Silvana

Questo volume racconta la vicenda dei progetti non realizzati dei monumenti architettonici dedicati al poeta Dante Alighieri e alla Divina Commedia ideati in Italia nell'arco compreso tra gli anni Dieci e gli anni Trenta del Novecento. Grazie a un vasto corpus documentario e all'esame di alcuni snodi concettuali sulla nozione di monumento nazionale e sul rapporto tra utopia e ideologia, questo studio sottolinea il complesso intreccio tra architettura, politica e ideologia in quegli anni. Tutti i progetti di monumento al poeta medievale e alla sua opera qui analizzati riflettono l'orizzonte ideologico dei loro ideatori e committenti. Gli autori e i promotori di questi progetti sono artisti, architetti e letterati, oggi non tutti egualmente noti, ma che furono attivi protagonisti della cultura italiana e mondiale del primo Novecento, attenti osservatori delle tendenze dell'arte del proprio tempo. Si tratta di Cesare Laurenti, Adamo Boari, Armando Brasini, Mario Zampini, di Giuseppe Terragni e Pietro Lingeri e di Giovanni Papini e Galileo Chini. Per questi autori e per i loro sostenitori il riferimento imprescindibile fu lo scrittore e critico Ugo Ojetti che assunse un ruolo chiave nell'ideazione e nella promozione dei monumenti in onore del Sommo Poeta. Tutti i progetti sono stati disegnati contando su un possibile interesse da parte di chi era allora al governo del Paese e con il desiderio di assecondare i gusti del pubblico: sono quindi, certamente, il riflesso di un gusto e di un modo di percepire la storia e la memoria del Medioevo. I monumenti danteschi si presentano dunque non come "fantasie" di singoli artisti, ma come fatti culturali che riflettono in parte le contraddizioni dello "spirito dell'epoca" in cui vennero pensati.

Con il Premio Lissone 2025 il MAC celebra i suoi primi venticinque anni di attività e grazie alla partecipazione di sei importanti artisti italiani e internazionali, selezionati da tre curatori di spicco, riallaccia i fili con lo storico Premio Lissone (1946-1967), che nel Dopoguerra fu un punto di riferimento a livello globale per la presentazione delle ricerche artistiche contemporanee. Con il coinvolgimento di Viola Leddi e Valerio Nicolai, selezionati da Lorenzo Balbi, Cecilia Granara e Giuliana Rosso invitati da Hanne Mugaas, Landon Metz e Ariel Schlesinger selezionati da Stefano Raimondi, il Premio prosegue la sua missione di promuovere la ricerca artistica contemporanea, offrendo uno spazio di confronto tra linguaggi, poetiche e sensibilità differenti.

Forme. La Collezione Sorlini in dialogo con Scarpella e Mangiarotti è un progetto ideato con l’obiettivo di avvicinare il MarteS Museo d’Arte Sorlini ad altre espressioni di bellezza, con cui istituire rapporti di assonanze e risonanze. L’esposizione si sviluppa come un dialogo tra gli ambienti museali, le sculture di Livio Scarpella (Ghedi, 1969) e gli oggetti di design di Angelo Mangiarotti (Milano, 1921-2012) provenienti dalla collezione di Agapecasa. Una ventina di opere tra ceramiche e bronzi, realizzate da Scarpella negli ultimi quindici anni, insieme ai tavoli e i mobili che Mangiarotti ha ideato nel corso della sua carriera, rappresentano il fulcro del percorso espositivo, che coinvolge le sale del MarteS, uno dei musei di arte veneta e veneziana del Settecento più importanti d’Italia, mettendone in luce i capolavori.

Aperto nel 2018 grazie alla visione di Luciano D’Amico e Raffaella Morselli, il Contemporary Sculpture Garden dell’Università degli Studi di Teramo rappresenta una delle realtà italiane più notevoli nel campo dei musei universitari d’arte contemporanea. Esso custodisce opere di autori molto significativi, quali Venanzo Crocetti, Immacolata Datti, Diego Esposito o Alejandro Marmo, oltre che le tavelle in ceramica del progetto collettivo Il cielo d’Italia. In questo volume l’attuale direttore del museo, Paolo Coen, per la prima volta ne ricostruisce, insieme a Pietro Costantini, Cecilia Paolini e Luca Siracusano, la genesi e l’evoluzione. Ne viene fuori il profilo di un istituto all’avanguardia, concepito come uno spazio aperto dove ricerca, didattica e terza missione risultano strettamente integrati.

