Cue Press: I testi

Amore, violenza e morte: è davanti a questi tre diversi oggetti di indagine, lungo pagine vibranti in cui compostezza verbale e gestuale propria di ogni conferenza scientifica viene alternata dall’emergere di insistenti emozioni, che Sergio Blanco si mette a nudo. In questi tre testi, autonomi nella loro compiutezza espressiva e narrativa, eppure uniti nella loro specifica intertestualità, realtà e finzione si contaminano in un percorso in cui l’elemento autobiografico, sempre al confine tra l’attendibile e il non attendibile, diventa il punto di partenza per una riflessione che trascende l’io dell’autore e diviene un’esperienza collettiva per lettori e spettatori.

Il volume presenta una selezione dei testi più significativi di Helena Tornero, tra le voci di spicco della scena drammaturgica contemporanea. Dalla complessa tematica della migrazione e la sua strumentalizzazione (Il futuro), alla guerra come forza distruttrice morale prima che materiale (Apaches), fino alla contaminazione di teatro e musica (Fascination), i testi di Tornero, ricchi di lirismo e ironia, sono capaci, grazie alle voci dei personaggi che ne animano le scene, di restituire un ritratto autentico «della vita in generale, in tutte le sue sfumature».

Il volume costituisce un esauriente studio di quindici anni di attività della compagnia Carrozzeria Orfeo: dai primi lavori (tra cui "Nuvole Barocche", 2007; "Sul confine", 2009) fino agli spettacoli che hanno riscosso il maggior successo di pubblico ("Thanks for Vaselina", 2013; "Animali da Bar", 2015; "Cous Cous Klan", 2017; "Miracoli Metropolitani", 2020; tutti testi pubblicati presso Cue Press). Il libro delinea il percorso storico e l’analisi drammaturgica di un teatro in grado di occupare un posto di primordine eppure così singolare sulla scena italiana, un linguaggio «definito da più voci pop», in cui «i temi della contemporaneità vengono svelati attraverso storie di personaggi grotteschi».

La raccolta contiene una parte importante della drammaturgia di Lina Prosa, in cui emerge la sua idea precisa di scrittura, una continua peregrinazione alla ricerca di un impossibile «riposo». Come nella costruzione del mondo, questi testi sono animati da non-personaggi, o meglio, creature che «ballano su un piano instabile», in cui diventano figure poetiche, pronte alla rivolta. Il loro destino spesso si identifica col teatro stesso, fino al punto che una sola sconfitta può travolgere il senso del teatro. Come in "Ingrid e Lothar", "Actor Studio-19" – numero da pandemia, numero che contamina – o il sogno di rivoluzione di Cosimo - Detenuto, la carcassa di una macchina deus ex machina e tanti altri episodi drammaturgici in cui scene e personaggi vengono ritratti al momento dello scoppio di un temporale o di una minaccia collettiva.

Il volume raccoglie i primi lavori di Jon Fosse, autore tra i più importanti e influenti del teatro contemporaneo. Già in questi scritti vengono tuttavia rivelati gli elementi fondanti della poetica del drammaturgo norvegese: una scrittura secca e affilata, in cui il ritmo serrato, fatto di non-punteggiatura e intonazioni volutamente ambigue delle battute, contraddistingue la parabola esistenziale di personaggi isolati, in continua ricerca del proprio Io e di una redenzione nel difficile legame con l'Altro.

Dittico tedesco si rifà a fatti accaduti in Germania negli anni Settanta. A quell’epoca, che ci appare lontanissima, il potere istituzionale, forte di tutti i sui strumenti, venne sfidato da un gruppo di giovani utopisti predestinati naturalmente alla sconfitta e alla morte. Lotta tra potere legittimo e una sorta di contropotere che trovava le proprie motivazioni nell’ideologia rivoluzionaria anticapitalistica. Quei lontani fatti, come vengono esposti in Materiali per una tragedia tedesca e in Conversazioni, sono dall’autore intenzionalmente deformati affinché risulti perspicuo un concetto: la Storia non è riconducibile a una qualsiasi ‘verità oggettiva’. Essa non è che una favola.

