Editoria & Spettacolo

Negli ultimi anni la produzione artistica della Corea del Sud ha raggiunto un livello di diffusione globale davvero straordinario e unico nel panorama internazionale. Questo fenomeno, accompagnato dal grande progresso economico e tecnologico del Paese asiatico, continua a crescere e ad espandersi, attraversando tutte le discipline artistiche e le forme di intrattenimento. Già a partire dalla seconda metà degli anni Novanta, la crescente “mania” per la cultura coreana venne definita con la parola Hallyu, onda coreana. Anche il pubblico italiano ha dimostrato, nel corso degli anni, un crescente interesse, e ha avuto modo di avvicinarsi all’arte coreana attraverso le piattaforme di distribuzione digitale o le varie iniziative presentate in Italia. Ma ancora molto ridotta è l’opportunità di conoscere il teatro coreano contemporaneo e, in particolare, di leggere opere di letteratura drammatica scritte da drammaturghi coreani contemporanei. Questo libro vuole contribuire a colmare tale lacuna, rispondendo alla curiosità del pubblico e degli operatori, e presentando tre importanti opere di teatro coreano tradotte in lingua italiana.

Pierrot, Arlecchino, Colombina e Cassandro prendono vita, attraverso la penna di Albert Giraud, divenendo protagonisti di situazioni che vanno dal lirico all'aberrante, ambientate in un mondo in cui tutto è artisticamente lecito. A dominare la scena, tuttavia, è sempre lui, Pierrot, con la sua follia, la sua ironia, il suo sadismo e quella profonda vena malinconica che non lo abbandona mai. Pierrot in quanto maschera ma anche come personificazione del tormento del poeta alla ricerca delle parole giuste per esprimersi. Giraud, noto per la versione musicale del "Pierrot Lunaire", che il compositore A. Schönberg trasse ai primi del '900 dalla sua opera omonima, trasporta il lettore nel suo universo poetico e mentale, per appassionarlo e sconvolgerlo con scelte lessicali insolite e immagini al limite del visionario. Questo volume raccoglie i 50 rondelli del "Pierrot Lunaire" e il testo teatrale che ne rappresenta il seguito, "Pierrot Narcisse". L'introduzione, gli articoli di critica e l'Appendice (con la versione testuale del "Pierrot Lunaire" di Schönberg e articoli di approfondimento), mettono in risalto l'importanza del lavoro dell'autore, in Italia ancora poco conosciuto.

Renato Nicolini è stato assessore alla Cultura a Roma e a Napoli, parlamentare del Pci e, tra l'altro, professore ordinario all’Università Mediterranea di Reggio Calabria. La sua intensa attività politica, i cui esiti più noti sono le stupefacenti programmazioni dell’“Estate romana”, è stata sempre coniugata con una dedizione particolare al teatro. Il volume raccoglie le recensioni e gli articoli firmati per «Tuttoteatro.com», la prima rivista italiana online di informazione e critica teatrale. Con i suoi contributi settimanali, ospitati nella rubrica "Uno strappo nella rete", che dà il titolo a questa raccolta, Nicolini restituisce un viaggio appassionato e appassionante nel teatro e nello spettacolo dei primissimi anni del nuovo millennio, nel quale si distinguono le direttrici del suo pensiero e dal quale emergono tutte le sue intuizioni e preoccupazioni, utili a leggere e interpretare il nostro presente. Queste pagine sono un’immersione nella vita dell’uomo, dell’architetto, del politico, dell’intellettuale sempre prodigo nella trasmissione del suo profondo e raffinato sapere, che con il suo operato ha davvero rivoluzionato le politiche culturali non solo in Italia.

Performing Media è un concetto evolutivo, comporta una nuova sensibilità che permette d'interpretare l'innovazione digitale come un'espansione delle possibilità di comunicazione, per agirle e non subirle. Si tratta di tutto un mondo di pratiche creative che trova origine nell'ambito delle culture digitali e ancora prima del teatro di ricerca affinato ai media, sia radiofonici sia video, in particolare con il videoteatro. Un fenomeno che si è poi esteso alle più diverse articolazioni, tra performance e multimedialità. Oggi il Performing Media riguarda sempre più lo sviluppo delle tecnologie dei nuovi media interattivi, mobili e geolocalizzati. Il libro parla di esperienze, guarda il passato ma riguarda il futuro. Nel Performing Media ogni elemento è chiamato a performare, è in qualche modo il medium stesso ma anche e soprattutto la relazione fra l'elemento e chi lo fruisce che innesca la performance.

