Postmedia Books

"Isolario" è il frutto di un lavoro di ricerca a lungo termine condotto da Barbara De Ponti e curato da Alessandro Castiglioni con il contributo di Matilde Marzotto Caotorta, Elio Franzini ed Ermanno Cristini. Attraverso un ampio apparato critico, di documentazione fotografica e materiale inedito, l'artista e i curatori propongono un'ipotesi di metodologia di lavoro all'interno delle arti visive contemporanee che si intreccia con la geografia, l'antropologia culturale e l'architettura del paesaggio. Barbara De Ponti come artista dedica la propria ricerca all'identità dei luoghi, attraverso progetti di ricerca, installazioni e lavori a carattere relazionale.

Con il termine Food Design, secondo una recente definizione, si intende la progettazione del complesso insieme degli atti alimentari. Riconosciuti studi scientifici hanno dimostrato come l'ambiente all'interno del quale il cibo viene consumato abbia un impatto considerevole sulla nostra percezione del gusto. Questo implica un rapporto con lo spazio in cui l'azione si compie, in una complessa interazione tra cibo, uomo e ambiente.

Qual è il significato di "politico" e di "poetico" e l'arte può fonderli? Teresa Macrì costruisce una ellisse concettuale in cui Francis Alÿs e Jeremy Deller vengono analizzati come due paradigmi ai quali si interpolano Phil Collins, Mike Kelley, Allan Kaprow, André Cadere, Hélio Oiticica, Akram Zaatari, Santiago Sierra, Bas Jan Ader, Lawrence Weiner, Elia Suleiman, Harmony Korine, Group Material, Vito Acconci, Alejandro González Iñárritu e nondimeno a Stuart Hall e Antonio Gramsci, Hannah Arendt e Guy Debord e il cinéma vérité in un'affinità anticonvenzionale di comportamento e decostruzione semantica.

Difficile pensarlo oggi che l'arte, come la cultura, è talmente snobbata in Italia, ma negli anni Sessanta e Settanta il nostro paese è stato al centro della scena internazionale. La smaterializzazione dell'arte in Italia è un percorso attraverso le mostre che, a cavallo tra gli anni Sessanta e Settanta, hanno proposto un nuovo approccio al momento espositivo, in termini di concept, allestimento, occupazione di spazi non deputati, apporto critico-curatoriale.

Con "The Radicant" Nicolas Bourriaud arriva alla terza tappa dell'importante percorso teorico iniziato con "Estetica relazionale" e "Postproduction", titoli con i quali aveva già provato un confronto tra la storia dell'arte e quella della produzione culturale e della globalizzazione. La tesi esposta da Bourriaud nel suo ultimo libro è che bisogna ridefinire la modernità: il radicante è una metafora botanica, la pianta "radicante" è un'organizzazione che crea le sue radici man mano che avanza con la sua crescita. Gli artisti contemporanei hanno dunque la capacità di sradicarsi per aggregarsi facilmente altrove.

L'attività di esplorazione e di ricerca di William Kentridge è dedicata agli anni in cui nascevano le macchine della contemporaneità: il cinema, il telegrafo, le radiazioni. L'artista diventa famoso negli anni Novanta per la tecnica da lui chiamata "disegno per proiezione", un disegno a carboncino cancellato, ridisegnato e filmato frame-by-frame. Il processo di trasformazione del disegno e la sua permanenza in forma di traccia diventano forme espressive privilegiate per esplorare memoria e oblio, colpa e pentimento.

Nel 1971 Stockhausen arrivò in Inghilterra per una serie di concerti pubblici e di conferenze. Era di umore allegro e comunicativo. Le sue conferenze furono un notevole successo poiché trattavano di fronte a un pubblico sostanzialmente di non specialisti argomenti della musica contemporanea che erano estremamente complessi e fino ad allora ritenuti esoterici, con un linguaggio da profani. Chi è interessato alla personalità di un grande compositore, troverà in questi testi un autoritratto che sarebbe difficile ottenere in altro modo. I musicisti, siano essi compositori, studenti e insegnanti che si occupano della nuova musica, vi troveranno invece un significato più profondo.

L'arte dopo tutto è un gran bel gioco. Considerare il processo creativo nel suo farsi è viverlo dall'interno, tenendo sempre presente la libertà di azione e i vincoli. Come in un gioco, si suppongono regole e soprattutto la possibilità di interpretarle e cambiarle sempre in modo nuovo, mutandole in relazione al proprio tempo. La creatività così intesa, è adattamento all'ambiente, ma anche rottura che innesca il libero gioco dell'immaginazione, tanto più se si tratta dell'esperienza esemplare dell'arte.

Dall'avvento dell'immagine tecnologica, in modo particolare con fotografia, video e web, la cultura contemporanea perde il controllo sull'immagine. Luca Panaro rilegge teorici quali Susan Sontag, Walter Benjamin, Vilém Flusser, scrittori come Luigi Pirandello, Italo Calvino e Penelope Lively, ma anche registi come Buster Keaton, Michelangelo Antonioni, Wayne Wang, autori che hanno evidenziato come un'immagine si generi al di là delle previsioni del proprio autore, lasciando quindi l'impressione che qualcosa sfugga al proprio controllo. Riportando queste considerazioni al mondo dell'arte contemporanea, l'autore accompagna il lettore attraverso alcuni lavori fotografici di Andy Warhol, Douglas Huebler, David Lamelas e Franco Vaccari, Douglas Gordon e Philippe Parreno, per giungere alle opere web di Wolfgang Staehle, Roberto Cuoghi, Carlo Zanni, Eva e Franco Mattes.

"Service: a trilogy on colonization" di Martha Rosler è un libro d'artista pubblicato per la prima volta nel 1978 da Printed Matters (New York). Consiste in tre brevi novelle, di cui la terza tradotta anche in spagnolo, che esplorano i diversi aspetti della produzione e del consumo alimentare, con l'umorismo freddo che contraddistingue l'espressione artistica di Martha Rosler. Le novelle nella loro forma originale, prima di essere redatte in questo raro libro, sono state spedite per posta dall'artista stessa, sotto forma di cartoline, una ogni cinque o sette giorni. Le storie delle tre protagoniste, incentrate sul tema del cibo, confermano la sua attenzione sul tema della gastronomia e delle pratiche sociali in materia alimentare, raccontate attraverso un approccio "femminile" e politico. Come spesso accade nelle opere di Martha Rosler, si pensi a "Semiotics of the Kitchen" del 1975, e coerentemente con la sua ideologia femminista, la cucina diventa un'arena in cui destrutturare il ruolo tradizionale della donna. L'edizione Postmedia books è una stampa anastatica corrispondente alla prima stampa originale del 1978, un edizione limitata con l'aggiunta del testo a fronte in italiano.