Il testo mette al centro della scena Marlene, donna che ha sacrificato la propria vita (familiare e non) sull'altare del lavoro. Dal primo episodio, l'onirico convivio in cui la protagonista si confronta con figure femminili di spicco dell'arte del passato, fino agli sviluppi del secondo atto in cui l'intreccio tra vita lavorativa e privata deflagra facendo emergere insospettabili segreti, la scrittura di Caryl Churchill costruisce un universo femminile variegato e multiforme, secondo un modello drammaturgico capace di «tradurre in struttura drammatica un'istanza del presente e una personale visione del mondo e della vita».

Composta da Peter Pan guarda sotto le gonne (2015), Stabat Mater (Premio Hystrio Nuove Scritture di Scena 2017) e Un Eschimese in Amazzonia (Premio Scenario 2017), la Trilogia sull'Identità si concentra sul tema dell'identità di genere e costituisce l'ideale punto d'arrivo di un'esperienza nata nel 2014 intorno al progetto della compagnia The Baby Walk. I tre testi raccolti nel volume, densi di incalzante ironia e dal grande impatto emotivo dimostrano, grazie alla loro brillante scrittura, come teatro e danza siano ancora capaci di rispondere «a tanti dilemmi senza abbondare di spiegazioni».

Uno Stato immaginario scomparso a causa dei cambiamenti climatici, una misteriosa epidemia globale, un giudice che nasconde la propria omosessualità: pur trattando gli argomenti più disparati, il lavoro di Clua riesce ad affrontare in maniera originale ed eclettica il tema della diversità e della complessità del mondo contemporaneo. Il volume raccoglie il meglio della produzione del drammaturgo catalano, sei testi capaci di restituire, dalla scena alla pagina, un’umanità sempre viva e dalle mille sfaccettature.

Una donna, tra le pareti del suo studio di psicologia, in attesa dell’arrivo di un cliente, riflette sulla propria vita e i recenti cambiamenti che l'hanno sconvolta: il lavoro, la fine del matrimonio, la maternità mai desiderata. Lungo un racconto dal ritmo incalzante, quasi più vicino a un inesorabile flusso di coscienza che a un semplice monologo teatrale, la protagonista rielabora la propria esistenza, cercando di riannodare i fili che la legano alla realtà, in un crescendo in cui momenti fortemente drammatici si alternano a frammenti di esilarante comicità.

Utilizzando frammenti delle trascrizioni del processo a 'La Manada' – caso giudiziario che scosse l'opinione pubblica spagnola e internazionale riguardante una violenza sessuale di gruppo compiuta da cinque uomini nei confronti di una ragazza appena diciottenne a Pamplona nel 2016 – Jordi Casanovas costruisce una drammaturgia dal ritmo incalzante. Tra dialoghi serrati e testimonianze dei protagonisti, realtà e finzione si mescolano in un quadro capace di «provocare nel lettore l’effetto asfissiante vissuto dalla vittima» e di farlo riflettere sull'amara deriva di uno scenario in cui è la «normalizzazione della violenza» il linguaggio che regola il rapporto tra uomo e donna. Jauría ha vinto nel 2020 il Premio MAX come Miglior spettacolo.

Mentre le fogne, ormai sature a causa di continui abusi ambientali, stanno allagando la città costringendo le persone in casa, in una fatiscente cucina specializzata in cibo d’asporto, si muovono otto personaggi vinti dalla vita che tentano di sopravvivere tra fallimenti personali e profondo senso di solitudine. Come se non bastasse, la popolazione è terrorizzata da un pericolo imminente che potrebbe portare l'umanità alla deriva... "Miracoli Metropolitani" è il racconto di una solitudine sociale e personale di una società che sta per essere sepolta dai suoi stessi escrementi, metafora di un'umanità ai ferri corti con sé stessa dove la "merda" più che nelle fogne sembra annidarsi nei cervelli.