Antonio Scordia (1918-1988) è stato uno degli undici artisti presentati da Lionello Venturi nel libro Pittori italiani d’oggi nel 1958. Nato a Buenos Aires da genitori italiani, aveva scelto Roma, città nella quale era cresciuto, come luogo dove vivere e lavorare, nonostante le opportunità in Argentina e i frequenti soggiorni a Parigi, New York e Londra. Il volume offre una panoramica completa dell’opera dell’artista, dagli esordi, avvenuti al principio degli anni quaranta nel clima figurativo della Scuola romana, alle opere degli anni cinquanta incentrate sul percorso che porterà Scordia verso l’astrattismo, fino alle ultime opere felicemente astratte. Il catalogo è corredato da una ricca selezione di apparati, un’introduzione di Giuseppe Appella, un saggio di Giovanna Caterina de Feo e i testi di Gregorio Botta, Carlo Alberto Bucci e Giulia Silvia Ghia.

Il Museo del Gioiello di Vicenza, l’unico in Italia interamente dedicato al gioiello, propone nei suggestivi spazi della Basilica Palladiana una selezione dei gioielli e delle lavorazioni più rappresentativi del panorama orafo italiano. Con la nuova mostra, ideata e curata da Paola Venturelli, il Museo inaugura un nuovo corso. Di straordinario rilievo per la qualità e il fascino iconico delle opere in esposizione e delle collaborazioni messe in atto con Musei e Fondazioni, la mostra del biennio 2025-2027 evidenzia l’eccezionalità del gioiello italiano. Circa 150 opere, tra pezzi singoli e parure, borsette e trousse, un magnifico stipo e piccoli contenitori, tre dipinti e due ceramiche apule del 330-310 a.C., ritmano un percorso, cronologico e tematico al contempo.

Applicare all’arte contemporanea della fine del XX secolo gli strumenti euristici postcoloniali è un esercizio in gran parte inedito, specialmente per il contesto italiano, dove le storie e le memorie coloniali sono state a lungo rimosse e i fenomeni migratori non hanno ancora trasformato gli ambienti accademici. I saggi raccolti in questo volume, quindi, provano a dare un contributo in tal senso, partendo da punti di osservazione molto angolati da cui rileggere alcune vicende artistiche ed espositive e restituire traiettorie diasporiche di oggetti e di persone. Non metabolizzati nelle narrazioni ufficiali, infatti, tali tracciati sono ancora tessere di un mosaico in via di definizione. Attraverso la sollecitazione di prodotti editoriali e documenti d’archivio, fonti orali e manifestazioni temporanee, e dal confronto tra sguardi di antropologi, museologi, storici e storici dell’arte, emergono tanto le linee di faglia del tessuto culturale del paese quanto i lenti mutamenti di specifici microcosmi: i fenomeni migratori sia a livello sociale sia nel più circoscritto contesto delle esposizioni e dei percorsi artistici individuali, gli interrogativi etici sollevati dalle collezioni provenienti dall’Africa a suo tempo colonizzata, gli spettri del colonialismo storico e del più recente neocolonialismo lasciano tracce talvolta labili, talaltra evidenti ma silenziate negli immaginari visivi. Proprio su questi ultimi si concentrano i contributi di Irene Baldriga, Giulia Beatrice, Riccardo Capoferro, Michele Colucci, Giorgia Gastaldon, Valentina Lusini, Caterina Toschi, Denis Viva e della curatrice del volume, Francesca Gallo.