La drammaturgia di Rocco Familiari ci immerge in un'architettura complessa e stratificata, senza prepararne capziosamente l'attesa, senza annunciarne il precipitarvi vertiginoso e denso. Questo sembra contrastare con il ritmo lenticolare e cadenzato che caratterizza anche questi due ultimi testi, concepiti nel tempo sospeso della prima ondata pandemica e dentro la logica irragionevole dell'assenza di contatto. Tuttavia, in quella irragionevolezza, è come se Familiari rintracciasse, in una sorta di inopinato rispecchiamento, il segreto di una sua antica vocazione, il senso di molto del suo empito. Allora, sia nell'"Attesa" che nel "Dono", legati da una sapientissima mise en abyme, emerge, più che la contingenza del momento storico, la coerenza di uno stile che disegna tra uomo e donna una trama innamorata di sé al di là delle relazioni che descrive.

Questo libro raccoglie i racconti scritti durante le prime quattro edizioni del progetto "Vasi Comunicanti", realizzato dalla compagnia Karakorum Teatro di Varese in collaborazione con La Confraternita del Chianti. Sono racconti pensati per il teatro di narrazione, nati dalla raccolta di storie lungo il confine tra Italia e Svizzera. Racconti nati dall'incontro con le comunità che quel confine lo abitano e lo vivono, e si contaminano e trovano ogni giorno nuovi equilibri, secondo il principio dei vasi comunicanti. Sono racconti che parlano di amore, di coraggio, di guerra, di contrabbando e di amicizia. Racconti che nascono dalla memoria personale e che il progetto oggi restituisce alla memoria collettiva. Sono racconti nati attraverso il lavoro in Comuni e piccole comunità, spesso considerate ai margini dei grandi avvenimenti, ma che dal loro pezzetto di confine hanno visto passare la grande Storia del '900.

Questo volume conclude la trilogia dell'edizione italiana degli scritti di Tadeusz Kantor. I testi qui raccolti accompagnano la creazione degli spettacoli degli ultimi cinque anni, i cui principali: "Crepino gli artisti", "Macchina dell'amore e della morte", "Qui non ci torno più" e "Oggi è il mio compleanno" sono tutti realizzati in coproduzione con il CRT Artificio di Milano. Kantor si ritrova, quindi, a trascorrere ancora una volta lunghi periodi in Italia, soprattutto a Milano dove si svolgono le prove di due di questi spettacoli e dove nel 1986, su invito di Renato Palazzi all'epoca direttore della Civica Scuola di Teatro Paolo Grassi, conduce un atelier. I singoli interventi di questo atelier saranno poi elaborati in un quaderno con il titolo "Lezioni milanesi" , qui ripubblicate.

"Prossimità" è una raccolta di quattro testi, di quattro momenti differenti in cui la drammaturgia ha cercato una forma, forte di un contenuto. L’autore racconta la prossimità, ovvero l’avvicinarsi, quel momento che vive di sensazioni più che di emozioni. Le sensazioni sono leggere, sono volatili, qualcosa che forse dimentichiamo ma che in realtà condizionano lo scorrere delle nostre vite. Tendiamo a conservare l’emozione più che la sensazione, sia per una questione biologica sia per una questione mentale, eppure la sensazione determina un passaggio di stato. "Celeste", "A.D.E. A.lcesti D.i E.uripide", "Hospes, -ĭtis" e "La Macchia" sono quattro prossimità differenti per forma e contenuto, ma tutte col minimo comun denominatore delle sensazioni. Pubblicarle, dare loro forma cartacea oltre che scenica è importante per poter restituire qualcosa di questo momento storico; tutte e quattro le storie sono differenti, inedite a loro modo e caratterizzanti un tempo, uno spazio. Caratterizzanti una prossimità.

