Silvana: Cataloghi di mostre

Luca Signorelli (Cortona, circa 1450 - 1523) fu avviato all'arte da Piero della Francesca. Si pose poi in sintonia con gli esiti più aggiornati della pittura fiorentina del secondo Quattrocento. Conobbe Andrea del Verrocchio, ebbe per compagni di avventura Perugino e Bartolomeo della Gatta,- con loro lavorò nella Cappella Sistina,- lasciò a Perugia il suo capolavoro giovanile, la pala di Sant'Onofrio, raggiunse l'apice della fama con gli affreschi della Cappella Nova nel duomo di Orvieto - "impetuoso e tragico" racconto che tanto piacque a Michelangelo -, concluse la sua parabola artistica tra Marche, Toscana meridionale e Alto Tevere Umbro, assistito da una nutrita schiera di collaboratori. Una mostra su Luca Signorelli mancava da più di mezzo secolo. Furono Cortona e Firenze a promuovere, nel 1953, la prima (e unica) esposizione dedicata al pittore in Italia. Le polemiche che accompagnarono quell'evento, divenuto teatro di scontri fra opposti schieramenti della critica, non giovarono alla fama dell'artista. Fu Pietro Scarpellini, con la monografia pubblicata nel 1964, a porre le basi per una rilettura scevra da pregiudizi e condizionamenti ideologici. Da allora in avanti molti studiosi, in prevalenza anglosassoni, hanno contribuito ad approfondire e a rilanciare l'immagine di Signorelli, che torna a occupare una posizione di primo piano nel panorama del Rinascimento italiano.

Il volume testimonia lo straordinario fervore creativo delle arti in Russia nei primi decenni del Novecento. Le opere, appartenenti a tredici musei russi e a un collezionista privato, sono espressione delle correnti (postimpressionismo, primitivismo, cubofuturismo, suprematismo, costruttivismo) e dei protagonisti della storia dell'arte in Russia di quegli anni: Marc Chagall, Vasilij Kandinskij, Natalia Goncharova, Kazimir Malevich, Mikhail Larionov, Vladimir Tatlin. Un'occasione per ripercorrere un periodo eccezionale - quello compreso tra le due rivoluzioni del 1905 e del 1917 - in cui si mobilitarono formidabili risorse artistiche e intellettuali in una produzione che investì ogni campo della cultura, nel tentativo di conciliare i repertori della tradizione slava con i linguaggi del nuovo secolo, e che risulterà favorevole per lo sviluppo delle correnti artistiche del XX secolo. I saggi di Andrey Sarabiyanov e Claudia Salaris ricostruiscono questo frangente storico, rintracciando anche i legami e le influenze fra il mondo artistico russo e quello occidentale. Il volume è completato dalle biografie degli artisti.

Aldo Damioli e Marco Petrus si dedicano a una pittura incentrata sul paesaggio urbano contemporaneo. Entrambi conducono una ricerca fondata sulla rielaborazione espressiva delle architetture metropolitane e sul rigore formale delle opere. Ma in realtà le due ricerche, al di là dei temi apparentemente convergenti e dell'amicizia stessa che esiste fra i due artisti, sono molto diverse. Damioli, è come un "philosophe" settecentesco che racconta l'enciclopedia del mondo individuando per ogni voce una definizione. Quella che solo la pittura può dare. L'architettura nei quadri di Petrus diventa, invece, un pretesto per giochi di composizione, di linee, di prospettive, per rovesciamenti di angolature e per inquadrature vertiginose e inattese. Di certo le opere di Petrus e di Damioli dimostrano una cosa: che, se la pittura è una forma di architettura perché costruisce delle forme, anche l'architettura può diventare una forma di pittura.

Attraverso gli scatti della serie "Stillwaiting", Stefano Cioffi indaga il vuoto, la pausa, il silenzio nell'attesa dell'evento, fissando il soggetto in un tempo indefinito. Dalle sue fotografie di un bianco e nero incisivo traspare una "attesa che non si attende nulla", dove l'abbandono diviene rifiuto di ogni illusione e verità predefinite. L'attesa è parte stessa della fotografia, la sua creazione interseca e mette a fuoco, blocca o rinvia l'obiettivo dei desideri. La fotocamera di Cioffi cattura l'attesa negli scorci delle città, nelle località marine, nei luoghi di culto, nei non-luoghi: siti eletti dell'immobilità e del passaggio come le stazioni sotterranee o gli aeroporti.

Il volume presenta le opere di diciotto fra gli artisti più interessanti del panorama italiano, alcuni già noti a livello internazionale, altri in procinto di esserlo. Sono qui presentate opere particolarmente significative della loro ricerca; queste fanno parte della collezione ACACIA, che intende divulgare le proprie scelte private perché siano conosciute dal più vasto pubblico, aldilà della cerchia dei conoscitori. È questo un modo per rendere l'arte contemporanea un progetto di cultura e di vita il più possibile condiviso.