Questo volume presenta testi di ricerca concepiti nel corso di Teorie e pratiche della cura critica del biennio in Visual Cultures e pratiche curatoriali dell’Accademia di Belle Arti di Brera. Un selezionato gruppo di studentesse e studenti ha accompagnato il programma di ricerca e produzione artistica L’invenzione dell’Europa, ideato e sviluppato da Kunst Meran Merano Arte, lavorando collettivamente e in piena autonomia con i curatori del programma, gli artisti e il team della Kunsthaus. Nel corso di mesi, il gruppo ha allestito e disallestito mostre, ideato e seguito la comunicazione, sviluppato e prodotto progetti partecipativi e performativi, condotto interviste e prodotto approfondimenti, mostrando quanto l’assunzione di responsabilità ricomponga il quadro formativo in un’ottica di autentica proiezione individuale nel collettivo laboratoriale.

I quattro campioni del mondo Ducati – Francesco Bagnaia, Marc Márquez, Álvaro Bautista e Nicolò Bulega – vi accompagneranno attraverso un anno di spettacolari immagini MotoGP e Superbike di altissima qualità, scattate dai migliori fotografi del settore. Inoltre, il volume offre uno sguardo all’attività agonistica di Ducati Corse in tutto il mondo, le statistiche e i risultati in un libro prestigioso a colori di grande formato.

Il volume accompagna il lettore alle origini della scultura del Duomo, quando Hans von Fernach e bottega concepiscono una delle più raffinate opere scultoree della cattedrale: il portale della sacrestia meridionale, dedicato alla vita di Maria Vergine. Esemplificativi delle atmosfere e delle vicende che hanno segnato il cantiere della Fabbrica di fine Trecento, i contributi di studiosi e restauratori gettano nuova luce su questo maestoso lavoro, troppo a lungo velato dalla patina del tempo. L’osservazione diretta delle minuziose figure, resa possibile dagli alti ponteggi del restauro, costituisce una solida base di studio per quanti, nei decenni futuri, desidereranno approfondirne i vari aspetti iconografici, la policromia originaria, le raffinate decorazioni e i suggestivi riferimenti filosofici qui presentati.

Il volume inaugura un nuovo ciclo di monografie dedicate ai grandi maestri della critica del secolo scorso che, mai come prima, hanno segnato una rapida evoluzione dalla scrittura all’azione, dalla considerazione dell’opera e del determinarsi di tendenze culturali alla diretta compartecipazione al fatto artistico. Tra questi, Enrico Crispolti è figura esemplare per tutte le questioni decisive dell’agire critico: dai processi di storicizzazione all’archivio vivente, dall’impegno universitario all’attitudine curatoriale, dall’invenzione editoriale alla responsabilità politica nel pensare e fare arte. Storico, curatore e docente, Crispolti ha vissuto l’arte come un impegno civile e politico, seguendo con passione le avanguardie, l’Informale, l’arte ambientale e le ricerche più sperimentali. Sempre vicino agli artisti – da Lucio Fontana a Francesco Somaini, da Enrico Baj a Mauro Staccioli, fino alle generazioni più recenti –, è stato un interlocutore curioso e partecipe, convinto che l’arte dovesse dialogare con la società e incidere nel mondo.

Tra il 1968 e il 1978 Giorgio de Chirico abbandona il precedente periodo ispirato al barocco e riprende a dipingere manichini, piazze d’Italia e altri enigmi con nuove rielaborazioni e invenzioni: è il periodo della neometafisica. Attraverso un’accentuata ironia, colori più accesi e cadenze più giocose, l’artista si stacca dalla propria visione nichilista degli anni dieci e reinterpreta in forme più serene, anche se non prive di qualche malinconia, i temi del passato. La metafisica degli anni dieci voleva esprimere l’incomprensibilità, l’assurdità, la mancanza di significato dell’esistenza che de Chirico, seguendo Schopenhauer e Nietzsche, aveva anche teorizzato nei suoi scritti. Ora il sentimento dell’insensatezza dell’universo si è attenuato ed è osservato con distacco. Giunto quasi alla fine della sua lunga e operosa vita, de Chirico, che ha ormai dagli ottanta ai novant’anni, guarda con quieta saggezza e ironica levità al senso ultimo della commedia umana.