"Pelléas e Mélisande" e "Arianna e Barbablù" sono due opere che si contraddistinguono per essere state concepite in periodi diversi della vita di Maurice Maeterlinck e rappresentano il passaggio dall’oscurità alla luce, nella visione dell’autore. Nell’opera di Maeterlinck, i personaggi non sono preda di passioni irrefrenabili; al contrario, ogni cosa è solo accennata, suggerita, rappresentata metaforicamente; non c’è mai un’esplicitazione diretta dei sentimenti come avviene, ad esempio, nel teatro shakespeariano. Il volume contiene i testi di "Pelléas e Mélisande" e "Arianna e Barbablù" in una nuova traduzione e li confronta analizzando l’evoluzione dell’opera di Maurice Maeterlinck anche attraverso numerosi articoli di critica e saggi di approfondimento, nonché le versioni di Claude Debussy e Paul Dukas nelle prime rappresentazioni al Teatro alla Scala di Milano.

Edoardo Erba è un drammaturgo di notevole successo, pubblicato, tradotto in molte lingue e rappresentato in Italia e in numerosi altri paesi in Europa e nel Mondo. Però, come tale, è anche una figura inusuale nel panorama del teatro italiano degli ultimi decenni, un teatro, come noto, stretto tra la dittatura del regista-demiurgo o dell'attore/autore e la smania logoclastica di molto teatro di ricerca. Con lui, infatti, va in scena la letteratura teatrale, cioè la letteratura creata per il teatro che sembrava destinata, in quella morsa, a scomparire o ad essere quanto meno resa marginale. Al contrario, la sua drammaturgia si è inserita e si inserisce con pari dignità e piena coerenza in quello stesso contesto, in quanto, pur preservando una sua autonoma ed efficace dimensione letteraria, trova vita e compimento solo nell'orizzonte della rappresentazione. Lo studio - esaminando nell'insieme e singolarmente le opere giunte sul palcoscenico -, distillerà questa delicata e affascinante miscela insieme alle singolari modalità creative elaborate da Erba nel corso della sua attività. Il volume contiene il testo teatrale inedito "L'onesto fantasma".

Il presente volume vuol essere un percorso filosofico-teatrale, finalizzato alla definizione sistematica di un fenomeno poetico che trae la sua origine dal rapporto tra l’uomo e la marionetta. Voce e corpo dell’attore appaiono strettamente connessi, nella riproduzione di pratiche artistiche ibridate, con il corpo e la voce del “pupo”; ed è a partire da tale fenomeno di ibridazione che si intende approfondire su quanto accade nella meccanica teatrale, avvalendosi del supporto degli studi filosofici di Adele Cambria, Jean-Luc Nancy e Carlo Sini. Un excursus biografico precede lo studio qui presentato, supportato dall’analisi di alcuni tra i lavori più rappresentativi di Mimmo Cuticchio, in particolare un Macbeth per pupi e cunto. Il lavoro si completa di testimonianze, interviste, immagini e di un diario stilato durante l’esperienza di dramaturg con la compagnia Figli d’Arte Cuticchio nel 2015.

Si conclude con questo volume la lunga avventura della pubblicazione in italiano del teatro di Caryl Churchill, accompagnata dalle molteplici attività del progetto "Non normale, non rassicurante". Da "Teatro I" a questo "Teatro VII" si possono rintracciare gli elementi caratterizzanti di una scrittura continuamente diversa, e cogliere l'intreccio tra ricerca di innovazione formale e riflessione su alcune questioni ricorrenti: la famiglia e la società, le relazioni di potere che anche violentemente regolano tali istituzioni, l'ambiente, l'impatto delle tecnologie, il corpo e la sua significazione. Insomma, uno sguardo politico, attento e a volte profetico, mai indifferente e però mai piattamente didattico. È appunto questo il caso dei testi inclusi qui: i tre brevissimi "Guerra e pace - pièce per Gaza" (2014), "Potete comprare i biglietti" (2015), e "Occhi bellissimi" (2017), scritti per specifiche iniziative politiche; i quattro andati in scena insieme al Royal Court nel 2019: "Vetro", "Uccidi", "Gli amici di Barbablù", "Piccolo diavolo"; e l'ultimo "E se, se solo".