Arcana: Musica

Nel 1962, un gruppo ancora sconosciuto chiamato Rolling Stones iniziò a incendiare la scena musicale londinese suonando cover di R&B americano. Una sera, prima di lanciarsi in "Sweet Little Sixteen" di Chuck Berry, il cantante Mick Jagger annunciò che lui e i chitarristi, Brian Jones e Keith Richards, stavano cercando un quarto compagno di casa. James Phelge, all'epoca un beatnik in cerca della sua strada, accettò l'invito e per oltre un anno si ritrovò a vivere con la band in un appartamento di Chelsea da quattro sterline a settimana. Ricchissimo di aneddoti divertenti, "Io e gli Stones" è la storia inedita di quei giorni pieni di incoscienza e di speranza, in cui le intemperanze tipiche dei ventenni che sputano sulle pareti e orinano nelle bottiglie di birra dei vicini procedono di pari passo con l'esplosione di un talento destinato a conquistare il mondo. Testimone diretto di ogni scatto creativo e di ogni trasgressione di Jagger e soci, Phelge riporta dettagli significativi dei primi concerti della band, dell'atmosfera dei backstage e del senso di cameratismo che animava le future star del rock inglese, già allora fedeli in modo intransigente ai loro ideali anti-establishment. Con una prosa semplice e appassionante, Phelge ricostruisce le dinamiche - dalla leadership di Mick Jagger all'isolamento di Brian Jones - che posero le basi per la più fortunata e longeva carriera della storia del rock.

Questo libro è come la musica che intende celebrare: breve, veloce, sguaiato e rumoroso. Non è pubblicato da una major, e il suo linguaggio non somiglia a quello di una tesi di laurea al Dams. Il suo autore non dà alcun credito alle spedizioni archeologiche degli Indiana Jones che periodicamente riscoprono le origini del Punk nell'avanguardia. Al posto delle citazioni da "La società dello spettacolo", qui troverete inebrianti salti di palo in frasca, testi scurrili e sessisti, feroci invettive, beffardi attacchi alla mitologia pro-situazionista, riferimenti a band e compilation sconosciute, un'analisi della musica Oi! che ha ben pochi precedenti, lugubri storie di neonazismo (per esempio, quella triste degli Skrewdriver), resoconti di splendide risse, nonché un'esposizione degli errori più stupidi compiuti nel 1993 dalle cosiddette Riot Grrrls. L'autore ha trascorso la propria adolescenza nel maelstrom del Punk Rock britannico, e la sua memoria è una vena aurifera di aneddoti ed esilaranti cazzate.

Si possono dire un sacco di cose su chiunque in un minuto. Se si sa scegliere il minuto giusto. Qui ce ne sono 228. Segui "il Mike Tyson degli intervistatori" mentre fa piangere Lady Gaga, tiene lontani i Motley Crue dalla prigione e viene rapito da Courtney Love, spara con Ludacris, si fa un giro con Neil Young e va in chiesa con Tom Cruise e sua madre, passa la notte con Trent Reznor, legge la mente di Britney Spears e scopre la religione con Stephen Colbert, riceve una serenata da Leonard Cohen, viene preso di mira dai Led Zeppelin e minacciato dalla Mafia, raccoglie segnali psichici con la CIA, pannolini con Snoop Dogg e dritte per la sopravvivenza in carcere con Rick James, cena con Gwen Stefani, si fa un bicchiere con Bruce Springsteen e un idromassaggio con Marilyn Manson, discute di glam con Bavid Bowie, di droga con Madonna, di morte con Johnny Cash e di sesso con Chuck Berry, viene molestato dagli Strokes, litiga con Prince e finisce a letto con... lo scoprirete all'interno.

"Giorni di sogni e speranza" svela le immagini intime e finora inedite di un giovane Bruce Springsteen come potevano essere catturate solo da un amico e da un confidente. Nato e cresciuto nell'ambiente working class di Asbury Park, New Jersey, Springsteen è da oltre tre decenni uno degli autori e performer più influenti del mondo. Nato e cresciuto anch'egli nel New Jersey operaio, il fotografo Frank Stefanko incrociò il cammino di Springsteen grazie a un'amica comune, Patti Smith. Il loro incontro diede vita a una collaborazione fotografica che durò dal 1978 al 1982 e sfociò nella realizzazione delle copertine di due dischi epocali, Darkness on the Edge of Town e The river. Ora vedono la luce 88 di quelle immagini tratte dall'archivio personale di Stefanko. "Giorni di sogni e speranza" presenta una selezione di ritratti candidi e personali, accompagnati dai ricordi scritti del fotografo sul suo lavoro e la sua amicizia con Bruce Springsteen.

