Hoaki

Un’affascinante raccolta di libri sull’arte manuale di piegare la carta, a cura di celebri artisti internazionali e con tanti modelli pratici. Grazie a tantissimi esempi illustrativi a cura di celebri artisti internazionali ed esperti nella piegatura della carta, veniamo introdotti nelle più variegate tecniche di piega e taglio per la creazione di origami, kirigami, leporello e piegatura alla turca, mentre una miniera di modelli e diagrammi pratici di piegatura facili da seguire ci stimolano a metterci alla prova in prima persona. Questo repertorio di forme e strutture è dedicato agli artisti, ai visual artist e agli insegnanti, ma anche agli amanti degli oggetti fatti a mano, dello scrapbooking e degli hobby creativi. Troverete in queste pagine i giusti strumenti al servizio della vostra fantasia, corredati da spiegazioni dettagliate dei metodi e dei processi creativi di sessanta artisti e creatori in attività, provenienti da tutto il mondo. Con oltre cento modelli, molti dei quali ad oggi inediti, il libro è una sintesi della piegatura classica di origami e kirigami, nonché dei meccanismi per piegare la carta utilizzati nella creazione di libri e brochure senza rilegatura, e delle tecniche di piegatura e taglio che rendono possibile il processo. Mentre i modelli esposti evidenziano spesso le basi tradizionali dell’origami e del kirigami, come quadrati e triangoli preliminari e le pieghe a fior di loto e diamante, il lettore troverà anche modelli personalizzati e reinventati. Jean-Charles Trebbi, autore de The Art of Folding e The Art of the Cutting, accompagna il lettore in un tour istruttivo sui diversi approcci di creativi dalla maestria e abilità straordinarie, che hanno dato vita a forme di libri sorprendenti, bellissime, eclettiche e suggestive. Incontreremo Masahiro Chatani, l’inventore dell’architettura origamica, Shuzo Fujimoto, uno dei pionieri della tassellatura di origami, e una schiera di maestri contemporanei come Martin Wall, Paul Jackson, David Brill, Bruno Munnar, Katsumi Komagata, Ed Hutchins, Paul Johnson, Hedi Kyle, Werner Pfeiffer, Alisa Golden, Joan Michaels Paque e molti altri. Con numerosi modelli da copiare, Art of Origami Books vi ispirerà modi nuovi e fantasiosi di trattare la carta, esplorando le tante ed emozionanti possibilità di quest’arte antica.

Un varco sulla professione del designer grafico, sui suoi segreti e processi, arricchito dai consigli dei maestri trasmessi a chiunque desideri ascoltarli. Le idee non nascono da sole. Esse scaturiscono da un processo per lo più organizzato e razionale, ma a volte inconsapevole e magico. In questo libro possiamo trarre beneficio e insegnamento dai processi creativi dei grandi designer grafici e delle più autorevoli voci creative di tutto il mondo. Qui esploreremo il contrasto tra design istintivo e design più cerebrale, passando attraverso il design radicale e d’avanguardia, accanto al design poetico, fanciullesco, commerciale, intellettuale, sovversivo e attento agli aspetti sociali. 26 designer da 15 paesi ci svelano i loro spazi lavorativi, i loro bloc-notes personali e i loro processi creativi. Ci consegnano le chiavi per comprendere ciò che si nasconde dietro alle magnifiche opere che ci ispirano, ci emozionano, ci colpiscono e ci invitano all’azione. In questo libro, è lo stesso processo creativo a farsi fonte di ispirazione, una guida unica nel suo genere alla creatività, con aneddoti e lezioni su come vivere al meglio la nostra parte creativa. Il libro illustra il lavoro e i processi creativi di Ralph Bauer (Paesi Bassi/Perù), Susana Blasco (Spagna), Tomasz Boguslawski (Polonia), Sarah Boris (Londra), Chelsea Cardinal (USA), Ryan Carl (USA), André Da Loba (Portogallo), Isidro Ferrer (Spagna), Veronica Fuerte (Spagna), Rick Griffith (USA), Sebastian Kubica (Polonia), Anette Lenz (Francia), Jiani Lu (Canada), Alejandro Magallanes (Messico), Veronica Majluf (Perù), Fanette Mellier (Francia), Cláudia Mestre (Portogallo), Milimbo (Spagna), Akinori Oishi (Giappone), Alvaro Pecci (Spagna), Stefan Sagmeister (USA), Teresa Sdralevich (Belgio), Akiko Sekimoto (Giappone), Leonardo Sonnoli (Italia), Cihan Tamti (Germania), Jessica Walsh (USA). 26 designer da 15 paesi ci svelano i loro spazi lavorativi, i loro bloc-notes personali e i loro processi creativi.

