Arte e design industriale e commerciale

Un guida completa per aspiranti disegnatori di gioielli e imprenditori con consigli professionali ed esempi di vita reale per aiutare a costruire un marchio di gioielleria sostenibile e di successo. Questa guida completa è perfetta per disegnatori di gioielli, studenti e imprenditori che cercano di farsi strada nel settore della gioielleria. Scritta da un professionista esperto e autore di Sustainable Jewellery, il libro va oltre le tecniche del disegno, offrendo conoscenze imprenditoriali essenziali per costruire un marchio di gioielleria da zero. Basandosi sul percorso imprenditoriale dell’autore, il libro esplora argomenti come la comprensione del mercato della gioielleria, la produzione, la vendita e il marketing. I consigli pratici sulla costruzione dell’identità del marchio, sullo sviluppo delle collezioni e sulla creazione di un piano aziendale assicurano che tu sia ben attrezzato per il successo in un settore competitivo. Questo libro include anche interviste a esperti, casi di studio ed esempi della vita reale per ispirarti e guidarti. Sia che tu stia iniziando la tua propria impresa o cercando di migliorare le tue competenze, questa guida fornisce spunti e strumenti preziosi per trasformare la tua visione di gioielleria in un marchio di successo e sostenibile.

Prosegue, con rigore filologico e fascinazione visiva, l’esplorazione del lavoro grafico che ha reso l’azienda Olivetti un unicum nella storia industriale del Novecento. Dopo il primo volume di Sergio Polano e Alessandro Santero, questa seconda opera continua e integra l’indagine del vasto ecosistema della comunicazione del prodotto e dell’azienda: dépliant, libretti d’istruzione, manuali tecnici, cataloghi, libri aziendali e manifesti, un percorso che restituisce la complessità di un’impresa capace di trasformare anche il più umile foglio di istruzioni in un capolavoro di chiarezza informativa ed estetica. Curato da Fiorella Bulegato e da Alessandro Santero, corredato dai saggi di Eugenio Sidoli e Dario Scodeller e da oltre 300 immagini, il volume analizza un centinaio di artefatti grafici – molti dei quali di difficile reperimento – che testimoniano l’evoluzione del linguaggio visivo della Olivetti. Il lettore attraversa stagioni grafiche irripetibili: dalle intuizioni poetiche di Marcello Nizzoli e Leonardo Sinisgalli, alla sintesi funzionale di Giovanni Pintori; la fotografia di Henri Cartier-Bresson e Gianni Berengo Gardin, testimoni dell’architettura sociale dell’azienda; il segno di Bruno Caruso, che con la sua agenda traghetta idealmente la calligrafia verso la memoria elettronica; arrivando infine alle sperimentazioni degli anni più recenti: dalle visioni di Milton Glaser e dalle matericità di Roger Selden, al progetto corale di fine millennio progettato da Michele De Lucchi, Mario Trimarchi e Katrin Schmitt Tegge. La testimonianza di una vera e propria pedagogia della comunicazione dove il rapporto uomo-macchina si fa cultura.

Fu in Tunisia, quando era ancora adolescente, che Azzedine Alaïa scoprì per la prima volta le creazioni di Christian Dior sfogliando le riviste di moda di Madame Pinault. Nel 1956, appena arrivato a Parigi, ebbe l’opportunità di svolgere un breve stage di quattro giorni presso la Maison Dior: un’esperienza intensa che gli permise di immergersi nell’atmosfera unica di una casa di alta moda, osservare il lavoro del capo atelier e assistere alla realizzazione di una collezione. Un momento fondativo che Alaïa avrebbe ricordato con profonda emozione per tutta la vita. Il libro "Azzedine Alaïa and Christian Dior. Two Masters of Haute Couture mette in dialogo le creazioni di Azzedine Alaïa con i capi di Christian Dior che lo stilista aveva pazientemente collezionato nel corso degli anni. Attraverso questo confronto, il volume esplora affinità, rimandi e contrasti tra due maestri dell’alta moda che, pur separati da oltre trent’anni, condividono una stessa sensibilità per la forma, lo stile e l’atto creativo, rivelando una sorprendente continuità nel tempo.

