Arti, cinema e spettacolo

La collaborazione tra la Veneranda Biblioteca Ambrosiana e il Museo e Real Bosco di Capodimonte trova in questa mostra una consonanza profonda di intenti. Le opere di Nicola Samorì si pongono in dialogo con i capolavori custoditi dalle due storiche istituzioni, attraversando la tradizione senza lasciarsi limitare. Classical Collapse è una riflessione sulla fragilità e sulla permanenza delle forme. Nel confronto con l’eredità classica, Samorì narra una storia nella quale il passato e la tradizione sono campo sempre presente in virtù della sua forza di trasformazione. In questa duplice esposizione, della quale ci piace sottolineare la peculiare originalità, Milano e Napoli si riconoscono come poli complementari di una medesima tradizione culturale. Nella fluidità tra le sale ambrosiane e gli spazi di Capodimonte si delinea una geografia comune, dove l’antico e il contemporaneo si specchiano l’uno nell’altro, restituendo unità a ciò che la storia tende a separare. Con Classical Collapse, la pittura di Samorì invita a riconoscere nella crisi del classico non la sua fine, ma la sua continua rinascita. È in questa tensione che le due istituzioni si ritrovano, condividendo la responsabilità e la gioia di offrire al pubblico un percorso che rinnova, nel presente, il dialogo ininterrotto tra arte e conoscenza. Oltre ad essere una portentosa raccolta di dipinti e sculture di uno dei protagonisti della scena artistica europea, Classical Collapse è un invito a guardare e riguardare il classico attraverso prospettive molteplici. Le opere esposte propongono una serie di antinomie, invitando l’osservatore a meditare sull’essenza dell’arte visiva e al contempo sull’esistenza umana: dall’antitesi tra materia e illusione, silenzio e ritmo, creazione e rovina, presenza e passato, assenza e futuro, corpo e spirito. La Veneranda Biblioteca Ambrosiana e il Museo e Real Bosco di Capodimonte dialogano attraverso lo sguardo sull’arte di Nicola Samorì.

Nicola Samorì (Forlì, 1977) è uno degli artisti contemporanei più innovativi, noto per il suo profondo dialogo con la tradizione visiva occidentale. Attraverso un processo di scavo e riscrittura, Samorì trasforma il classico in un campo di tensione, sfidando l’apparente immutabilità dell’arte. Classical Collapse è un progetto espositivo unico che unisce Milano e Napoli, coinvolgendo la Pinacoteca Ambrosiana e il Museo e Real Bosco di Capodimonte in un percorso che attraversa oltre cinquanta opere dell’artista affiancate a capolavori delle collezioni permanenti. La mostra esplora temi come materia e illusione, creazione e rovina, corpo e spirito, indagando la metamorfosi continua dell’arte classica e la vitalità del patrimonio culturale. Il volume che accompagna l’esposizione include saggi di Demetrio Paparoni, Alberto Rocca e Eike Schmidt, direttori delle istituzioni ospitanti, insieme ai contributi dello scrittore Antonio Moresco e del teologo e critico d’arte Friedhelm Mennekes, offrendo una riflessione approfondita sul lavoro di Samorì e sulla sua capacità di ispirare un nuovo sguardo sull’arte.

Il San Giovanni Battista di Caravaggio (1571-1610), capolavoro della Galleria Borghese, rivela tutta la forza innovativa del maestro lombardo: una pittura fatta di luce, carne e silenzio. Un’immagine sospesa tra sacro e umano, dove l’intensità dello sguardo e il chiaroscuro drammatico restituiscono la modernità di uno dei protagonisti assoluti della pittura. Il volume accompagna il lettore nel cuore del San Giovanni Battista di Caravaggio, realizzato negli ultimi mesi della vita del pittore. Il giovane Battista, fragile e pensoso, immerso in un silenzio, diventa il simbolo di una condizione esistenziale di vulnerabilità e attesa, figlio della stessa inquietudine di Caravaggio. Attraverso un’analisi dell’opera e un’attenta ricostruzione documentaria, il testo illumina anche le vicende che condussero il dipinto nelle collezioni Borghese, intrecciando storia dell’arte e storia giudiziaria.