New Brooches concentra lo sguardo sulla spilla, esplorando le nuove tendenze della gioielleria contemporanea. Curato da Nicolás Estrada, New Brooches concentra lo sguardo sulla spilla, esplorando le nuove tendenze della gioielleria contemporanea. Con una selezione di oltre 400 creazioni di artisti della gioielleria da tutto il mondo, questo volume rappresenta la raccolta più completa sul soggetto. Un must-have per tutti i professionisti e gli studenti di gioielleria o fashion design, questa opera mostra la natura versatile e dinamica delle spille e i molteplici e diversi materiali e forme da cui hanno origine. Fissata al capo di abbigliamento di chi lo porta mediante un semplice spillo, questo ornamento è essenzialmente la tela bianca dell’artista gioielliere, una tela che lo invita a esprimersi senza limiti alla creatività e offre maggiore libertà di espressione di qualunque altro gioiello. La spilla ha continuato a evolversi e ad essere reinterpretata; oggi gioca un ruolo fondamentale nella creazione di nuovi gioielli come piattaforma dell’espressione artistica. Dopo il successo di New Rings, New Earrings e New Necklaces, editi da Promopress, New Brooches rappresenta un valido contributo a tutta la serie. Un compendio d’ispirazione delle creazioni più innovative nell’ambito del design di gioielli moderno.

Questo libro è uno strumento eccellente per imparare a schizzare sul posto. Grazie alla tecnica “nessun disegno preliminare”, i lettori impareranno a usare acquerelli e pennello per dipingere direttamente sui loro taccuini, tracciare rapidi schizzi urbani, tenere diari illustrati e creare affascinanti quadri urbani in esterni. Ideato come un workshop in movimento, con oltre cinquanta esercizi progressivi, questo libro invita il lettore a sperimentare attraverso l’acquerello, traducendo lo spazio e il movimento di forme e colori in insiemi e valori, anziché in contorni e rigide regole della prospettiva. L’autrice, pittrice di scenografie teatrali, urban sketcher e insegnante di urban sketching, mostra al lettore come rappresentare il mondo che ci circonda. Il suo metodo è stimolare il lettore a osservare il luogo, comprenderlo e imparare a scegliere il soggetto per catturare l’anima del luogo stesso, preservando il senso fugacità dell’istante descritto. I temi includono la vegetazione, gli edifici, le forme delle persone, sia in movimento sia da fermi.

"Duotone. Limited colour schemes in graphic design" esplora le possibilità e applicazioni della tecnica di stampa in bicromia, che può applicare due sfumature dello stesso colore, oppure nero e un colore, o, ancora, due colori differenti. Questo processo porta alla luce mezzi toni e particolari, dando risultati vivaci, colorati e sbalorditivi. I progetti selezionati per questo libro coprono diverse categorie del design: loghi, brochure, poster, materiali da imballaggio, copertine di libri, materiali per cartellonistica e mostre, web design per siti aziendali e micrositi promozionali. La grande varietà di disegni rivela la magia della bicromia e il modo in cui designer e artisti fanno largo uso di questa tecnica per creare composizioni ad alto contenuto drammatico e dinamico. La bicromia può essere considerata il prossimo grosso trend del graphic design. Essa esalta la leggibilità, trae il massimo dai disegni minimalisti, senza travolgere l’occhio, ed è una tecnica perfetta per creare atmosfere con facilità.

Questo libro esplora nei dettagli il significato che si cela dietro ai tatuaggi, attraverso un viaggio nel passato e nei simbolismo di quest’antica arte. I tatuaggi, forse una delle più antiche forme di comunicazione e body art, hanno avuto e ancora hanno significati diversi. Dai poteri curativi all’identificazione dei criminali, attraverso miti e credenze diverse, o semplicemente come forma di riconoscimento e affermazione di appartenenza a un gruppo, i tatuaggi rimangono uno dei mezzi espressivi più caratteristici associati a marinai, soldati, crimine organizzato, gang e tribù urbane, ma anche una forma di ornamento del corpo ed espressione di uno stile di vita, di una filosofia o un credo che accomuna moltitudini di persone. Attraverso un’esposizione chiara e intelligente, questo volume svela il significato dei tatuaggi, forma espressiva che ha attraversato indenne lo scorrere del tempo e che anche oggi spiega molto della persona che la sceglie. Dopotutto, un tatuaggio è ben altro che un semplice disegno sulla pelle, è una dichiarazione di intenti. Dai disegni risalenti agli albori della civiltà fino ai modelli contemporanei, ciascun tatuaggio nasconde una storia che questo libro è ansioso di rivelare.

