sculture in ceramica. La storia si concentra sul ritratto onirico di un gruppo di personaggi che abitano un paesaggio immaginario. Astronauti in fuga da una figura immensa, mani che emergono come enormi resti archeologici e insetti giganteschi che irrompono nella scena formano lo scenario di una fuga verso l’assurdo. Il rapporto con la conoscenza diventa un viaggio attraverso l’esperienza. Seguendo la filosofia realista di San Tommaso d’Aquino, il mondo esterno esiste indipendentemente dalla nostra percezione e possiamo conoscerlo attraverso i sensi. Se, come egli affermava, le nostre percezioni sensoriali sono affidabili e possono portarci alla verità, allora, per percepire la realtà, i mezzi di percezione si ingigantiscono. Unendo animazione, suono e scultura, con "Kant Can’t" Rä di Martino espande ulteriormente una ricerca che si collega anche a opere recenti come Là dove muore, Canta (2022), per il lavoro sulla musica e l’animazione CGI, e Moonbird (2022), frutto di una collaborazione con musicisti e in parte opera lirica.

In occasione dei trecento anni dalla realizzazione della scalinata di Trinità dei Monti a Roma, The Spanish Steps, Revisited illustra la storia che portò il pendio del Pincio a diventare prima l’oggetto di una contesa tra il Papato e la Corona francese e poi a trasformarsi in uno dei più importanti monumenti della città. Una storia popolata anche dai diversi progetti che, dalla seconda metà del Cinquecento fino al Settecento, furono presentati alle autorità per raccordare piazza di Spagna e la chiesa della SS. Trinità dei Monti. Giacomo Della Porta, Orazio Torriani, Alessandro Gaulli, Elpidio Benedetti, Plautilla Bricci, Alessandro Specchi sono alcuni degli architetti che, a volte in dialogo, altre in competizione, contribuirono alla realizzazione della scalinata da parte di Francesco De Sanctis. Tra loro, un ruolo centrale, anche se in absentia, è stato giocato da Gian Lorenzo Bernini. Unitamente a questa ricostruzione storica, la scelta di coinvolgere artisti e architetti contemporanei per reinterpretare la scalinata di De Sanctis si propone come una sorta di “aggiornamento” e dimostra un approccio dinamico, che ha l’obiettivo di stimolare un dialogo tra epoche diverse, nella consapevolezza che l’opera dell’architetto romano sia stata il frutto di un percorso e non l’unica soluzione possibile. Le opere, realizzate per l’occasione e caratterizzate dall’uso di differenti media e tecniche, rappresentano un invito a vedere la scalinata non solo come un monumento statico, ma come un luogo vivo, capace di ispirare nuove visioni e progetti e una diversa modalità di fruizione del patrimonio artistico. La Keats-Shelley House, collocata ai piedi della scalinata e sede della mostra The Spanish Steps, Revisited, è l’ideale palcoscenico per questa esplorazione artistica.

Volume 1 Due qui / To Hear Opere / Artworks Testi e immagini del progetto Due qui / To Hear di Massimo Bartolini, con la partecipazione di Caterina Barbieri, Gavin Bryars, Kali Malone realizzato per il Padiglione Italia alla Biennale Arte 2024. A cura di Luca Cerizza con testi di Carlos Basualdo, Luca Cerizza, Nina Sun Eidsheim, David George Haskell, Philippe Van Cauteren, Francesca Verga. Volume 2 If Only We Had Ears Letture / Reader Un’antologia sull’ascolto a cura di Luca Cerizza e Gaia Martino. Testi scritti, trascritti e ascoltati di Roberto Calabretto, Federico Campagna e Michelangelo Frammartino, Chandra Candiani, Viola Carofalo, Massimo Carpinelli e Vincenzo Napolano, Haytham El-Wardany, Lucia Farinati e Claudia Firth, David George Haskell, Neelakshi Joshi, Brandon LaBelle, Federico Luisetti, Sara Mikolai, Pedro Oliveira, Veniero Rizzardi, Francesca Tarocco. Introduzioni di Massimo Bartolini, Luca Cerizza, Gaia Martino.