Massimo suonatore di sitar e ambasciatore della cultura indiana nel mondo, Ravi Shankar ha trascorso gli anni dell adolescenza come danzatore nella Parigi e nella New York glamour degli anni Trenta. Dopo aver studiato con il maestro di musica indostana Allauddin Khan, la prima parte della sua carriera è culminata nel tour del 1954 nella Russiva sovietica. Nel 1956, la decisiva incursione in Occidente lo ha reso il primo artista indiano a colmare il gap tra le due culture e a incoraggiare l'apprezzamento e la conoscenza della musica indiana in Europa e in America. Da affermato artista intemazionale, Shankar ha poi continuato a vivere in India spostandosi frequentemente all'estero per incisioni, concerti e festival. L'incontro con George Harrison nel 1966 ha dato il via a una lunga amicizia e a una collaborazione dalla quale è nata l'idea di questo libro autobiografico. "Raga Mala" presenta preziosi contributi di una grande varietà di amici, tra cui Yehudi Menuhin, Zubin Menta e Philip Glass. I folli tempi dello stardom degli anni Sessanta -di Monterey, di Woodstock, del Concerto per il Bangladesh - sono narrati al contempo con gusto e distacco. In questo appassionato e schietto resoconto personale, Ravi Shankar mette in scena le stesse qualità che distinguono la sua natura di uomo e di musicista: una miscela di fascino e candore, decoro e umiltà, profonda spiritualità e spontanea irriverenza. Introduzione di George Harrison. Postfazione di Yehudi Menuhin.

Terry Rawlings è una delle figure cardine della scena Mod inglese dalla fine degli anni Settanta. Appassionato e studioso della cultura sixties autoctona, ha seguito l'evolversi del Mod-revival a fianco di gruppo come Jam, Chords, Purple Hearth e Long Tall Shorty.

Afterhours, Luigi Tenco, CCCP Fedeli alla linea, Fabrizio De André, Diaframma, Piero Ciampi, Offiaga Disco Pax, Franco Battiato, Rino Gaetano, Gino Paoli, Marlene Kuntz. Tiamottì! è una dichiarazione d'amore. A fumetti. L'amore è il filo rosso che lega brani di ieri e di oggi, tradizionali e moderni, mainstream e alternativi, leggeri e profondi. Ma Tiamottì! è anche un omaggio al fumetto italiano: il titolo del progetto deriva infatti dall'omonima storia riproposta in questo volume, ispirata a quella "Ti amo" di Umberto Tozzi che per antonomasia è la canzone d'amore italiana nel mondo. Quell'interpretazione geniale, stravolgente e paradossale ritorna oggi come fonte d'ispirazione per sette protagonisti dell'attuale panorama fumettistico italiano, autori di talento che, basandosi sui testo e sulla musica di undici canzoni, hanno generato altrettante storie originali, piene di fantasia e di amore. La soggettività della narrazione, l'eterogeneità di stili e la trasversalità della scelta dei brani danno vita a un suggestivo equilibrio sospeso tra ironia, malinconia, non sense, realismo e pop.

“Emozioni private” è un testo prezioso nella sterminata bibliografia battistiana. La vita e le opere del grande artista scomparso venticinque anni fa sono oggetto di un’accuratissima ricerca di informazioni condotta attraverso i giudizi di chi lo ha frequentato più da vicino, a cominciare da Mogol, che in una lunga conversazione con l’autrice svela molti segreti della sua amicizia e della sua fertile collaborazione con Lucio. La ricerca effettuata da Amalia Mancini mette in luce una personalità che nei suoi tratti esteriori e nei suoi discreti comportamenti di uomo di spettacolo non manifestava a tutti la sua intima essenza, così bene trasmessa invece nella sua musica. Già nella prima parte del volume sono posti in rilievo quei temi che verranno poi ripercorsi nella seconda parte, che analizza le singole opere: il tema dell’amore, della malinconia, della libertà, della natura, dell’ecologia, della paura, dell’alienazione, della solitudine, del timore di una catastrofe naturale e umana. «Ascoltare significa qualcosa» dice Lucio, e riascoltare può essere un’operazione stimolante e coinvolgente. Questo libro, perciò, stimola e coinvolge trascinando a sua volta il lettore che viene sospinto a risentire parole e musica dell’opera di Lucio Battisti, immortale nel suono e nel ricordo. La seconda edizione di questo libro è un’occasione imperdibile per riscoprire questa lettura attraverso le voci degli amici e collaboratori di Lucio, preziose fonti di informazioni per la sua conoscenza.

