Gremese Editore: I migliori film della nostra vita

"Frankenstein Junior" appartiene di diritto alla collana “I migliori film della nostra vita”, semplicemente perché è un film che appartiene alla vita di tutti. È il film di chi ama ridere di gusto, di chi apprezza le parodie e le commedie, di chi adora il cinema americano degli anni Settanta, degli anni Trenta e di tutto quello che è successo nel mezzo, di chi è nostalgico e un po’ rétro, del cinefilo e del fan divertito dell’horror. Frankenstein Junior non è solo un film nato dalla fervida capacità di rielaborazione di Gene Wilder e Mel Brooks: è stato il compagno di viaggio di molti. Un amico verso il quale si prova un affetto viscerale, talvolta accantonato ma capace di riaccendersi con un’improvvisa scintilla che scatta al citare di una frase o nel vedere un’immagine vestita di un inconfondibile bianco e nero. Frankenstein Junior è il lavoro che forse ha meno bisogno di essere analizzato, perché non c’è niente di peggio che spiegare una battuta divertente. Questo libro chiede soltanto di intraprendere un percorso condiviso, per ridere insieme, riflettendo su alcuni aspetti e sottolineandone altri, sul filo del tempo che fu.

Punto d’arrivo della carriera di Ettore Scola e della commedia all’italiana d’autore, "C’eravamo tanto amati" è uno dei film italiani più amati in Italia e nel mondo, straordinaria opera corale cui concorrono l’eccellenza della regia, della sceneggiatura, della musica e della recitazione. Al di là del suo valore cinematografico, è anche una cavalcata comica e insieme amara, quasi chapliniana, attraverso trent’anni di storia, dalle illusioni dell’immediato dopoguerra alle delusioni dell’era democristiana, e un omaggio dichiarato e sentito agli anni d’oro del cinema italiano. Nel cinquantenario della sua uscita, questa monografia ne ricostruisce la genesi, ne ripercorre la storia e le storie, accompagna il lettore scena per scena grazie a un vasto e gustoso corredo di testimonianze, aneddoti, curiosità, e a centinaia di fotogrammi, in modo da fornire un ricordo a chi con questo film è cresciuto e uno stimolo ai giovani di oggi, che possono ancora trarne importanti insegnamenti di cinema, di storia e anche di vita.

Chi è Adriana? Una ragazza come ce ne sono tante: allegra, riposante, che ama divertirsi e si innamora facilmente. Tutti pensano di conoscerla al primo sguardo, tanto il suo animo è ingenuo e prevedibile. Antonio Pietrangeli non è d’accordo e mette in scena, nel film che ha confermato il suo talento e quello di Stefania Sandrelli, un balletto a due tra macchina da presa e corpo attoriale, entrambi strumenti mobili e sinuosi impegnati in un corteggiamento con finale aperto. Questo volume si immerge nell’affascinante lavoro di gestazione, scrittura e pre-produzione del capolavoro di un regista dalla filmografia bruscamente interrotta, cercando, attraverso l’accurata analisi dei vari momenti della vita «casuale e un po’ sconclusionata» di Adriana che ci vengono mostrati, le traiettorie rispettose dello sguardo di un regista, le derive eccentriche dello sguardo di un’attrice.

Il romanzo di Harper Lee dal quale è tratto Il buio oltre la siepe è uno dei più letti di sempre, e il film uno dei più visti. L'autrice analizza non solo i legami tra la pellicola e la fonte letteraria, ma anche il contesto storico e sociale in cui sono stati concepiti (gli Stati Uniti degli anni Sessanta) e ambientati (l'Alabama degli anni Trenta); dall'America del movimento per i diritti civili degli afroamericani a quella delle leggi Jim Crow dall'altro. Ma Il buio oltre la siepe è anche una delle più belle storie sul rapporto tra un padre e la propria figlia, una fiaba che non cessa di incantare e istruire allo stesso tempo.

