Musica

Antonio Vivaldi è stato forse il compositore più oggetto di equivoci di lettura e deliberati fraintendimenti tra quelli del suo tempo. Riscoperto relativamente di recente rispetto a Bach o Händel, la sua musica ha infatti subito per decenni ricostruzioni estremizzate e approcci superficiali. Ancora oggi ci si inganna credendo che sia un autore facile o leggero, e le sue partiture poco più di tracce stenografiche da integrare con ornamentazioni, improvvisazioni, effetti speciali e ogni tipo di licenza interpretativa. Federico Maria Sardelli, tra i più autorevoli studiosi e interpreti del maestro veneziano, con quest’opera restituisce il giusto valore alle intenzioni di Vivaldi. Grazie a una ricognizione minuziosa sulle sue istruzioni musicali manoscritte, Sardelli mette in luce come le partiture siano, in genere, già complete di molte indicazioni utili all'esecuzione. Al contrario della vulgata – e sebbene Vivaldi non abbia lasciato nessuno scritto sulla sua musica, la sua poetica, il suo modo di comporla o eseguirla – queste carte lo rivelano come il compositore italiano barocco più prodigo d'informazioni tecniche e musicali. Guidati da Sardelli, entriamo per la prima volta in intimo contatto con i suoi manoscritti, scrigni di un'impressionante mole di notizie, cruciali per comprendere il suo modo d'intendere e d’interpretare le sue creazioni. A metà tra saggio speculativo e manuale pratico, questo libro, che si impone anche per la brillante vena scrittoria, ci permette di avere accesso come mai prima a un universo musicale in cui ogni effetto risulta perfettamente calibrato e ponderato per emozionare l’ascoltatore. Prefazione di Michele Dall'Ongaro.

Nel novembre del 2020, i Depeche Mode sono stati ammessi alla Rock & Roll Hall of Fame

Il teatro Ariston è il luogo più iconico dello spettacolo e della musica italiana. Un luogo quasi sacro, dove per sei decenni si sono esibiti i più grandi artisti, da Domenico Modugno ai Mäneskin, da Dario Fo a Rudolf Nureyev, e dove ogni anno dal 1977 si celebra l’evento più amato, più dibattuto, il rito che ci fa sentire italiani, a cui tutti vogliono partecipare, anche soltanto per criticarlo: il Festival di Sanremo. Ma cosa c’è, all’origine di ogni grande impresa, se non il sogno, la visione di una persona controcorrente? Negli anni Cinquanta, Sanremo è una delle tante città che faticano a risollevarsi dalle macerie della guerra. Aristide Vacchino, che ha il cinema nel sangue, progetta una struttura senza precedenti – un multisala capace di ospitare ogni genere di spettacolo – per restituire gioia e divertimento ai suoi concittadini. Ci mette dieci anni a completarne la costruzione, tra rallentamenti burocratici e ostilità della concorrenza, ma nel 1963 riesce finalmente a inaugurare il suo gioiello. È l’inizio della “scatola magica”, uno spazio di creatività che, stagione dopo stagione, continua a regalare emozioni e un senso di umana meraviglia. Walter Vacchino, che aveva sei anni quando suo padre ha posato il primo mattone dell’Ariston, oggi lo gestisce insieme alla sorella Carla, e ci racconta tutte le tappe di un’epopea familiare divenuta mito nazionale. Una storia vissuta dietro le quinte, a contatto con la parte più vera dello spettacolo e degli artisti.

"Imparo a leggere la musica" propone un metodo completamente innovativo, basato su un approccio graduale, garantito anche per i lettori più inesperti. Le autrici non dividono gli argomenti in compartimenti stagni (un capitolo dedicato al ritmo, un altro alla melodia…), ma da subito mettono insieme nozioni di ritmo e altezza, partendo dalle combinazioni più semplici per arrivare progressivamente a quelle più complesse. Il manuale però non si ferma qui: una volta che il lettore abbia acquisito gli strumenti di lettura, lo accompagnerà ad approfondire la struttura del discorso musicale e a iniziare a «giocare» con la composizione.

Selezione ragionata dei 500 grandi nomi, tra band e solisti, che hanno fatto la storia della musica più rivoluzionaria di sempre, Hall of Fame 1960 – 2000 rappresenta un atlante sintetico in ordine alfabetico per orientare la propria conoscenza - e i propri ascolti nell'immenso Pianeta del Rock e nei suoi territori. Arricchito da brevi approfondimenti critici sull'esordio, l'affermarsi e le caratteristiche dei diversi generi nella scena artistica internazionale questo abbecedario introduttivo sui più grandi miti del rock include i dischi essenziali da non perdere per ogni musicista, oltre a immagini e foto-ritratti che hanno contribuito a trasformare molti artisti in un'icona senza tempo.

