Storia dell'arte: stili artistici

In numerose, memorabili occasioni (saggi, mostre, lezioni universitarie) lo storico dell'arte Francesco Arcangeli ha illustrato quel «rapporto radicale con il mondo della natura» che, secondo lui, dal tardo medioevo e con esiti sino ai suoi giorni, aveva fortemente e indelebilmente caratterizzato l'arte di Bologna e più in generale della pianura padana. È stato anche partendo da queste suggestioni ricevute già in giovinezza nell'aula universitaria e divenute radicate convinzioni (poi rafforzatesi attraverso lo stretto rapporto stabilitosi con Paolo Prodi e la lettura dei suoi fondamentali studi sul cardinale Gabriele Paleotti dai quali emergeva pure l'importanza della figura del naturalista Ulisse Aldrovandi), che l'autore ha dedicato buona parte della sua attività di ricerca - uscendo, almeno in parte, dallo specifico campo della storia dell'arte - alle modalità con le quali si è svolto lo studio della natura nell'area emiliano-romagnola nel corso dell'età moderna. I saggi raccolti nel presente volume, pur se scritti per occasioni e in tempi diversi, rientrano in questo filone di ricerca e, più in particolare, hanno cercato di illustrare i due strumenti fondamentali che hanno consentito agli studiosi dell'epoca di progredire nel campo della storia naturale: la collezione e la raffigurazione di animali, piante e minerali.

Il senso eccezionale di questa mostra è far convergere l'attenzione della contemporaneità sul complesso monumentale di Palazzo d'Avalos. Abbiamo chiesto ad artisti straordinari, di provenienza nazionale ed internazionale, di risuonare emotivamente, di situarsi nella vicenda di reclusione e abbandono del luogo, nonché nella sua rinnovata vocazione all'inclusione. Gli artisti hanno risposto contribuendo a costruire un immaginario potente, che ci consente oggi di provocare questo luogo alla vita, attraverso l'utopia: la forza dell'utopia è quella di spingerci al cammino. La mostra inaugura, infatti, un cammino di trasformazione verso uno scenario di produzione culturale, di riconquista di valori, di bellezza e di potenza. In questo cammino, l'arte è lo strumento, il contenuto e il linguaggio di esperienze e conoscenze. Una mostra d'arte contemporanea nelle celle dell'ex carcere di Procida in occasione dell'anno da Capitale Italiana della Cultura.

"Fili d'ombra, fili di luce" ci lascia entrare nei luoghi di lavoro dei detenuti che in passato hanno scontato la pena nel carcere di Palazzo d'Avalos. Ci permette progressivamente di fare esperienza di interdizioni e accessi, ci accompagna e vede maturare la sensibilità per intuire, per via di un rimando flebile e delicato, il tempo segreto dei carcerati lavoratori: il loro rifugio dalla prigione era un luogo mentale, interiore, che le ore di lavoro gli donavano, un luogo di riparo, di evasione, all'interno di un luogo di isolamento e pena: un tempo di autenticità nel tempo spersonalizzato del penitenziario... Nel carcere, luogo d'ombre e di dolore, risuonava il rumore dei telai che producevano tessuti di lino; le mani dei carcerati tessevano trama e ordito di meravigliose tele, vendute in tutta Italia. Le mani delle donne di Procida trasformavano poi quei tessuti in capi di corredo sapientemente ricamati e oggetti per la quotidianità, illuminando con il loro candore la vita domestica. Una mostra sulla storia del lino prodotto nella colonia penale in occasione dell'anno da Capitale Italiana della Cultura.

Lo sguardo di Biasiucci ha il garbo e la volontà di scoperta della mano che cerca, raccoglie, accumula e ricompone. La penombra degli ambienti del carcere, da lui immortalato, si lascia pervadere dalla luce del paesaggio. Il limite, il muro, le grate rivelano la mobilità delle forme. I frammenti che compongono la sua maestosa opera sono episodi, dettagli, squarci nella memoria che si ordinano in un racconto. Oggetti, strumenti, abbandonati o feriti dalla luce tagliata dalle sbarre, la moltitudine di spezzate solitudini si aggrappano a un tutto, cornice dopo cornice. Il quadro, nella sua interezza, si configura e appare tra il visto e l'immaginato, tra luce e buio, ora chiusi, ora dilatati.