"Volver" riveste un ruolo chiave per la maturità di Pedro Almodóvar, enfant terrible del cinema spagnolo fattosi maestro celebrato. La pellicola, trascorso qualche anno dal successo di Tutto su mia madre, segna infatti un inedito punto di equilibrio per il regista, unendo argomenti e stilemi del passato (la famiglia, le donne, la solidarietà femminile, la Spagna profonda) a spunti rivelatisi via via più urgenti. Incisivo è il sottotesto politico del film: nel momento in cui nella nazione si spendevano parole infuocate sulla legge per la memoria storica, promossa dal neoeletto governo Zapatero, le vicende di Raimunda (una strepitosa Penélope Cruz, candidata all’Oscar) e di sua figlia Paula, quelle della madre Irene, della sorella Sole e della vicina Agustina, si trovarono a raccontare, in figura, la transizione del Paese dalla dittatura franchista alla democrazia, fra crimini inconfessati, rimozioni consapevoli e presenze fantasmatiche. Un’ulteriore conferma del valore critico dell’opera di Almodóvar, ben lontano dall’essere soltanto lo spensierato cantore di un’effimera movida, innocente e trasgressiva a un tempo.

Amato, studiato e omaggiato da registi di culto come Truffaut, Wenders, Almodóvar e Scorsese, Johnny Guitar è un film che per fortuna sfugge al culto dei musei, non invecchia e a più di settant’anni dalla prima visione sa ancora parlare al pubblico contemporaneo con temi sempre all’ordine del giorno (l’intolleranza, il culto della sopraffazione, la democrazia messa a rischio). Un western misterioso e stravagante, ma anche liberatorio, anarchico, votato all’utopia, segnato dai veleni del contesto politico in cui prendeva forma (la guerra fredda, il maccartismo) ma soprattutto dalla feroce determinazione della protagonista, Vienna (Joan Crawford), che non cessa di evocare la sua voglia di futuro malgrado sia odiata, perseguitata e messa ai margini. Un destino, il suo, che assomiglia in parte a quello del regista del film, Nicholas Ray, sempre incapace di trovare un accordo con i produttori e di conseguenza destinato a perdere la partita col diavolo (il successo, il denaro) ancora prima di giocarla. Johnny Guitar è un western che ha poco a che fare con le regole del genere ma con dentro, vivissima, la fiamma della magia del cinema.

Amato, studiato e omaggiato da registi di culto come Truffaut, Wenders, Almodóvar e Scorsese, Johnny Guitar è un film che per fortuna sfugge al culto dei musei, non invecchia e a più di settant’anni dalla prima visione sa ancora parlare al pubblico contemporaneo con temi sempre all’ordine del giorno (l’intolleranza, il culto della sopraffazione, la democrazia messa a rischio). Un western misterioso e stravagante, ma anche liberatorio, anarchico, votato all’utopia, segnato dai veleni del contesto politico in cui prendeva forma (la guerra fredda, il maccartismo) ma soprattutto dalla feroce determinazione della protagonista, Vienna (Joan Crawford), che non cessa di evocare la sua voglia di futuro malgrado sia odiata, perseguitata e messa ai margini. Un destino, il suo, che assomiglia in parte a quello del regista del film, Nicholas Ray, sempre incapace di trovare un accordo con i produttori e di conseguenza destinato a perdere la partita col diavolo (il successo, il denaro) ancora prima di giocarla. Johnny Guitar è un western che ha poco a che fare con le regole del genere ma con dentro, vivissima, la fiamma della magia del cinema.