Freddie Mercury e i Queen rivivono in una grande monografia per immagini, realizzata a oltre trent'anni dalla scomparsa di una delle più grandi icone del rock di tutti i tempi. Mentre è ancora vivo l'eco del film Bohemian Rhapsody, a breve sarà pubblicato un inedito dei Queen con la voce di Freddie, e la band, nella nuova formazione, sta trionfando in un tour mondiale sold out che ha toccato anche l'Italia. Il libro ripercorre la straordinaria avventura di uno dei più importanti fotografi di rock internazionali con quella che è la band sinonimo di rock'n'roll. O'Regan ha assistito al suo primo concerto dei Queen nel 1973, quando la band suonava come gruppo spalla di Mott the Hoople all'Hammersmith Odeon di Londra. Tredici anni dopo, nel 1986, sarebbe stato il fotografo ufficiale del Magic Tour, l'ultimo della carriera della band. Negli anni che separano i due eventi O'Regan fotografò molte volte la band dal vivo, ma sono le foto del tour che ci restituiscono l'ampiezza dell'impatto dei Queen che travalica i confini della musica per diventare vero e proprio fenomeno socioculturale. Foto live che raccontano i momenti più iconici del gruppo all'apice della carriera – come il Live Aid o il leggendario concerto a Knebworth, o ancora quello di Budapest (all'epoca un fatto eccezionale, perché oltre la cortina di ferro) – ma anche foto intime e di backstage, alcune delle quali inedite, per ripercorrere la storia di Freddie e colleghi, il tutto accompagnato dalla narrazione in prima persona di O'Regan che svelerà aneddoti e curiosità su uno degli artisti e band più amati al mondo.

Il volume ripercorre l'evoluzione della carriera di Luciano Ligabue, ponendo particolare attenzione ai numerosi linguaggi con

Dalla fine del XIX secolo la chitarra, prima acustica e poi elettrica, si è diffusa in ogni ambito musicale. "1001 chitarre" celebra la varietà e la popolarità di questo strumento, ancora oggi in cima ai desideri di ogni musicista o aspirante tale. Tutti i marchi più famosi (Fender, Gibson, Epiphone, Martin, Gretsch, Rickenbacker) sono ampiamente rappresentati, così come i brand giapponesi (Ibanez, Yamaha, Teisco) ed europei (Burns, Eko, Höfner) saliti alla ribalta negli anni Sessanta. Esistono chitarre di ogni forma e dimensione, stile e colore; ogni strumento poi è legato indissolubilmente ai musicisti che ne hanno fatto uso e a particolari generi musicali. Ma uno sguardo più attento al libro rivela altri tesori, legati a sentimenti come la nostalgia e all’amore per la musica in quanto tale. Il libro spiega ciò che rende speciali i diversi modelli di chitarra, chi sono i musicisti che li hanno scelti e quali brani ascoltare per avere un saggio delle loro qualità timbriche. Una guida completa che non dovrebbe mancare nella biblioteca di ogni appassionato. Prefazione di Dave Gregory.

