Mandragora

Il volume nasce per accompagnare la mostra che, a partire dalla primavera del 2025 presso Villa Bardini a Firenze, sarà dedicata a due protagonisti della vita accademica e culturale del Novecento: i coniugi Roberto Longhi e Anna Banti. Lui, uno dei massimi storici dell’arte; lei, pure storica dell’arte, scrittrice acuta, traduttrice, critica cinematografica. Come la mostra, anche i saggi qui raccolti, affidati alle voci degli studiosi più autorevoli, vogliono approfondire gli aspetti meno noti della coppia. Grazie a inedite testimonianze fornite dalla loro corrispondenza, dalle loro biblioteche e raccolte fotografiche, i testi gettano nuova luce sulle tappe che portarono alla formazione della loro preziosa collezione di opere d’arte, ma anche sulla loro vita privata, sul loro impegno nella divulgazione e nella ricerca, sui rapporti intessuti con le più importanti personalità del tempo nel campo della letteratura, del cinema, dell’editoria, della produzione artistica e ovviamente della storia e della critica d’arte. Questa nuova prospettiva permette così di comprendere, ora ancor più nitidamente, la ricchezza e l’attualità del lascito culturale di Roberto Longhi e Anna Banti alla posterità.

Il fenomeno dell'insonnia, dovuto in parte allo stress della vita quotidiana, è ormai considerato un vero e proprio problema sociale. Recenti ricerche hanno dimostrato che le turbe del sonno derivano principalmente da errate abitudini contratte nei primi anni di vita. Il libro svela ai genitori le semplici tecniche per conseguire l'obiettivo.

La basilica di San Lorenzo fa parte di uno dei complessi monumentali più significativi di Firenze. In esso si integrano armoniosamente anche la Biblioteca Medicea Laurenziana, prima biblioteca pubblica al mondo, e le Cappelle Medicee, che comprendono la fastosa Cappella dei Principi e la Sagrestia Nuova di Michelangelo, luogo in cui è riunito il maggior numero di sculture del Buonarroti. Nel corso dei secoli, la basilica ha rivestito un ruolo centrale nella storia religiosa e politica della città, diventando emblema dell’autorità civile e dinastica. Ricostruita con il contributo del Comune di Firenze, San Lorenzo divenne sede privilegiata della sacra rappresentazione del potere nel periodo mediceo, in età lorenese e successivamente durante l’epoca sabauda. Le trasformazioni intervenute dopo l’Unità d’Italia, che hanno frammentato la proprietà del complesso, hanno contribuito a definire l’aspetto attuale della basilica. La presente guida propone un percorso aggiornato e organico dell’intero complesso, recependo le più recenti modifiche e innovazioni relative alla basilica e al museo. Pur tenendo conto delle distinzioni proprietarie laddove necessarie alla visita, l’itinerario si presenta unitario e articolato in due modalità di fruizione: una lettura essenziale, utile durante la visita in loco, e una sezione più ampia di approfondimento, destinata ai lettori interessati a una comprensione più estesa dei temi, delle opere e delle peculiarità del luogo. Ogni ambiente è illustrato a partire dalla sua storia e accompagnato da un percorso che evidenzia gli elementi architettonici e artistici di maggiore rilievo. La guida integra inoltre riferimenti ai testi sacri, offrendo strumenti interpretativi utili a comprendere (...)

La basilica di San Lorenzo fa parte di uno dei complessi monumentali più significativi di Firenze. In esso si integrano armoniosamente anche la Biblioteca Medicea Laurenziana, prima biblioteca pubblica al mondo, e le Cappelle Medicee, che comprendono la fastosa Cappella dei Principi e la Sagrestia Nuova di Michelangelo, luogo in cui è riunito il maggior numero di sculture del Buonarroti. Nel corso dei secoli, la basilica ha rivestito un ruolo centrale nella storia religiosa e politica della città, diventando emblema dell’autorità civile e dinastica. Ricostruita con il contributo del Comune di Firenze, San Lorenzo divenne sede privilegiata della sacra rappresentazione del potere nel periodo mediceo, in età lorenese e successivamente durante l’epoca sabauda. Le trasformazioni intervenute dopo l’Unità d’Italia, che hanno frammentato la proprietà del complesso, hanno contribuito a definire l’aspetto attuale della basilica. La presente guida propone un percorso aggiornato e organico dell’intero complesso, recependo le più recenti modifiche e innovazioni relative alla basilica e al museo. Pur tenendo conto delle distinzioni proprietarie laddove necessarie alla visita, l’itinerario si presenta unitario e articolato in due modalità di fruizione: una lettura essenziale, utile durante la visita in loco, e una sezione più ampia di approfondimento, destinata ai lettori interessati a una comprensione più estesa dei temi, delle opere e delle peculiarità del luogo. Ogni ambiente è illustrato a partire dalla sua storia e accompagnato da un percorso che evidenzia gli elementi architettonici e artistici di maggiore rilievo. La guida integra inoltre riferimenti ai testi sacri, offrendo strumenti interpretativi utili a comprendere (...)