“Musica imprevedibile” affronta un campo di indagine, quello dell’improvvisazione libera collettiva, connotato da consistenza bibliografica ridotta, e tuttora oggetto di dibattito artistico-scientifico, cui si affianca, tuttavia, una diffusa e crescente pratica quotidiana in tutto il mondo: il testo si configura quindi come un vero e proprio manuale per i praticanti, gli studenti e gli amanti della musica improvvisata collettiva. La prospettiva di lettura è multiforme, proponendo sia uno sguardo storico dell’improvvisazione collettiva dal secondo Dopoguerra, sia la descrizione di alcuni metodi di creazione collettiva e di analisi delle modalità di training e performance: sistemi di analisi e studio dell’improvvisazione, ancora costantemente in progress, si affacciano nel panorama musicologico e vengono introdotti per consentire un approccio di studio a chi si avvicini alla disciplina. Dal testo emergono alcune figure chiave della musica recente quali John Cage, Karlheinz Stockhausen e Cornelius Cardew, ma anche una galassia di esperienze e pratiche che si sono succedute nel tempo, con una ricchezza espressiva straordinaria, in luoghi come Roma, New York, Londra, Amsterdam e numerosi altri. Infine, il libro propone anche alcuni progetti improvvisativi dell’autore, orientati a una pratica che vuole costantemente rinnovarsi senza rinunciare al supporto insostituibile della tradizione come della tecnologia.

Il mondo dello spettacolo ha le sue regole, le sue leggi e le sue consuetudini. In particolare, questo lavoro cerca di chiarire determinati aspetti teorico-pratici che coinvolgono la quotidianità di chi si occupa di spettacolo, con un particolare riguardo alla professione di musicista. Il libro è articolato in due parti: la prima concernente l’apparato legislativo che regolamenta il settore dello spettacolo con tutti gli adempimenti e gli aspetti contrattuali. La seconda parte, invece, si sofferma su di un argomento sempre d’attualità: il diritto d’autore delle opere musicali. Dal contratto di edizione a quello con la casa discografica; la tutela del gruppo musicale; la tutela della proprietà intellettuale; le differenze tra il diritto d’autore e il copyright; il plagio musicale; le società di gestione collettiva dei diritti d’autore; i diritti connessi, nonché la contrattualistica di riferimento.

Il periodo tra il crollo dei blocchi del XX secolo avvenuto alla fine degli anni Ottanta e la nascita del nuovo ordine dopo il G8 di Genova e gli attacchi dell’11 settembre 2001 rappresenta un periodo di mancanza di punti di riferimento, che ha permesso dei momenti creativi nuovi e imprevedibili, dal grunge al crossover all’esplosione dell’elettronica e della dance come musica di massa. In questo periodo gli U2 si impongono come una delle principali rock band del pianeta con due album e un tour che hanno segnato quel decennio e non solo. achtung baby, settimo album di studio degli U2, esce il 18 novembre 1991, dopo un periodo travagliato per la band, che ha anche rischiato di sciogliersi. È un disco rivoluzionario, che cambia la carriera della band di Dublino e il volto del rock sia dal punto di vista musicale, sia da quello dell’immagine. Insieme a zooropa, pubblicato nel 1993 e soprattutto allo Zoo Tv Tour, che ha portato la musica di questi due dischi in tutto il mondo con 156 concerti e un pubblico totale di 5,3 milioni di spettatori, è uno degli eventi che meglio rappresentano la svolta stilistica e culturale degli anni Novanta e anticipano molti temi al centro della discussione sulla comunicazione, sul sovraccarico informativo e sul potere sempre più grande dei mass media nella vita dell’uomo. “But We’re Not the Same” (citazione dal testo di One) racconta quegli anni, che sono stati senza alcun dubbio il periodo di massima creatività di Bono e compagni, con picchi mai raggiunti prima e mai replicati dopo.