Questo volume è una guida illustrata e dettagliata delle opere d'arte custodite nella Pinacoteca Ambrosiana di Milano, una delle più importanti gallerie d'arte italiane. La pinacoteca ospita una vasta collezione che spazia dal Rinascimento al Barocco, con opere di artisti di fama internazionale come Caravaggio, Raffaello, Tiziano e Leonardo da Vinci. Il libro esplora i capolavori più significativi della collezione, offrendo una panoramica delle tecniche artistiche, delle storie dietro le opere e degli artisti che le hanno create. Ogni sezione del volume è arricchita da fotografie a colori di alta qualità, accompagnate da descrizioni storiche, analisi stilistiche e contestualizzazioni che ne arricchiscono la comprensione. Il volume rappresenta un viaggio affascinante nel cuore dell'arte rinascimentale e barocca, nonché una testimonianza del valore storico e culturale di uno dei musei più importanti di Milano.

Oggi più che mai, la leadership si plasma anche attraverso le immagini: la politica si fa spettacolo e l’autorità si costruisce frame dopo frame. Ma, ben prima dell’era digitale, fu il fascismo a intuire il potere delle fotografie sull’immaginario collettivo. Attraverso una lettura critica del linguaggio visivo del regime, Fotografare Mussolini di Alessandra Antola Swan restituisce centralità alle raffigurazioni che contribuirono a costruire il mito del Duce: non semplici corredi visivi, ma veri e propri documenti storici e strumenti di propaganda accuratamente selezionati per scolpire la figura di Mussolini come uomo forte, deciso e predestinato al comando. Il volume analizza il lavoro dei fotografi dell’epoca e approfondisce il ruolo della comunicazione visiva nel contesto sociopolitico dell’Italia tra le due guerre. Ne emerge una riflessione illuminante sul rapporto fra potere, rappresentazione e cultura di massa in un regime autoritario. Non soltanto un libro illustrato sul Duce, ma anche e soprattutto un libro sulle sue illustrazioni.

Il volume indaga il complesso rapporto tra Gio Ponti e la città di Roma. A partire da ricerche archivistiche e dallo studio dei progetti, realizzati e non, qui presentati per la prima volta in modo sistematico, il testo raccoglie considerazioni inedite sul ruolo che il rapporto con la Capitale ha giocato nella traiettoria professionale e intellettuale dell’architetto milanese. Roma ha infatti rappresentato per Ponti non soltanto il centro del potere entro cui sviluppare una carriera professionale di respiro nazionale e internazionale, ma anche un banco di prova per la verifica e l’esercizio delle proprie idee. Rimasta a lungo in secondo piano rispetto alla natia Milano e ad altre città del mondo dove Ponti realizzò opere di grande richiamo, la Capitale torna così a occupare una posizione strategica nella sua vita, trattenendolo in più occasioni prima e dopo la Seconda guerra mondiale, e offrendogli un fecondo terreno di confronto persino su temi a lui lontani come la storia dell’architettura, il restauro e il rapporto con la preesistenza archeologica.

Un cinefilo insegue il filo luminoso della propria memoria attraverso novanta film, dal fascino intramontabile degli anni Sessanta fino alle visioni più recenti. Capolavori e pellicole dimenticate, cult e B-movie si intrecciano a luoghi vissuti, alla poesia e alla letteratura, alla musica e alla pittura. Sogni lunghi due ore, ambientati in sale ormai scomparse di Firenze e altrove, tra festival e rassegne che diventano taccuini dell’anima. Un fascio di luce sullo schermo si trasforma in una bussola per orientarsi nel mondo, e forse, dentro se stessi.

