Cinema, televisione e radio

La rivista “Immagine. Note di storia del Cinema” è la prestigiosa rivista italiana di studi cinematografici dell'Associazione per le Ricerche di Storia del Cinema (AIRSC). Vi scrivono studiosi di fama internazionale e giovani ricercatori. Presentiamo i saggi del numero 28 (a cura di Valentina Fusari, Gianmarco Mancosu, Micaela Veronesi) dal titolo: "Afriche di celluloide: produzioni, circolazione, pratiche di archiviazione e di riuso" - Introduzione (Valentina Fusari, Gianmarco Mancosu, Micaela Veronesi) - Ethnographic views: the parallel history of the “Missione Eritrea” and the “Serie Eritrea” (1905-1909) (Agnese Ghezzi) - Vita spettacolare del barone Raimondo Franchetti (Serena Bellotti, Andrea Mariani).

Fin dagli inizi, Hollywood non ha mai smesso di guardarsi allo specchio esplorando splendori e miserie dell'industria cinematografica. Ma di rado l'ha fatto con la lucidità di viale del tramonto. La storia del legame tra un giovane sceneggiatore disoccupato e una cinquantenne ex diva del muto dal sogno impossibile: tornare davanti alla cinepresa in cerca d'immortalità. Billy Wilder disseziona quest'ossessione, in un film dove il melodramma noir si confonde con il film gotico. Nel volume, Marchesini disegna il profilo inedito di una delle opere più note, studiate, rappresentative della Hollywood classica, indagandone ogni dettaglio e tema trasversale per individuare sentieri interpretativi poco o niente battuti.

C’è stato un tempo in cui il Paese si riconosceva in una voce, in un gesto, in una battuta detta al momento giusto. Un tempo in cui il cinema, il teatro e la canzone non erano solo intrattenimento, ma un modo per capire chi eravamo, per ridere di noi stessi, per sopravvivere ai cambiamenti. In queste pagine riaffiora quell’Italia viva e contraddittoria, raccontata attraverso i suoi protagonisti. C’è Totò che con una smorfia riesce a dire più di un discorso politico, e c’è Sordi che mette a nudo vizi e debolezze di un Paese intero senza mai alzare la voce. Chiedi chi erano restituisce il senso di una stagione irripetibile, quando la cultura popolare sapeva essere profonda senza diventare astratta, e popolare senza essere superficiale. Un racconto che nasce anche dall’urgenza di trasmettere quella memoria a chi non l’ha vissuta, perché continui a far parte dell’immaginario collettivo e non si perda nel rumore del presente.

«Uno dei problemi sociali più difficili da risolvere oggi è sapere come l'autorità possa conservarsi senza diventare repressiva. [...] La domanda è: come è possibile, se è ancora possibile, realizzare un equilibrio? Io non conosco la risposta.» (Stanley Kubrick) Non c'è dubbio che questa domanda (e non una possibile risposta) è al centro di questo straordinario film che a distanza di decenni dalla sua realizzazione mantiene una attualità e un vigore insuperati. Luis Buñuel non esitò a dichiarare: «"Arancia meccanica" è il mio film preferito, anche se ero molto prevenuto contro di esso. Dopo averlo visto, ho capito che è una brillante riflessione su ciò che è il mondo moderno».

In Europa è a lungo prevalso il termine “olocausto” per descrivere l'annientamento delle comunità ebraiche per opera dei nazisti tra il 1939 e il 1945. Poi, nel 1985 il regista francese Claude Lanzmann concluse la lavorazione, protrattasi per dodici anni, della sua opera principale, intitolandola con uno dei termini ebraici per designare il genocidio: Shoah. A partire da quel momento, il vocabolo entrò nel lessico comune. Il film è un lavoro straordinario per durata e complessità. Attraverso la testimonianza di decine di individui, scelti tra quelli più vicini ai siti dello sterminio, Lanzmann offre una polifonia radicata nei luoghi del genocidio, ormai vuoti e muti. Il volume esamina la struttura dell'opera, collocandola tra le rappresentazioni documentarie della Shoah, e ne indaga il ruolo tanto nella storia del cinema quanto nella produzione del regista.

Prima monografia di un capolavoro della storia del cinema mondiale: "Il disprezzo" di Jean-Luc Godard girato tra Roma e Capri in una luminosa estate del 1963, tratto dall’omonimo romanzo di Alberto Moravia, quello che il regista francese osò definire un ‘romanzetto da stazione’. Il film di Godard, il più impegnativo, produttivamente parlando, di tutta la sua carriera, è anche il film più mutilato della storia del cinema. Il libro di Marc Cerisuelo racconta questa drammatica vicenda che ha visto contrapporsi due idee sul cinema e sulla vita, da un lato il produttore Carlo Ponti e dall’altro il regista francese, attraverso una meticolosa ricostruzione e un punto di vista critico, l’autore riporta al giusto posto nel Pantheon del cinema un capolavoro sino ad ora troppo trascurato.

Il volume intende indagare in special modo le attività radiofoniche e teatrali, legatissime tra loro, di Manganelli, allargando l’indagine anche ad altri autori di area neoavanguardistica o sperimentale, come Edoardo Sanguineti, Alfredo Giuliani, Luigi Malerba, Corrado Costa, Giuliano Scabia. Una particolare sottolineatura tra le altre cose merita la collaborazione, sinora non studiata, tra Manganelli e Luca Ronconi, per la messa in scena di Le due commedie in commedia, la pièce barocca di Giovan Battista Andreini che il grande regista rappresentò nel 1984 a Venezia e poi a Roma. Preziosa e di rilievo la testimonianza Roberta Carlotto, fra gli ideatori del format Interviste impossibili ai tempi del suo lavoro a RadioRai, negli anni Settanta, e poi per decenni stretta e fedele collaboratrice di Luca Ronconi.

Dalla nascita della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia ai nuovi scenari dell’ecosistema digitale, il volume ricostruisce il legame complesso che unisce i festival cinematografici alla critica, interrogando le modalità attraverso cui le due istituzioni hanno contribuito a definire, insieme, l’identità culturale del cinema. Tra riflessioni teoriche e analisi storiche, casi di studio e dialoghi con critici e programmatori, il libro restituisce un panorama in movimento, nel quale i festival si fanno dispositivi critici e la critica diventa pratica curatoriale, negoziando continuamente il significato storico e il valore sociale della settima arte.