Diarmonia: Piccoli saggi

Non è facile definire con esattezza cosa sia una Banda, o meglio le definizioni attualmente diffuse sono molto generiche e non chiariscono in che modo essa si differenzi realmente da altri tipi di complessi strumentali. Ci si limiterà dunque a definire la Banda musicale come un complesso formato da strumenti a fiato e strumenti a percussione. La Banda ha origini antichissime: ha sempre affascinato i popoli di tutte le civiltà, ed era considerata espressione musicale del popolo.

Ferruccio Busoni, grande pianista e compositore, è oggi pressoché ricordato per i suoi scritti più che per le sue opere musicali. Compositore particolarmente profondo con un’idea di musica tutta sua: un teorizzatore della musica, un precursore della musica elettronica e inventore del “Nuovo classicismo”. Attraverso le sue composizioni si percepisce l’evoluzione del suo genio musicale, e spesso viene da chiedersi come mai un compositore come Busoni oggi sia poco eseguito e poco amato in generale.

Il nome di “clarinetto” è un diminutivo di clarino: spesso parliamo di questi due strumenti come se fossero uguali, ma in realtà non hanno nulla in comune, dato che il clarino è uno strumento di metallo (utilizzato a partire dal 1700 circa) e prende questo nome dal registro più acuto della tromba, però per il suo suono dolce sembra quasi essere costruito in legno. Proprio per questo motivo il clarinetto ha preso il nome dal clarino.

"Con questo mio lavoro, ho voluto tracciare le origini delle bande musicali nel nostro Paese ed il loro ruolo come componente storica, sociale, culturale ed economiche dei nostri territori, soffermandomi su coloro i quali, nel corso degli ultimi secoli, hanno fornito un valido contributo per l’affermazione di tali formazioni musicali, presenti un po' ovunque. In tale cornice, ho voluto parlare del mio strumento, ovvero del clarinetto, e della sua evoluzione nella storia, sia in chiave tecnica che autobiografica, soffermandomi sulla sua funzione pedagogica e di come la musica in generale, ed il clarinetto in particolare, abbiano influito sulla mia crescita e formazione musicale."

Sorta nei primi anni del XVIII secolo a Napoli, la commedia musicale era caratterizzata da alcuni punti specifici, innanzi tutto l'uso frequente del dialetto napoletano, che, non si trattava della semplice adozione di un registro linguistico, ma dell'uso anche di abiti, ambienti, musiche, balli e ritmi dello spettacolo totalmente diversi dall'opera seria. L'adozione del dialetto, la lingua napoletana, di personaggi e scenografie popolari, testimoniavano la vocazione realistica di questo genere. La commedia napoletana Settecentesca fu anche una espressione artistica distinta dall'intermezzo per complessità d'impianto, infatti essa mette in scena dai sette ai nove personaggi e di struttura si estende in tre atti. I personaggi possono essere sia seri che buffi e si esprimono in linguaggi diversi: i personaggi seri, appartenenti alla borghesia cittadina si esprimono in lingua toscana e cantano in uno stile simile a quello dell'opera seria mentre i personaggi buffi di estrazione plebea si esibiscono in canzonette di facile vena melodica spesso con testi in lingua napoletana.

Nel secolo scorso, sono esistiti generi e correnti artistiche variegate della durata anche solo di un decennio, al contrario di quanto accadeva nel XVII o XVIII secolo; l'arte era in continua evoluzione, specialmente nel secondo dopoguerra: infatti, è in quel preciso momento storico che nasce il brano in questione. Nel 1948, Paul Hindemith decide di creare questo brano per un motivo ben preciso: lasciare un messaggio importante, esprimere come è giusto che sia il suo pensiero artistico, culturale ed umano.

Il presente lavoro si propone di far luce su uno dei più grandi compositori del secolo scorso, troppo spesso dimenticato, soprattutto in Italia: il Maestro Ferruccio Busoni. In particolare, il nostro studio si focalizza sull'analisi generale del Concertino op.48 per clarinetto e piccola orchestra.

Sin dall'antichità l'uomo attraverso gli strumenti musicali ha avuto necessità di trasmettere e comunicare messaggi di ogni tipo, a volte per riti popolari oppure semplicemente per intrattenimento. La sintesi di questo gesto è che il suonatore trasmette una sensazione, un'emozione che nasce dall'animo e si traduce in suono attraverso uno strumento musicale. Il nostro moderno clarinetto, che da molti è stato definito lo strumento musicale che più si avvicina alla voce umana proprio grazie al suo timbro, evoca una sensazione di malinconia e dolore, traducendo in musica i sentimenti profondi degli autori di ogni epoca.

Argomento principale di questo saggio è lo studio dei quadri di Caravaggio attraverso l'iconografia musicale analizzando soprattutto l'aspetto musicale. Ho ritenuto opportuno cominciare tale lavoro facendo rifermento ai vari studi condotti sulla disciplina iconografica, una disciplina molto recente che si occupa di analisi e indagine delle opere d'arte senza sottovalutare il rapporto con la musica e l'apparato organologico dunque i vari strumenti musicali e spartiti che emergono nelle opere d'arte. Con l'espressione iconografia musicale è indicato tutto l'apparato di illustrazioni e si intende la disciplina che studia e analizza storicamente le immagini a contenuto musicale allo scopo di documentare la biografia di un musicista, particolare aspetti della cultura di un'epoca, caratteristiche organologiche di strumenti musicali, oppure per evidenziare relazioni che intercorrono fra tali immagini e l'ambito culturale cui esse appartengono. Soprattutto negli ultimi decenni del Novecento essa ha avuto un processo di graduale trasformazione dell'Iconografia musicale in specifica disciplina musicologica.