Attraverso la sperimentazione, disegni e dipinti in un bianco e nero semplice solo all’apparenza guadagnano profondità ed espressività che cancellano ogni limite. Ora disponibile in edizione tascabile, questa pubblicazione del celebre illustratore Victor Escandell, ricca di dettagli visivi, è dedicata esclusivamente alle infinite possibilità creative del disegno e della pittura in bianco e nero. I materiali tradizionali e moderni, così come le tecniche e le applicazioni (inchiostro di china, matita, penna, bambù, grafite idrosolubile, matite colorate, gouache, diversi tipi di pennarelli per diversi supporti, grattage, ecc.) sono descritti in modo chiaro per consentire tanto ai neofiti quanto agli artisti esperti di sperimentare quanto appreso ed esplorare la propria creatività. Ciascun capitolo tratta una tecnica specifica e contiene informazioni utili come i metodi e i materiali utilizzati, esempi illustrati e interessanti aneddoti sull’origine di ogni tecnica, oltre ai trucchi del mestiere e numerose variazioni e riferimenti ad altri autori classici e contemporanei. A valorizzare la dimostrazione nei dettagli di ogni tecnica, un breve video al quale il lettore può accedere tramite un codice QR.

Con tantissimi esempi di layout contemporanei e informazioni di natura pratica, questo libro offre al lettore una solida base tecnica per un design editoriale efficace. Ora disponibile in edizione tascabile, questo volume illustra in modo esaustivo la tecnica dei principi base dell’impaginazione, ampio settore che include l’organizzazione sulla pagina dei caratteri tipografici, delle immagini, dei colori, degli oggetti e delle griglie. Il libro presenta anche un panorama delle tendenze e degli stili appartenenti al design editoriale contemporaneo, attraverso una selezione di 100 progetti da quotidiani, riviste, cataloghi, libri, brochure e poster. Con l’aiuto di casi studio, trucchi e suggerimenti, il lettore potrà acquisire una comprensione generale delle basi del design editoriale: dimensione del foglio, unità tipografiche, storia della tipografia e degli stili dei diversi caratteri tipografici, elementi del layout, interazione tra le sezioni e il modo ottimale di veicolare un messaggio visivamente. Un punto di riferimento ineccepibile per i designer alla ricerca di soluzioni pratiche e ispirazione.

Display Art illustra esempi rivoluzionari di visual merchandising e spazi espositivi in vetrina da alcuni tra i negozi più glamour del mondo, direttamente dalle menti creative degli art director, dei designer grafici e di vetrine. Il visual merchandising è in grado di ispirare i consumatori a interagire con i prodotti, distinguere un brand dai suoi concorrenti, favorirne la preferenza e promuoverne l’acquisto. Questo libro mette in evidenza il rapporto tra brand, consumatori, prodotti e ambiente espositivo, attraverso esempi di racconti visivi provenienti da alcuni degli empori della moda più glamour di tutto il mondo, come Hermès, Karl Lagerfeld, Cartier e Fendi, ma anche da piccoli outlet, department store, musei e librerie. I progetti inclusi nel volume mostrano una vasta gamma di idee di rinomate agenzie di design grafico e designer di boutique messe in pratica con successo, che si concentrano su aspetti come struttura, texture, illuminotecnica, lettering personalizzato, illustrazioni divertenti, delicato paper crafting e installazioni realizzate in diversi materiali, come legno, acciaio, tessuto o gomma. Tutte queste esposizioni sono caratterizzate da una grafica seducente, che si rivolge ai sensi e agli istinti dei consumatori e dei passanti. Una selezione imponente che mostra progetti di estrema sofisticatezza, ma anche esposizioni semplici, minimali e ad alto tasso di creatività; questo libro è la fonte di ispirazione perfetta per art director, visual merchandiser e professionisti della moda. I brand includono: Adidas, Aïshti, Alko, Booma Group, Cartier, Chloé, Coach, COS, Debenhams, Diesel, Dolce & Gabbana, Fendi, Fortnum & Mason, Hackett, Harmay, Hermès, UNIQLO, Issey Miyake, John Lewis, Joseph Fashion, Karen Miller, Karl Lagerfeld, Kiko Milano, Lacoste, LaGalleria, Le Bon Marché, Liberty, Mulberry, Nordiska, Oasis, Printemps, Q25, RIBA, Seibu Shibuya, Selfridges, Tate Modern, Topshop. Uno strumento ispiratore per la creazione di spazi commerciali che incentivano gli acquisti.