Questo volume, dedicato ai cinquant'anni dell'Opificio delle Pietre Dure, celebra mezzo secolo di interventi eccezionali: rest

Si racconta che tra i quadri che Caravaggio aveva realizzato negli anni giovanili per sostentarsi vi fosse quello che raffigurava un giovane che sbuccia un frutto. Il Ragazzo che monda un frutto qui presentato viene ora riconosciuto come la più antica e autentica versione del celebre soggetto caravaggesco, precedente a tutte le altre varianti note e potrebbe essere stata dipinta ancora in ambito lombardo, prima dell’arrivo dell’artista a Roma, rappresentando così la più antica opera nota dell’autore giunta fino a noi. L’attribuzione di Gianni Papi si fonda sulla qualità del dipinto: la camicia, il volto raccolto del giovane e la natura morta rivelano una mano fresca ma già personale. La luce “autunnale” e l’aspetto più arcaico della frutta mostrano un legame con l’ambiente pittorico lombardo. Una scoperta decisiva proviene dalla radiografia: sotto la figura del ragazzo affiora la presenza di un cane, traccia di una prima idea compositiva poi abbandonata. Le ombre sulla camicia, replicate in tutte le versioni successive, derivano proprio dal riutilizzo di questa precedente stesura. La storia dell’opera è complessa: passata per collezioni inglesi tra XVIII e XX secolo, oggi, grazie all’analisi tecnica e stilistica, emerge come il prototipo da cui tutte le altre versioni derivano, testimone prezioso dei primi passi di Caravaggio verso il naturalismo che avrebbe cambiato la storia dell’arte. In appendice trovano spazio le analisi tecniche e le relazioni di restauro che hanno contribuito a raggiungere l’importante risultato attributivo.

Questo catalogo, nato per accompagnare l’omonima mostra allestita nei rinnovati spazi dell’Antico Ospedale di San Giuseppe a Empoli, non solo illustra le oltre 150 opere esposte, ma offre anche, attraverso cinque saggi, uno spaccato inedito della vivace stagione culturale che, a partire dagli anni venti del secolo scorso, vide fiorire, nella stessa città, un gruppo di giovani pittori. Ecco dunque ricostruite le vicende di quella cerchia di artisti che, partendo da una piccola “stanzina” in un orto di provincia, si sarebbe distinta in ambito nazionale, includendo figure come Virgilio Carmignani, Amleto Rossi, Ghino Baragatti, Loris Fucini e Sineo Gemignani, insieme a Piero Sedoni e Pietro Tognetti. Il volume segue le loro vicende, drammaticamente segnate dagli anni della seconda guerra mondiale, ne mette a fuoco le differenti traiettorie artistiche, riscoprendo, così, il loro forte legame con la città di Empoli e il messaggio emotivo, poetico e civile che, da quella provincia, ha saputo influire sul linguaggio della modernità.