«In questo “Medioevo tecnologico”– dove la mente digitale crede ancora nel mito dell’oggettività scientifica e seziona con il suo “bisturi razionale” osservazione e osservato, arte e scienza – la musica e lo scientismo dimenticano che, per generare i suoni, bisogna conoscere la proportio aurea, studiata da giganti del pensiero come Pitagora, Leonardo, Bruno e Böhme. Esiste “un’intonazione scientifica” con cui fare musica: i rapporti tra le note dovrebbero seguire gli stessi rapporti matematici che governano la riproduzione di molte specie, la fillotassi e il nostro sistema solare o, se preferite, il sistema sol-la-re». Frutto di anni di ricerche, il libro mette in correlazione la musica e la scienza dell’intonazione, conducendo il lettore attraverso l’antica sapienza di Pitagora, Fibonacci, Leonardo da Vinci e Giovanni Keplero, per giungere alle più moderne ricerche della fisica quantistica e delle neuroscienze. L’Autore mostra come l’uniformità al la a 440 hertz sia stata una scelta arbitraria decisa da poche influenti persone, senza portare alcuna valida motivazione o evidenza né scientifica né artistica a sostegno di quest’imposizione, allontanandoci così dall’intonazione naturale a 432 Hz, correlata alla risonanza terrestre. Con questo libro prenderai consapevolezza di: quali aree cerebrali attivi la musica e a quali ottave di frequenza il cervello umano operi; quale ruolo ricoprano le onde sonore nel modificare la pressione sanguigna, la respirazione, il battito cardiaco, la resistenza elettrica della pelle, la risposta neuroendocrina, la concentrazione ed altre componenti essenziali al benessere umano. Questa è l’opera più esaustiva in commercio sul tema dell’intonazione a 432 Hz, nota anche come La Verdiano, in quanto caldeggiata da Giuseppe Verdi. «Sarebbe proprio il caso, prima di iniziare la lettura, di ascoltare un bel concerto dal vivo con il la intonato a 432 hertz. [...] Personalmente, poco dopo aver letto questo libro nella sua edizione precedente, mi sono deciso a intonare il pianoforte di casa mia a 432 Hz. Il mio ultimo disco è stato registrato con questa intonazione. Tutto ciò per un motivo semplice: ho la sensazione che lo strumento, in questo modo, abbia un suono più caldo e pastoso. È lampante che fin qui siamo in presenza di motivazioni piuttosto personali e poco oggettive. Ma a sostegno della mia decisione, ecco saltar fuori – dalle pagine di questo libro – nientemeno che la scienza». Stefano Bollani «Ecco un progetto avventuroso, un’impresa importante. Riccardo Tristano Tuis è riuscito a catturare l’essenza della nascente rivoluzione musicale con parole semplici, comprendendo la sua grande complessità in modo eccezionale e rendendola comprensibile al lettore comune». Ananda Bosman

La storia dei concerti dei Pink Floyd, dalle pionieristiche esibizioni in calzoncini corti al grande salto di Dark Side, è l’appassionante cavalcata di un gruppo di ragazzi unito dal sogno di diventare una stella luminosa del firmamento musicale. Il libro setaccia storie e notizie attraverso i racconti dei presenti (sul palco, intorno e sotto), le recensioni dei giornali, gli audio live ufficiali e amatoriali, le testimonianze fotografiche, cartacee e discografiche. Un lavoro di archeologia rock, copiosamente illustrato, che coniuga la metodologia degli archivisti musicali alla piacevolezza di una lettura viva ed emozionante.

The Velvet Underground è il nome della rock band formatasi a New York City nel 1964. La formazione originale comprendeva il cantante e chitarrista Lou Reed, il polistrumentista gallese John Cale, il chitarrista Sterling Morrison e il batterista Angus MacLise. Quest’ultimo fu sostituito nel 1965 da Moe Tucker, che suona in quasi tutte le incisioni del gruppo. Nel primo album è presente anche la cantante e modella tedesca Nico, fortemente voluta da Andy Warhol e Paul Morrissey come principale attrazione della band. L’integrazione di musica rock e avant-garde riscosse scarsissimo successo commerciale mentre la band era in attività, salvo farne in seguito una delle più influenti nella musica rock, underground, experimental noise e alternative. I provocatori temi trattati nei testi, le sperimentazioni sonore e l’attitudine spesso nichilista si mostreranno poi decisamente influenti nello sviluppo del punk rock e della new wave quasi un decennio più tardi. “Il primo album dei Velvet Underground vendette solo 10.000 copie, ma tutti quelli che lo comprarono formarono poi una propria band.” (Brian Eno)

L’arte di Maria Callas, il soprano che ha segnato un prima e un dopo nella storia della Lirica. Protagonisti e storici dell’Opera raccontano l’abilità vocale e il carisma interpretativo della Divina, che con il suo repertorio e le sue eroine ha saputo creare il mito definitivo dell’unicità interpretativa. Immagini esclusive e inedite dalla Collezione Ragni-Cuoco e dagli Archivi personali degli Autori narrano i momenti più significativi della carriera dell’Artista e della Donna. Con testi di: Carlo Fontana Già Sovrintendente del Teatro alla Scala di Milano, Gina Guandalini Musicologa, Giovanna Lomazzi vice presidente del Teatro Sociale di Como, Marco Guardo direttore della Biblioteca dell’Accademia Nazionale dei Lincei e Corsiniana, Sergio Ragni musicologo, Placido Domingo tenore, Dacia Maraini scrittrice, Raina Kabaivanska soprano, Sylvia Sass soprano, Eugene Kohn direttore d’orchestra, Nadia Stancioff ufficio Stampa durante le riprese della Medea di Pier Paolo Pasolini, Alejandro Abrante responsabile pubbliche relazioni Rossini Opera Festival, Fabio Ceppelli giornalista, Piero Mioli musicologo.