Per chi ama la storia dell’editoria e il fascino del vintage, i mercatini e i negozi dell’usato rappresentano un vero e proprio tesoro. C’è un piacere sottile nell’imbattersi in una vecchia edizione di Centopagine, collana ideata da Italo Calvino e progettata da Bruno Munari per Einaudi, o in un volume della Biblioteca delle Silerchie del Saggiatore, con le raffinate illustrazioni, la grafica pulita ed elegante. Sono libri che raccontano non solo le storie e i significati testuali che contengono, ma anche il periodo in cui furono pubblicati, gli ideali e le speranze di un’Italia in trasformazione. Oggi tali volumi continuano a trasmettere la stessa energia, e il loro design, spesso firmato da grandi grafici, mantiene una sorprendente modernità. La raccolta intende restituire alla memoria collettiva molti di quei volumi, scelti dalla collezione privata dell’autore. Con contributi di: Michele Ciliberto, L'atelier dei libri Mario Piazza, L'esplosione del libro tascabile. La grafica editoriale negli anni ’60 e ’70 in Italia.

"Saggi scelti sulla forma del libro e la tipografia" è un classico della letteratura tipografica: Jan Tschichold, tra i massimi maestri del Novecento, condensa qui una vita di studio del libro antico, pratica di officina e riflessione teorica. Ne nasce una guida compatta e chiarissima su come si costruisce un buon libro, dal formato alla pagina finita. Saggio dopo saggio, l’autore passa in rassegna tutti gli elementi decisivi della progettazione: proporzioni di pagina e gabbia, margini, frontespizio, uso corretto di corsivo e maiuscoletto, virgolette, note, punteggiatura, interlinea; fino ai dettagli di produzione (dorso, segnature, carta, sovraccoperta) e agli errori fondamentali da evitare. Il tutto attraversato da una vera “filosofia della tipografia”: dare al testo una forma leggibile, discreta e duratura. Questa nuova edizione italiana, rivista e riprogettata da Giorgio Cedolin, mantiene un formato maneggevole e valorizza esempi e tavole con un layout nitido e classico. Un manuale indispensabile per tipografi, grafici, editor e studenti: da tenere sempre a portata di mano.

Impossibile pensare ai Pokémon senza Ken Sugimori. Uno dei padri dei “mostri tascabili”, capace di trasformare una fanzine in un’enorme casa di sviluppo. Linee decise e tonde, acquerello a macchia. Creature strane, meccaniche, di roccia, acquatiche, draghi. Figure spaventose o tenere. Lo stile di disegno, il character design, i Pokémon più famosi. Un successo planetario. Videogiochi, anime, merchandising, editoria, giochi di carte. Entrare nella vita di Ken Sugimori è entrare nel mito di una generazione, che ancora oggi vince la fantasia di grandi e piccini. Afferrate la vostra sfera Poké e seguiteci nella storia dietro il mito.

Pagina bianca. Cursore che lampeggia sullo schermo. Tante idee, o forse nessuna. Niente che valga la pena. Il blocco dello scrittore. Michele non sa cosa fare, circondato dai suoi idoli, poster appesi alle pareti della stanza. Vorrebbe essere come Stan Lee, avere idee come le sue. Ma… ne è davvero sicuro? Sarà il vecchio Stan in persona a raccontargli il suo arco di trasformazione, quasi fosse lui stesso un personaggio dei fumetti. E dalla voce che ci ha donato le storie dei Fantastici Quattro, dell’Uomo Ragno e di tanti altri eroi della Marvel, scopriremo che è vero che da grandi poteri derivano grandi responsabilità. Anche se il potere è il talento.

Stilista, imprenditrice, icona del Novecento. Rivoluzionaria. Mary Quant non è solo la madre della minigonna, è la creatrice di un mood, di un’idea nuova di vestire, di liberare il corpo dalla gabbia che avevano rappresentato i vestiti femminili fino a quel momento. Federica Flocco ci guida attraverso la vita di questa grande donna con sensibilità e precisione, ci immerge in un’epoca di cambiamenti, in una Londra grigia del dopoguerra che rise, all’inizio, della visione di Mary Quant, ma che poi ne fu rapita. Una visione che ha cambiato il mondo.

Parole che graffiano le pagine bianche per trasportarci in un viaggio introspettivo attraverso riflessioni quotidiane, considerazioni brevi e incisive sull’amare, sulla libertà, sul valore, sull’essere sé. Interrogativi sul passato e sul futuro, tra nostalgie e illusioni e una giusta dose di follia e ironia, che trasformano la vita con leggerezza. Con un linguaggio tagliente che alterna dolcezza e tenacia, questo artbook chiede soltanto di essere continuato con le parole di ciascun lettore.

Questa raccolta riporta circa 220 tavole usate come fondali nel film Your Name. commentate dai disegnatori. Troverete la natura incontaminata di Itomori, casa Miyamizu, il santuario Miyamizu, il simbolo dell'essenza della divinità, il kataware-doki, i paesaggi di Tokyo, casa Tachibana, la strada verso Hida e tanti altri luoghi del film. In coda troverete anche delle interviste a Makoto Shinkai, ai direttori artistici e agli altri membri del reparto artistico.