Il progetto scientifico della mostra, curato da Sabina de Gregori e Giuseppe Stagnitta, documenta il percorso innovativo e rivoluzionario di due grandi artisti che hanno cambiato il modo di vivere l’arte degli ultimi 50 anni: Warhol e Banksy. Un confronto tra due personalità apparentemente distanti: Andy Warhol, l’artista più fotografato al mondo, famoso e onnipresente, versus l’anonimo Banksy, che ha reso la sua arte un evento mediatico mondiale. Da una parte, dunque, Warhol e le sue opere diventate un prodotto di consumo e il suo nome un vero e proprio brand; dall’altra Banksy grande esperto di comunicazione, che continua a far parlare di sé trasformando il vandalismo di strada in un evento internazionale da prima pagina, capace di raggiungere l’intero pianeta, usando il suo anonimato per diventare icona, e dunque marchio, allo stesso modo di Warhol. Il focus della mostra è proprio questo: investigare in parallelo gli obiettivi e gli intenti dei due artisti che più hanno lavorato sulla propria immagine pubblica. L’arte diventa azione e la provocazione al mercato dell’arte esplicita. Le opere esposte sono oltre 100, provenienti da famose collezioni private di tutto il mondo e da importanti gallerie d’arte. Un primo omaggio con opere e testimonianze sul Passaggio a Napoli dei due artisti e di come, a trent’anni di distanza, l’americano Andy Warhol, nato a Pittsburgh, e il britannico Banksy, originario di Bristol, hanno subìto il fascino irresistibile di Napoli, di Partenope, di Pompei, del Vesuvio, e della forza mediterranea e globale di questa grande capitale culturale. E poi il confronto: la Kate Moss sensuale di Banksy versus il ritratto di Marilyn Monroe realizzato da Warhol dopo la morte dell’attrice nel 1962; la significativa immagine della Regina Elisabetta di Warhol con il diadema reale versus la dissacrata e dissacrante Regina Vittoria di Banksy. E poi i famosi ritratti di Grace Kelly, Mick Jagger, Keith Haring, Joseph Beuys, Liza Minnelli, Mao, Lenin e Kennedy di Warhol. Due artisti geniali, capaci di creare un cocktail potente di celebrità, satira e voyeurismo e che hanno saputo trasformare la loro arte in un evento straordinario. E, ancora, la numerosissima produzione di Banksy, con un esempio delle Soup, considerate post-produzione di una delle opere più iconiche di Warhol, e il famoso autoritratto su tela del 1977 di Warhol. Si affronteranno, inoltre, i grandi temi comuni a entrambi, come la musica, che costituiranno un faccia a faccia unico. Dischi e manifesti iconici dei due artisti, a partire dalla famosa banana del 1967 sulla copertina dell’album dei The Velvet Underground & Nico, simbolo di una generazione musicale, in dialogo con la Pulp Fiction di Banksy in cui John Travolta, anziché la pistola, impugna la banana iconica di Warhol; e, ancora, oltre 50 tra vinili di Warhol firmati e CD con le copertine realizzate da Banksy. Infine, le chitarre firmate da Liza Minnelli, Diana Ross, Mick Jagger e Michael Jackson.