In occasione del cinquantesimo anniversario della sua uscita, Caroline Masoch e Jean-Max Méjean propongono un’analisi approfondita di Amarcord, il più felliniano dei film di Fellini, che vi ripercorre, con un sottile gioco tra malinconia e umorismo, gli anni dell’adolescenza riminese e del fascismo. Personaggi come la Gradisca, la Volpina, la tabaccaia, e sequenze come quelle del passaggio del Rex e dello zio matto sull’albero sono ormai archetipi del cinema mondiale. Il film viene qui ripercorso scena per scena, con l’aiuto di una ricchissima galleria di fotogrammi a colori e di svariati materiali critici e informativi, dalle recensioni d’epoca italiane e francesi agli aneddoti sulla lavorazione e sulle scene previste ma non realizzate. Portano inoltre il loro prezioso contributo al libro, con scritti inediti, due assistenti storici di Fellini e testimoni del suo cinema e della sua visione del mondo: Dominique Delouche e Gérald Morin, che di Amarcord è stato assistente alla regia.

Un pregiudicato esce di prigione e si ritrova in un mondo che non riconosce più, ma non può fare a meno di restare fedele ai valori dell’amicizia, della professionalità e del rispetto per le donne. In base ai primi, accetta di guidare una rapina organizzata dall’ex socio che l’ha aiutato a uscire dal carcere, incontrando però complici poco affidabili e dovendo fare i conti con una donna che lo ama – ma che lui non ama – e con un’altra della cui giovinezza e apparente purezza s’invaghisce – ma da cui viene respinto. Schiacciato tra questi due fallimenti esistenziali, il protagonista non potrà far altro che abbracciare un destino già segnato. ll romanzo High Sierra di William R. Burnett viene messo in scena da Raoul Walsh due volte negli anni Quaranta: la prima ("Una pallottola per Roy", 1941) consegna un capolavoro agli anni d’oro del cinema noir hollywoodiano; la seconda ("Gli amanti della città sepolta", 1949) arricchisce la storia del western “adulto” di uno dei suoi film più significativi.

Il grande romanzo americano. Il film dei film. Il più grande successo di tutti i tempi. Il simbolo della Hollywood classica. Via col vento è stato definito in tanti modi nel corso del tempo e ha ben presto costituito un modello preciso di successo commerciale per l’editoria e il mondo del cinema, ma dietro a quello che è uno dei più importanti prodotti culturali del Novecento si sono celate difficoltà di ogni genere: dalla titubanza della sua autrice a dare alle stampe il manoscritto alle complesse e costose riprese del film. Il presente saggio, impreziosito da un’intervista inedita all’attore Mickey Kuhn (ultimo superstite del cast), ripercorre attraverso aneddoti, indagini e confronti le tappe che hanno portato alla genesi tanto del best seller di Margaret Mitchell quanto della pellicola realizzata dall’artifex David O. Selznick. Dobbiamo infatti Via col vento, e l’importanza che ancora riveste, al lavoro di due personalità diverse e distinte come le loro. E nonostante ci si possa rapportare a quest’opera con tutte le problematiche del caso, è incontestabile quanto abbia per sempre cambiato il corso della letteratura e del cinema, tanto da essere ancora oggi una pietra di paragone.

La storia d’amore di Joel e Clementine racconta una dinamica sentimentale universale che ha fatto di questo film un moderno cult movie. Ma questa è anche un’opera complessa, che la critica cinematografica ha sottoposto a molteplici analisi. Questo volume intende documentarle e ricostruire l’arduo rapporto tra fabula e intreccio che, nato dalla riuscita collaborazione tra lo sceneggiatore C. Kaufman e il regista M. Gondry, è valso al film 1 Oscar per la miglior sceneggiatura originale.

Con Amarcord Fellini riprende i temi dell'infanzia, della poesia e del fascismo. Sceglie personaggi e ambienti della sua Rimini e regala alla storia del cinema scene indimenticabili, divenute immagini archetipiche del cinema mondiale. Oltre alla meticolosa analisi sequenza per sequenza, condotta da Masoch e Méjean, il libro include i contributi di due fedeli assistenti del maestro: Dominique Delouche per la prefazione, e Gérald Morin – assistente alla regia in Amarcord –, con un testo inedito sulla preparazione e le riprese del film.