Silvana

Yoktunuz (Eravate assenti) di Ahmet Güneştekin è un corpus di opere volto al recupero della memoria e della storia dimenticata e negata delle civiltà anatoliche, della Mesopotamia e del Mediterraneo, dai cui miti e leggende l’artista trae ispirazione. Un progetto curatoriale inedito, costruito sul dialogo con i capolavori della Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma, in un viaggio di forti emozioni alla scoperta di potenti iconografie che fondano la loro esistenza su epoche e culture remote, assieme a temi di portata universale come l’esodo, le migrazioni, i confini, il senso di comunità e il sincretismo culturale e religioso.

ReverseLab riqualifica e riattiva uno spazio inabitabile nel carcere di San Vittore a Milano, rimasto chiuso dalla seconda metà degli anni ’80 del ‘900, trasformandolo in un luogo dedicato alla produzione artistica e culturale. Grazie al progetto, quest’area dismessa viene convertita in un laboratorio permanente, che ospiterà attività formative rivolte alle persone detenute, ma che sarà anche uno spazio espositivo aperto al pubblico, con l’obiettivo di creare forme di dialogo e integrazione tra il carcere e la città. Uno spazio-ponte tra passato e presente, in cui l’arte diventa la lente attraverso cui carcere e città si guardano: il mezzo attraverso il quale le persone possono esprimersi e condividere le loro storie, in connessione e comprensione reciproca, fra “dentro” e “fuori”.

Da secoli, pratiche rituali, racconti fondatori, figure tutelari e spazi sacri si intrecciano nelle tre grandi religioni monoteistiche del Mediterraneo. Come può un luogo essere allo stesso tempo sacro e condiviso? A dieci anni dalla sua prima presentazione al Mucem e in occasione del Giubileo del 2025, la mostra "Luoghi sacri condivisi" torna alla Villa Medici in una veste completamente rinnovata, offrendo un viaggio attraverso paesaggi che favoriscono la condivisione del sacro. Ideata e coprodotta dall’Accademia di Francia a Roma, dall’Ambasciata di Francia presso la Santa Sede – Pii Stabilimenti francesi a Roma e a Loreto, e dal Mucem, la mostra romana, a cura di Dionigi Albera, Raphaël Bories e Manoël Pénicaud, mette in dialogo due millenni di creazione artistica, da Gentile da Fabriano a Marc Chagall, passando per Dana Awartani e Nira Pereg, con prestiti eccezionali dai Musei Vaticani, dal Museo Ebraico di Roma, dal Dipartimento delle Arti dell’Islam del Museo del Louvre e dal Mucem.

Il breve racconto fantastico – tuttavia strettamente aderente alla storia – ripercorre la nascita del Duomo di Milano, arricchito da suggestive illustrazioni appositamente realizzate. Il viaggio di un solo grande blocco di marmo grezzo, strappato alla sua montagna e trasformato dalle mani di un abile scultore in una magnifica statua del Duomo, ci fa riscoprire il percorso artistico-culturale, ma anche materiale e storico, che attraverso le vie d’acqua naturali e artificiali, quali il famoso Naviglio Grande, ha permesso di spostare un’enorme massa di montagna nel cuore di Milano.

Attraverso una selezione ragionata di opere provenienti da importanti Musei Nazionali e un itinerario che abbraccia tutte le venti regioni del Paese, il volume racconta alcuni dei momenti cruciali, alla ricerca di una identità culturale, che hanno segnato il percorso dell’arte italiana. Partendo dalle tavole quattrocentesche del Maestro di Castelsardo e di Antonello da Messina, fino ai vertici del Rinascimento con protagonisti come Perugino, Raffaello, Sebastiano del Piombo, Pordenone e Andrea Previtali, il viaggio prosegue nel Seicento con la potenza e il rigore dei dipinti di Ludovico Carracci, Giovanni Baglione, Tanzio da Varallo e Sassoferrato, per poi esplorare la magnificenza della pittura barocca grazie alle opere roboanti di Luca Giordano, Cesare Fracanzano, Mattia Preti e Valerio Castello. La delicatezza e la grazia del Settecento prendono forma nelle tele di Pompeo Batoni, Nicola Maria Rossi e Paul Troger, mentre il realismo ottocentesco è rappresentato da un piccolo capolavoro di Filippo Palizzi. Per mezzo di Carlo Levi, le inquietudini del Novecento chiudono il percorso offerto da questo inedito mosaico di personalità che si snoda attraverso alcune delle principali correnti figurative italiane. La rarità delle opere, molte delle quali poco note e qui analizzate dai maggiori specialisti, fa del volume un prezioso strumento di conoscenza e approfondimento.

Il volume è dedicato al progetto dell’artista Linda Fregni Nagler inerente una serie di fotografie giapponesi della scuola di Yokohama (Yokohama Shashin), che hanno per soggetto i venditori di fiori (hanauri), una categoria molto apprezzata di ambulanti nel Giappone dei periodi Edo e Meiji. Le fotografie, risalenti alla metà dell’Ottocento e raccolte nell’arco di vent’anni da Linda Fregni Nagler, sono affiancate da alcune opere dell’artista stessa che ha rifotografato le albumine originali, stampandole in camera oscura e colorandole a mano con una tecnica simile a quella dell’epoca (1860-1910). Questo intervento fa assumere nuovi significati alle immagini, illustrandoci la storia di un preciso modo di guardare all’esotismo e all’alterità. Il tema floreale e vegetale trova un’ulteriore declinazione nei preziosi tessuti kesa della collezione del MAO, nei Kimono, nelle lacche e nelle xilografie presentate in queste pagine.