Autoritratto al lavoro è la prima grande mostra antologica dedicata a Elisabetta Benassi (Roma, 1966) da un’istituzione attiva nella città in cui l’artista vive e lavora. Il progetto espositivo presenta oltre venti anni della sua produzione, giustapponendo lavori storici dei primi anni 2000 a opere recenti e a tre nuove produzioni realizzate per l’occasione. Muovendosi con libertà tra i più diversi linguaggi, medium e immaginari – da sempre tratto distintivo della sua ricerca – Benassi osserva criticamente l’eredità culturale, critica e artistica della modernità con l’intenzione di «entrare nella storia non per citarla ma per poterla far rivivere nel presente, creando una sorta di intrusione», suggerendo un’idea del tempo sempre paradossale.

In uno stato ordinario in cui l’equilibrio è sostituito da un incessante ripetersi di momenti distruttivi, in un presente in cui trascendenza e spiritualità appaiono perlopiù accantonate, può l’arte incoraggiare una resistenza, denunciare la normalizzazione dell’apatia, farsi portatrice di una rivelazione positiva? Perduti il timore e lo stupore di fronte a un evento straordinario, superati il senso del tragico e dell’orrore espressi con vivida intensità dagli artisti nei secoli passati, con quali strumenti, con quali iconografie – filtrate, mediate, concettualizzate, estetizzate – si esprime il sentire del disastro, della crisi, di un’apocalisse (senza fine e senza rinascita) nell’arte del presente? Attraverso i diluvi è articolato in diversi ambienti tematici: dai cataclismi generati dalla natura e dai suoi elementi al travagliato rapporto dell’uomo con gli animali non umani, dalla violenza della guerra alla malattia, fino al suo tragico epilogo.

Stefano Chiodi, Cartografie dell’immaginazione, 7 Atlanti: Primo Atlante. Effemeridi del giardino: Secondo Atlante. Dormienti: Terzo Atlante. Diario delle ombre: Quarto Atlante. Piccolo popolo: Quinto Atlante. Diario dei 59 grani di polvere: Sesto Atlante. Diario dei 59 grani d’argilla: Settimo Atlante. Vedenti: Atlante zero.

Catalogo della mostra: When in Rome. Al di là della periferia della pelle/Beyond the boundaries of skin. Verdiana Bove, Guglielmo Maggini, Pietro Moretti, Caterina Sammartino, Adelisa Selimbašić. AlbumArte, Roma 18 novembre 2024-4 gennaio 2025.

C’è chi cerca orchidee spontanee, io le incontro e nell’incontrarle il fascino di queste minuscole piante, capaci di riprodurre la forma, il colore e l’odore di un animale a loro legato per l’impollinazione, che possono vivere solo in simbiosi con le ife dei funghi, silenzioso mutuo appoggio, mi ha distratto dal rumore del mondo. Perché in loro il messaggio silenzioso della natura si cristallizza in forma e questa mi lascia inerme a cercare risposte sul dialogo interrotto tra regni.

Catalogo della mostra: Maxxi Bvlgari Prize 2024. Mostra a cura di Giulia Ferracci MAXXI-Museo nazionale delle arti del XXI secolo 25 ottobre 2024 - 2 marzo 2025. Riccardo Benassi, Monia Ben Hamouda e Binta Diaw sono i tre finalisti del Maxxi Bvlgari Prize 2024, il progetto del museo per il sostegno e la promozione dei giovani artisti, che in questa edizione si arricchisce anche del MAXXI Bvlgari Prize For Digital Art con Roberto Fassone. Il volume documenta le opere degli artisti con un ampio apparato iconografico e con testi di Antonia Alampi, Martina Angelotti, Jean-Christophe Babin, Ute Meta Bauer, Nicolas Bourriaud, Diana Campbell, Valentino Catricalà, Giulia Ferracci, Francesco Urbano Ragazzi, Andrea Lissoni, Giulia Mastropietro, Francesco Stocchi.

Pino Brugellis ha scelto un segno e lo ha tracciato su un foglio. In questa azione primaria, fondativa, echeggia la volontà di dare forma a un mondo. Nell’esperienza dell’arte, come scriveva Alighiero Boetti, il gesto creativo vuol dire «mettere al mondo il mondo», immaginare una versione dell’universo arricchita da qualcosa di inedito: uno sguardo sul mondo che lo rinnova e lo salva. Assecondando con il respiro ogni segno, o guidando grazie al segno la modulazione del respiro, Brugellis ha instaurato l’esplorazione di forme che rivelano un legame tenace e profondo con il suo sguardo di osservatore attento, architetto, artista, disegnatore.