Silvana

Tra i maggiori protagonisti del panorama artistico internazionale tra fine Ottocento e primo Novecento, Francesco Paolo Michetti (1851-1929) si colloca in quel territorio di confine tra tradizione e modernità che caratterizza la cultura a cavallo dei due secoli. Nato in Abruzzo e formatosi a Napoli alla scuola verista di Domenico Morelli e Filippo Palizzi, Michetti sviluppa la sua vicenda artistica tra realismo e simbolismo in uno scenario cosmopolita in cui figurano Parigi, Londra e l’America. Celebrato come uno dei più grandi maestri del suo tempo, le sue opere sono infatti frequentemente esposte all’estero, divenendo oggetto di uno straordinario successo di mercato. Questo secondo volume del catalogo generale, oltre a pubblicare un nuovo corpus di 249 opere, mette per la prima volta in luce come Michetti sviluppi il suo personale linguaggio attraverso un costante confronto con le tendenze più aggiornate del suo tempo, rappresentando a sua volta un imprescindibile modello di riferimento per moltissimi artisti a lui contemporanei tra Europa e Stati Uniti.

Fragili e potenti, i fiori parlano un linguaggio universale capace di attraversare i secoli e le culture. Raccontano emozioni, celebrano la bellezza, protestano silenziosamente e custodiscono storie millenarie. Ed è proprio a loro che il Chiostro del Bramante di Roma dedica una mostra straordinaria. “I fiori sono molto più di semplici elementi decorativi”, spiega Natalia de Marco, Direttrice artistica del Chiostro del Bramante. “Sono simboli universali che rappresentano ogni aspetto della vita: dalla resistenza alla spiritualità, dall’amore al conflitto, dalla scienza all’ecologia.” Questo viaggio sensoriale prende vita in un percorso espositivo che unisce opere del passato e del presente, offrendo al pubblico una lettura inedita del ruolo che i fiori hanno avuto nell’evoluzione della nostra storia e della nostra società.

Artista misterioso, che da sette secoli affascina poeti, pittori, collezionisti e storici dell’arte, Cimabue ha rinnovato profondamente la pittura italiana alla fine del XIII secolo. Aprendo la strada alle ricerche degli artisti del Rinascimento, fu uno dei primi a rappresentare il mondo, gli oggetti e i corpi secondo natura. Nella sua arte, la rinomata tradizione bizantina cede il passo a una pittura d’invenzione che intende suggerire la tridimensionalità degli spazi e i volumi dei corpi con sottili sfumature, caratterizzando i suoi personaggi con gesti naturali ed emozioni umane. La recente acquisizione da parte del museo del Louvre del Cristo deriso, il suo restauro e quello della grande Maestà offrono l’occasione di approfondire le conoscenze su un pittore tanto affascinante quanto centrale nella storia dell’arte occidentale. Il volume, che include testi inediti dei più grandi esperti di pittura italiana del Duecento, colloca Cimabue nel contesto del fermento artistico, culturale, scientifico, spirituale e filosofico che contraddistingue l’Italia del XIII secolo, rivelando tutta l’originalità della sua arte. Riuniti per la prima volta e presentati accanto a opere di Giunta Pisano, Duccio e Giotto, ma anche a icone bizantine e oggetti preziosi provenienti dal Mediterraneo orientale che hanno ispirato l’artista, i suoi dipinti, maestosi, vivaci e colorati, appaiono sotto una nuova luce.

La riconfigurazione degli oggetti, la riappropriazione dei luoghi da parte del popolo e l’individualità dell’artista — che si manifesta attraverso la potenza evocativa di un sogno fantastico — sono le parti del discorso con cui Ardian Isufi mette in scena un percorso che si snoda tra la storia e le utopie di vario segno. La storia viene ripercorsa, e l’ottovolante che l’attraversa — tra dominazioni ideologiche e conflitti senza continuità — proviene dalla storia stessa. Dopo il terrore nascono i sogni, in società aperte, al netto di progetti megalomaniaci. Si sale e si scende, a folle velocità.

Tra i tanti autori che hanno trovato collocazione nella raccolta Gastaldi Rotelli, oggi strutturata da una donna, due in particolare sono presenti con un gruppo significativo di opere: Giacomo Francesco Cipper e Mario Cavaglieri. Due pittori che, distanti nel tempo, nei modi e nel pensiero, avvicinati diventano complementari nel raffigurare, in particolare, aspetti diversi di un tema caro alla collezionista: il femminile. L’immagine della donna, declinata nelle sue varie prospettive, è rappresentazione di un mondo interiore dove convivono protagoniste in antitesi. Popolane e aristocratiche dipinte raccontano storie di quotidianità vere e lontane, e la raccolta che le custodisce è il luogo dove la collezionista parla di sé, esplicitando i tanti aspetti contraddittori della propria personalità e la collezione diventa autobiografia.

Esodo Pratelli (Lugo di Romagna, 1892 - Roma, 1983) è stato un protagonista della pittura italiana della prima metà del Novecento. Simbolista durante la giovinezza, si avvicina nel 1913-1914 al futurismo, complice anche un lungo soggiorno a Parigi. In quel periodo diventa amico di Severini e crea per il cugino, il musicista futurista Balilla Pratella, le scene e i costumi dell'Aviatore Dro, che entusiasmano Marinetti. Aderisce poi, negli anni venti, al Novecento Italiano ed è vicino specialmente a Sironi e Funi. Dalla metà degli anni trenta si dedica al cinema e cura la regia di alcuni fortunati film, ma questo distacco dalla pittura, a cui pure torna sistematicamente già nell'immediato dopoguerra, contribuisce ad avvolgerlo in un cono d'ombra. La presente monografia, scritta da Elena Pontiggia, oggi la più completa sull'artista, ne ricostruisce analiticamente la vicenda, pubblicando anche carteggi inediti e rivelatori. Nel suo saggio l'autrice sottolinea in particolare la raffinatezza della ricerca di Pratelli, i suoi toni affettuosi e confidenziali, l'attenzione alla natura che percorre non solo i suoi paesaggi, ma tutte le sue composizioni.