"The tending of the otherwise" raccoglie giovani artisti e artiste dell'area euromediterranea che esplorano nuovi immaginari. Oggetto comunicativo e sotteso politico delle opere sono le sfide dell'ecologia e dell'inclusione sociale, i processi di soggettivazione in relazione alle strutture sociali preesistenti, il ruolo dell'innovazione urbana e ambientale in contesti geopolitici fragili, la necessità di un downshifting nelle scelte economiche e culturali. I grandi temi della contemporaneità sono guardati attraverso la lente dei territori mediterranei. Articolato attraverso una mostra, interventi relazionali, un programma performativo ed uno cinematografico, un programma pubblico ed uno di residenze di produzione artistica direttamente in connessione con l'isola, The tending of the otherwise ha ciclicamente riacceso l'attenzione sulle opere, sui giovani artisti ed artiste, accomunati da quelle rotte ideali che tengono in costante, viva connessione il Mediterraneo.

artQ13 è uno spazio indipendente, fondato a Roma nel 2014 da Carlo Caloro e Britta Lenk, che produce e sostiene attività di ricerca, sperimentazione e realizzazione di progetti espositivi ed editoriali.Synchronicities è il risultato di uno di questi esperimenti. Il catalogo, raccoglie le testimonianze di compositori italiani e internazionali offrendo uno sguardo parziale sulle attuali interazioni tra tecnologia, tecniche di composizione musicale e il ruolo dell’ascoltatore.

L'abito che portiamo indosso ci aiuta a presentare noi stessi. Un'immagine di noi stessi. Il vestito, le scarpe, la camicia, la cravatta, tutto serve a presentare una persona di valore, di autorità. Qualcuno di cui ci si può fidare. Quando ti togli l'abito è tutta un'altra storia. Siamo sensibili, vulnerabili, umani. Esposti a scelte discutibili come chiunque altro. Per un uomo può essere difficile ammetterlo, ma non c'è vergogna nell'essere semplicemente umani. Può essere un sollievo smettere di nasconderlo, di nascondere e accettare chi sei veramente. Lasciare che anche il mondo si accorga di come sei. Un po' di autocoscienza non ha fatto mai male a nessuno. Perché quando sai chi sei, è più facile sapere cosa vuoi... e alla fine quello di cui hai davvero bisogno. L'affresco scoperto nel 1980, nella copertina, il "Guidoriccio", è il ritratto di un cavaliere. La metafora dell'affresco del Guidoriccio è servita a dimostrare un concetto. Come sotto il quadro ce ne è stato nascosto un altro. La verità che è stata propinata come vera, non era quella che la polizia cercava per risolvere il delitto. C'è sempre uno schermo di fumo che offusca chi è alla ricerca della verità o realtà. Solo i più bravi o i lungimiranti, riescono a vedere oltre, a comprendere e a distinguere quello che vogliono far credere da quello che deve essere detto veramente.

Il dagherrotipista conosciuto in Italia esclusivamente con il nome di Adolphe o Adolfo si definì «artista di Parigi» e lavorò in alcune fra le maggiori città della penisola nel pieno degli anni Quaranta del XIX secolo (Firenze, Milano, Palermo, Roma, Torino, Venezia). La sua identità è stata rivelata nel libro di R. Caccialanza, "Milano crocevia di fotografi (1839-1869). La storia sconosciuta della fotografia" (dicembre 2019): le notizie pubblicate rappresentavano solo una minima parte di quanto è stato possibile trovare approfondendo ulteriormente le indagini in Italia e soprattutto in Francia, una mole di informazioni che in alcuni casi si sono rivelate stupefacenti e che completano il quadro biografico su questo importante dagherrotipista-fotografo transalpino. Una volta rientrato in patria, Legros aprì un atelier a Parigi, che diresse fino al 1868: questo periodo della sua storia professionale viene presentato con dovizia di informazioni e particolari inediti, inoltre viene ricostruito ciò che accadde dopo la sua interdizione giudiziale e si spinge ben oltre la morte, spiegando come e ad opera di chi l'atelier fotografico proseguì l'attività. I sette manuali di chimica e tecnica fotografica scritti e pubblicati da Adolphe Legros sono elencati con i titoli completi e le date di pubblicazione corrette.