La Bassa bergamasca è la porzione della pianura lombarda compresa tra Bergamo e Crema, tra i fiumi Adda e Oglio: un territorio di piccole città, di agricoltura, allevamento e antiche transumanze, che nel corso del Novecento ha mantenuto il proprio carattere rurale, ben armonizzato con una modernizzazione misurata, lontana dalla crescita tumultuosa delle vicine conurbazioni metropolitane di Milano e Brescia. Negli ultimi decenni nuove dinamiche economiche e sociali ne hanno rapidamente cambiato il paesaggio: la diversità e la ricchezza delle cascine e dei campi bordati dai filari hanno lasciato il posto a distese omogenee di monocolture industriali; la zootecnia è spinta oltre i limiti delle normative europee, con conseguenze ecologiche gravi. L’industria manifatturiera residua e i ruderi delle grandi attività commerciali si accostano ai nuovi spazi e alle infrastrutture della logistica, agli impianti fotovoltaici e di biogas, a serre e stalle simili a fabbriche. Agente visivamente potente di queste trasformazioni è la BreBeMi, l’autostrada Brescia-Milano: affiancata dalla linea dell’alta velocità, attraversa il territorio con scavalcamenti, tangenziali, raccordi, sottopassi e ponti. Fin dalla fase di cantiere ha tagliato i campi, diviso le proprietà e interrotto percorsi storici e corsi d’acqua, generando una diversa valorizzazione fondiaria e nuove pratiche d’uso dei suoli urbani e agricoli. La bassa pianura bergamasca è necessariamente il laboratorio di una nuova ruralità: se la maggior parte delle imprese agricole, inserite nei circuiti globali, integra produzione, energia e logistica secondo principi industriali, altre iniziano a orientarsi verso una conduzione agroecologica e rigenerativa, consolidando reti e mercati attenti alla salute e alla qualità del cibo. Dall’evoluzione di queste modalità produttive e dalle consuetudini di consumo a esse legate non dipende solo la sostenibilità ecologica: l’impoverimento dei suoli e delle acque e le emissioni diffuse compromettono anche la tenuta di antichi equilibri e patti di cura del territorio e di condivisione delle risorse, oltre alla stabilità del sistema sociale e alla compatibilità del modello produttivo. Con contributi di Gloria Pellicelli, Edmondo Pietrangeli, Fausta Riva, Marta Rodeschini. Con interviste a Laura Comandulli e Pierangelo Bertocchi.

Lo ScanToBIM è oggi uno dei passaggi più strategici della trasformazione digitale del settore delle costruzioni: un ponte tra il costruito e il modello informativo, capace di trasformare nuvole di punti complesse in conoscenza realmente utilizzabile lungo l'intero ciclo di vita dell'opera. Questo volume offre una guida completa, rigorosa e operativa al processo, integrando aspetti tecnici, metodologici e giuridici con un approccio chiaro e orientato alla pratica professionale. Dalla pianificazione del rilievo fino alla modellazione BIM, passando per LiDAR, SLAM, fotogrammetria, registrazione, classificazione, interoperabilità e LOIN, il testo accompagna il lettore attraverso tutte le fasi che determinano la qualità del dato e del modello finale. Una particolare attenzione è dedicata anche ai temi normativi e contrattuali, sempre più centrali nella gestione dei dati digitali e nei procedimenti d'appalto. Il volume è arricchito da 11 video-lezioni di approfondimento, accessibili tramite QR Code, che permettono di vedere in azione tecniche, esempi e procedure reali illustrati dagli autori. Pensato per tecnici, progettisti, imprese e stazioni appaltanti, questo libro fornisce gli strumenti necessari per impostare, verificare e gestire correttamente un processo ScanToBIM moderno, affidabile e interoperabile: una risorsa indispensabile in un mercato in cui qualità del dato, standard aperti e competenze interdisciplinari non sono più opzionali.

Questo volume presenta la ricerca espressiva di artisti provenienti da culture e paesi differenti, accomunati dal desiderio di indagare il potere dell'arte e la sua capacità di celebrare una spiritualità laica che cerca armonia senza dogma e rinascita attraverso la bellezza. Ogni opera rivela la concezione della soggettività propria dell'artista e diventa sinonimo di un piccolo microcosmo che rappresenta il macrocosmo. Ecco quindi che ogni espressione creativa si mostra nel suo aspetto di rivelazione sensibile e soggettiva dell'Assoluto: espressione dell'infinito attraverso forme finite, una strada di apertura sul cosmo inteso come comunione tra spirito e materia.

Carlo Maratti (1625-1713) a lungo attivo a Roma dove divenne protagonista indiscusso dell’ambiente artistico del suo tempo, riconosciuto in tutt'Europa quale caposcuola della pittura romana.