A Édouard Manet, che lo replica, l’Autoritratto da settantenne di Jacomo Robusti, il Tintoretto, pare il più bel quadro al mondo; per Emilio Vedova è un’identificazione con quello che ha sempre considerato un ‘compagno di strada’, il proprio ritratto fotografico perfettamente sovrapponibile al volto di Jacomo. Formidabilmente amato o detestato, da secoli Tintoretto divide esegeti e detrattori: esaltato dal genio romantico di Ruskin – “non sono mai stato così completamente annichilito di fronte a una mente umana come lo sono stato oggi, di fronte a Tintoretto” – e dalle penne di Goethe, Stendhal o Henry James, è l’interprete di una narrazione pittorica capace di mettere insieme “il disegno di Michel Angelo e ‘l colorito di Tiziano”, la formula che per molti contemporanei racchiudeva tutta intera l’arte del Cinquecento.

A più di vent’anni dalla sua ultima edizione, il Museo Morandi di Bologna presenta il nuovo Catalogo generale della propria collezione, completamente rinnovato nei contenuti e nell’impostazione grafica. Il volume intreccia saggi critici già consolidati con contributi inediti arricchiti da un nuovo apparato iconografico. Una bibliografia aggiornata e una ricca antologia critica completano questa pubblicazione. Ne nasce un’opera che restituisce con chiarezza e profondità la complessità dell’universo creativo di Giorgio Morandi, riconosciuto a livello internazionale come una delle personalità artistiche più significative del Novecento. Più che un semplice strumento di studio, questo catalogo si offre come un omaggio a un artista che ha fatto della pittura una forma di vita, capace di interrogare il tempo, l’arte e l’esistenza stessa, aprendo ancora oggi nuove prospettive di riflessione e di ricerca.

La vita è dentro, nel tempo vano. È la curva immobile di una promessa perduta: la linea che solca la mano. Il tema essenziale narra dell’origine, è la maternità che pulsa nella pittura. L’uso del bianco e del nero traccia un linguaggio che affonda nelle radici oscure della memoria, dove il corpo si trasforma in simbolo e il gesto pittorico in atto di conoscenza e rivelazione. Con Seconda Madre, Oliviero Rainaldi costruisce un universo sospeso tra luce e mistero, dove la pittura diventa celebrazione e inquietudine. Le immagini, allora, custodiscono un senso primordiale che non si affida alle parole, ma a una visione pura ed evocativa, capace di suggerire la grande dimensione ancestrale: quella curva profonda che solca l’esistenza.

L’episodio del lupo di Gubbio, reso popolare dalla versione in volgare dei Fioretti di San Francesco della seconda metà del Trecento, è indubbiamente, nella biografia del santo di Assisi, uno dei più longevi e attuali: si riferisce al “santissimo miracolo che fece santo Francesco quando convertì il ferocissimo lupo d’Agobbio” che terrorizzava la città appenninica, ammansendolo, armato soltanto della propria fede, e trasformandolo, da fiera pericolosa e omicida, in animale amico, frate/fratello, accolto e accettato dalla popolazione. Sebbene tale episodio leggendario abbia goduto di grande successo e diffusione, con poca frequenza si incontra raffigurato in opere pittoriche che illustrano episodi della vita del Poverello di Assisi, ed è soltanto nei secoli XIX e XX che questo tema iconografico raggiunge una vasta fortuna. Il volume approfondisce, nei numerosi saggi, gli aspetti documentari, letterari, agiografici, storici, sociali, artistici e simbolici relativi a questo straordinario racconto, dando conto di dipinti, sculture, disegni, incisioni, ceramiche, illustrazioni che ne hanno diffuso la conoscenza nel mondo.

Finalmente l’opera di Eugene Berman trova casa. Oltre duecento tra dipinti, grafiche e fotografie raccontano l’intero arco creativo dell’artista. Dalle prime esperienze parigine ai contatti con la scena surrealista europea e americana, fino all’amore per il classico, coltivato a più riprese in Italia. Il volume mette in luce la poliedricità del talento di Eugene Berman: l’ampia selezione di dipinti è affiancata dalla documentazione della sua attività di scenografo per il teatro, di illustratore e di colto collezionista di antichità. Non mancano gli approfondimenti di contesto: l’appartenenza al gruppo dei neo-romantici e la partecipazione alla vivace scena visionaria e citazionista della Roma degli anni Cinquanta. Completano il quadro inediti contributi critici firmati dai principali studiosi dell’artista.

Il volume è dedicato al mondo delle confraternite, associazioni laicali attestate sin dal VII secolo, diffuse estesamente a partire dal Medioevo e ancora molto attive ai giorni nostri. Viene indagata in particolare la tradizione dell’abito confraternale, che offre una chiave d’accesso privilegiata per comprendere la natura, gli scopi e le attività di confratelli e consorelle. L’abito sottolinea la comunità fraterna dei membri, li accompagna nella penitenza, nello svolgimento delle opere di misericordia e nella celebrazione del culto pubblico, spesso tramite processioni che ancora oggi attraggono un pubblico molto numeroso di fedeli, curiosi e turisti.