Questo libro, il secondo volume del precedente Eat & Go, è una vetrina dei progetti internazionali più recenti, innovativi e di successo in materia di design e identità di brand per caffè, ristoranti, bar, dessert shop e bakery. Nel mondo di oggi, traboccante di informazioni, le aziende di cibo e bevande non possono limitarsi a offrire prodotti di alta qualità, senza tenere nella dovuta considerazione anche un’identità visiva inconfondibile, un design grafico che si distacchi dal resto e valide idee di comunicazione. Per queste realtà imprenditoriali, un branding esclusivo comincia da elementi basici come il logo, lo slogan, il font e la combinazione cromatica, per riflettersi infine nel prodotto, nel packaging e nel relativo design. Attraverso spunti di ispirazione per shop designer e imprenditori del settore alimentare, questo libro si concentra sul design grafico e mostra come un’identità visiva inconfondibile può aiutare le aziende ad attirare clienti e raggiungere il successo. Non mancano casistiche e una grande quantità di esempi.

Il secondo volume offre un approccio fresco alle combinazioni dei colori attraverso palette completamente nuove, organizzate per stagione. Di che colore è l’estate? Ha il color acquamarina trasparente delle piscine, il rosso brillante dell’anguria o il rosa delicato dell’interno di una conchiglia? Se questi colori definiscono l’estate, quali sono i colori dell’autunno? E quelli dell’inverno? E della primavera? In Palette Perfect, Volume 2, la designer e autrice best-seller Lauren Wager esplora le molteplici possibilità delle applicazioni cromatiche per stagione, guidando il lettore attraverso una presentazione ispiratrice di accostamenti di immagini e combinazioni di colori. Le palette di colori vengono rappresentate in modo fresco e dinamico, consentendo al lettore di vedere come determinate tonalità si completano a vicenda in primo piano e sullo sfondo, accostati l’uno all’altro o distanti tra loro. Questo formato è un approccio diverso alle palette di colori presentate nel Volume 1 e offre i valori RGB e CMYK agli artisti che desiderano tradurre i colori nel linguaggio del web e della stampa. Questo volume, al contempo una guida pratica e un libro di ispirazione per designer, illustratori, architetti e artigiani, ma anche pensato per gli amanti della decorazione domestica e della moda, professionisti o meno, offre esempi di applicazioni cromatiche nel mondo dell’arte contemporanea, della moda, degli interni, della fotografia e del design grafico.

Il primo volume comprendenti tutti gli aspetti della modellistica per l'abbigliamento femminile. Questo libro offre un approccio onnicomprensivo ai fondamenti della stesura di modelli bidimensionali della gonna in tutte le sue forme e variazioni. La pubblicazione contiene il metodo perfetto per la creazione di gonne, spiegato in maniera semplice, chiara, precisa e ricca di dettagli. Vi sono incluse le informazioni necessarie alla stesura dei modelli bidimensionali per la stragrande maggioranza di stili esistenti e può adattarsi facilmente a tutti i livelli di abilità. La stesura del modello bidimensionale è il processo attraverso il quale viene creato un volume a partire da una superficie 2D, tracciando un modello su carta tramite l'utilizzo di specifiche misure corporee e aggiungendovi vestibilitò in base al look pensato per quell'indumento. Sviluppato dal designer di moda e docente Dominique Pellen dopo molti anni di esperienza in atelier e in aula, il metodo per creare e adattare i modelli bidimensionali esposto nel libro è adatto a un vasto pubblico che include professionisti, studenti o anche semplicemente gli amanti della sartoria. Il libro è già stato adottato in scuole e istituti professionali, dove il metodo Pellen ha dato prova di essere affidabile e infallibile. Questo ricco e aggiornato volume sulla gonna è il primo di una serie di guide che andranno a esplorare l'appassionante mondo delle creazioni di moda, un varco pensato per aiutare i sarti e chi si occupa di moda a capire e disegnare i propri modelli. Dominique Pellen ha studiato disegno e pittura e ha concentrato la sua carriera artistica su fashion design e modellistica. Dal 2003 alterna collaborazioni con diversi marchi con lezioni di styling, design e modellistica presso la scuola esclusiva della Chambre Syndicale de la Couture Parisienne (l'Associazione di Commercio Haute Couture di Parlai).