II primo volume della collana "Quaderni di Scuola" raccoglie gli esiti delle ricerche degli allievi della Scuola di comunicazione e valorizzazione del patrimonio artistico dell'Accademia di Belle Arti di Brera condotte durante la partecipazione a due edizioni del workshop Per Diotti! (a.a. 2021-2022 e 2022-2023), in collaborazione con il Museo Diotti di Casalmaggiore (Cremona). Le tre sezioni presentano al lettore le libere interpretazioni degli studenti chiamati a confrontarsi con le collezioni del Museo, in continuo dialogo con l'istituzione ospitante. La prima raccoglie i video degli studenti realizzati seguendo il format Il museo che ho nella testa, ideato dal Museo Diotti nel 2020; la seconda presenta quattro progetti sul tema dell'atelier d'artista, vero e proprio filo conduttore nel Museo di Casalmaggiore, che conserva numerose testimonianze provenienti dagli studi d'artista e a cui è dedicata un'ala intera. Chiudono il volume le sintesi di due tesi magistrali che approfondiscono due aspetti dello stesso tema, scaturite da questa fruttuosa

Un percorso fotografico lungo oltre cent'anni, scandito sia dagli eventi che hanno collocato la città di Trieste al centro dello scenario internazionale, sia dalle tappe del suo sviluppo economico, demografico, sociale e culturale, visto attraverso il filtro privilegiato della famiglia Wulz, che per più di un secolo gestì l'omonimo atelier fotografico triestino (1868-1981). Il volume presenta quasi trecento immagini, tra stampe fotografiche, negativi, vintage, documenti e oggetti dell'archivio dello Studio fotografico Wulz – conservato oggi negli Archivi Alinari – assieme ad altri materiali provenienti da istituzioni pubbliche, come la Wolfsoniana di Genova, il Museo Revoltella e i Civici Musei di Storia e Arte di Trieste, e da collezioni private. Oltre a uno sguardo inedito sulla storia della città fra Ottocento e Novecento, la rassegna propone una nuova lettura della produzione dei Wulz. In particolare, le fotografie realizzate dalle sorelle Wanda e Marion nell'ultimo periodo di attività dello studio consentono di visualizzare concretamente i progressivi mutamenti dell'identità delle donne, che nei primi decenni del Novecento videro una delle fasi più importanti del loro percorso di emancipazione e indipendenza.

La distraction, les amusements, les jeux sont l'un des premiers besoins de l'homme. L'enfant joue au berceau; le vieillard dans son lit; le pauvre dans sa mansarde comme le riche dans son palais. T. de Moulidars, 1888. La collezione di Giulianno Crippa (1947-2020), donata alla Civica Raccolta delle Stampe "Achille Bertarelli" del Comune di Milano nel 2022, è una delle più importanti raccolte europee di giochi tra il XVIII e il XX secolo. Frutto di un collezionismo privato consapevole e sensibile, si compone di quasi duecento mazzi di carte da gioco e un consistente nucleo di tavolieri, rara quanto autentica espressione della cultura popolare e del vivere quotidiano. Attraverso una selezione mirata e sezioni dedicate, il volume, primo studio sulle opere della raccolta Crippa, documenta il fenomeno ludico nelle sue diverse sfumature, dal gioco d'azzardo al passatempo da salotto, dal gioco didattico a quello di puro intrattenimento.

In un ciclo di seminari rivolto agli studenti dell’Accademia di Brera, sette studiosi si sono confrontati con la complessità moderna di Luigi Sabatelli (1772-1850), autore di cicli decorativi e incisore le cui opere sono oggi conservate, in un significativo numero, nel Gabinetto Disegni e Stampe dell’Accademia. Tra questi esemplari, le serie de L’Apocalisse, La Peste e i Pensieri diversi hanno dato luogo a nuove letture nelle lezioni tenute per gli studenti dell’Accademia. Più che un omaggio alla carriera di un importante maestro, questa raccolta vuole essere un modo di raccontare e rilanciare la sua eredità artistica. Chiudono il volume una breve biografia e una campionatura che affronta la varietà delle forme di schedatura dell’opera d’arte.

Il volume rende omaggio a Robert Mapplethorpe, uno dei massimi esponenti della fotografia del Novecento, tramite un confronto inedito con Wilhelm von Gloeden e i Fratelli Alinari: un raffronto evocativo, a tratti puntuale, che rivela il ricorrere di temi comuni. L’interesse per l’Antico e l’approccio scultoreo al mezzo fotografico rivivono nella scelta dei soggetti, nella definizione delle pose e nelle atmosfere sospese delle composizioni, guidando alla scoperta di un’idea non convenzionale di bellezza e di eros. Gli scatti, ispirati ai canoni della classicità, invitano a interrogarsi sui temi del corpo e della sensualità e si offrono come spunti di riflessione su come arte, morale e spiritualità cambino e si evolvano continuamente nella loro reciproca relazione.