"I manoscritti della Biblioteca di Santa Croce a Firenze. I. Firenze, Biblioteca Medicea Laurenziana. Fondo Plutei sinistri", curato da Sandro Bertelli e Antonello Gatti, è il primo di tre volumi dedicati ai Plutei della Biblioteca Medicea Laurenziana, cioè a quei manoscritti giunti da Santa Croce nel 1766 quando la libreria conventuale passò alla Laurenziana. Si tratta di un mirabile lavoro di catalogazione che era stato iniziato a metà degli anni novanta del secolo scorso e portato avanti dai bibliotecari della Biblioteca Medicea Laurenziana e della Nazionale Centrale di Firenze con il contributo di importanti studiosi. Tale opera di inventariazione era stata interrotta per poi essere ripresa recentemente grazie al PRIN – Progetto di Rilevanza Nazionale – coinvolgendo un’équipe di esperti delle più rinomate università italiane e istituzioni culturali. Questa pubblicazione getta un’importante luce sul ruolo dello studium francescano e sull’ambiente culturale fiorentino tra il XIII e il XV secolo quando il complesso conventuale accoglieva studiosi e intellettuali, tra cui anche Dante, che qui consultavano grandi testi classici, filosofici, storici, teologici e biblici. Le schede, accompagnate da riproduzioni di altissima qualità, si prospettano come un sicuro punto di riferimento per ogni ricerca, presente e futura.

Lo storico dell’arte e professore Andrea De Marchi ci presenta, descrivendola minuziosamente, un’opera inedita di Simone Martini, una Pietà di piccole dimensioni, le cui autentiche qualità pittoriche sono state riportate alla luce dall’attento restauro condotto da Stefano Scarpelli. Il dipinto risale agli anni giovanili di Simone Martini, poco prima del matrimonio con Giovanna Memmi nel 1324, quando l'artista si muoveva fra Pisa, Orvieto e Siena. Concepita in origine come parte destra di un dittico, di cui manca la valva di sinistra presumibilmente con la Madonna col Bambino, questa tavola fu usata come Osculatorium e alcune parti deteriorate lo confermano. Essa presenta delle particolarità iconografiche, come l’impressione che Cristo sia ancora vivo data dalla raffigurazione espressiva del volto. Sono molti gli interessanti confronti che De Marchi compie con altre opere di Simone Martini e di artisti coevi, soprattutto del cognato Lippo Memmi, con cui ci fu una stretta collaborazione, ma anche di Giotto, Pietro e Ambrogio Lorenzetti, Allegretto Nuzi e Naddo Ceccarelli. Una scoperta emozionante che ci riporta nell’universo giovanile dell’artista senese, dove questa tavola è ancora attraversata «da un fremito di vita, estremo, doloroso».

Il presente volume nasce dal desiderio di descrivere uno dei monumenti più celebri della storia e della cultura di Firenze, il Battistero di San Giovanni, attraverso i materiali che lo compongono. Grazie a questa prospettiva del tutto inedita, ecco dispiegarsi, in queste pagine, una narrazione originale, che conduce il lettore alla scoperta delle pietre che formano uno dei simboli della cultura architettonica e decorativa della cristianità, raccontandone le origini, la provenienza e la loro lavorazione nell’opera fiorentina. Ne derivano dunque nuove conoscenze sulle vicende del cantiere, sulla circolazione dei materiali e sulla loro messa in opera nel Battistero, guadagnando così non solo una porzione finora dimenticata della sua storia, ma anche le informazioni necessarie per la sua conservazione, la sua valorizzazione e il restauro, oltre che, in definitiva, per la sua corretta lettura e fruizione.

In "Storia di un disegno giovanile di Andrea Mantegna" lo storico dell’arte e professore Antonio Mazzotta ripercorre le curiose e intricate vicissitudini di un disegno del Quattrocento, ricostruendo il dibattito che ha animato i più famosi storici dell’arte e collezionisti del XIX e XX secolo fino ai giorni nostri sull’attribuzione di alcuni disegni preparatori a Giovanni Bellini o Andrea Mantegna. Sul recto il disegno in esame, eseguito a penna e inchiostro marrone su carta, presenta gli Studi per un Cristo morto e una Lamentazione, mentre sul verso la Pietà. Esso fece la sua apparizione all’asta Farsetti nel 2013, dove venne ritenuto un Mantegna influenzato dal cognato Bellini e datato alla seconda metà degli anni cinquanta del Quattrocento, ancora nel pieno periodo padovano dell’artista. Se il foglio fosse comparso un secolo prima, sarebbe entrato naturalmente nel catalogo grafico di Bellini messo a punto da Giovanni Morelli e grandi storici dell’arte come Longhi o Pallucchini sarebbero stati d’accordo. Per le complesse ragioni che vengono qui puntualmente ricostruite, invece, il disegno è oggi riconosciuto come autografo di Mantegna, con una prevalenza dell’aspra fisicità scultorea delle figure rispetto al tratto più addolcito e pittorico di Bellini.