Nel 1736 un diplomatico inglese indicava i quadri della sontuosa collezione del principe Eugenio di Savoia Soissons come i "più bei dipinti [...] di ogni genere che solo le teste coronate potevano permettersi in Europa". Il volume presenta un ricco nucleo della collezione - da Reni a van Dyck, da Brueghel ai maestri nordici - che il principe Eugenio, cugino del re Vittorio Amedeo II di Savoia, il grande condottiero dell'esercito imperiale celebre in tutta Europa per le vittorie contro i turchi, raccolse per ornare le sue splendide residenze viennesi, il Palazzo di Città e il Belvedere. La straordinaria raccolta, giunta a Torino nel 1741 tramite l'acquisto di Carlo Emanuele III, fu allestita nel Palazzo Reale, dove fu ammirata e magnificata da viaggiatori e cultori d'arte di tutta Europa che lodarono in particolare la ricchezza di opere fiamminghe e olandesi, arrivando ad additarla come uno dei vertici del collezionismo moderno. Nel testo sono altresì indagate le collezioni di due personaggi di spicco della corte sabauda residenti nella Parigi del primo Settecento, la contessa di Verrua (1670-1736), elegante e raffinata amante di Vittorio Amedeo II, e il principe Vittorio Amedeo di Carignano (1690-1741), consentendo una nuova e più ampia riflessione sul gusto à la page dei collezionisti nell'Europa di primo Settecento.

Rembrandt realizzò circa 300 dipinti e oltre 290 incisioni, una produzione cospicua che senz'altro beneficiò della florida congiuntura socio-economica in cui l'artista era venuto a trovarsi, quella dell'evoluzione politica e religiosa che aveva investito i Paesi Bassi del Nord, dopo la separazione dal Sud (essenzialmente cattolico) nel 1584. Maggior libertà, aumento di ricchezza, moltiplicazione della committenza privata borghese, di contro a una diminuzione di quella sacra, ebbero come conseguenze dirette la nascita della figura del mercante d'arte e la vendita all'asta delle opere artistiche. Rembrandt si adattò perfettamente a questa rinnovata situazione, portando all'estremo l'individualità e la dignità dell'artista ed entrando senza riserve nel 'mercato dell'arte'. Valorizzò la libertà creativa dal punto di vista dell'inventio, ma anche della tecnica: di contro allo stile 'finito' della pittura di moda all'epoca, preferì un modus operandi che lo vedeva tornare di continuo sulle sue opere, sia pittoriche che incise. Primaria fonte d'ispirazione furono per lui i capolavori incisi dei suoi predecessori, tra gli altri Luca di Leyda, Pieter Brueghel, Albrecht Dürer, Andrea Mantegna, dei quali aveva moltissime stampe. Rispetto ai suoi contemporanei e agli artisti che lo precedettero, egli raggiunse peraltro una grande perizia tecnica nell'uso dell'acquaforte: univa segni di diversa profondità e spessore attraverso morsure multiple - a un uso strategico della puntasecca...

Il volume accompagna la diciassettesima edizione di MiArt 2012, la Fiera Internazionale di Arte Moderna e Contemporanea di Milano. Un appuntamento consolidato nel panorama artistico italiano e internazionale, che presenta le migliori gallerie del paese insieme ad alcune straniere, selezionate in base a criteri d'eccellenza, che accostano alla produzione italiana di grande qualità quella dei più riconosciuti artisti internazionali. L'edizione di quest'anno vede riuniti nello stesso spazio espositivo il mondo contemporaneo e quello moderno, secondo il progetto del direttore artistico Frank Boehm, che ha inteso così sottolineare la continuità fra queste due sfere e presentare così al meglio l'intero periodo rappresentato, dai primi del '900 fino ai nostri giorni. Il volume, catalogo ufficiale della manifestazione, accompagna il lettore nell'edizione MiArt 2012, offrendo una rassegna dettagliata delle gallerie presenti e degli artisti rappresentati.

Il volume è dedicato a una delle pietre miliari della letteratura italiana, ovvero La Divina Commedia, presentata attraverso l'interpretazione che di essa ne hanno dato alcuni grandi artisti vissuti fra Ottocento e Novecento. Vere e proprie "visioni", in cui sono confluiti gli incubi, le angosce, ma anche l'estasi ispirata dal capolavoro di Dante Alighieri. Francesco Scaramuzza (1803-1886) è autore di una delle versioni iconografiche della Commedia più aderenti al testo dantesco. Famoso per la naturalezza delle immagini e per l'accurata riproduzione dei dettagli, fu ritenuto, dal letterato ottocentesco Luciano Scarabelli, il più valido illustratore dell'opera. Più note al pubblico sono invece le tavole disegnate dal francese Gustave Doré (1832-1883): con tratti robusti, marcati e decisi, propri della tecnica incisoria, seppe cogliere bene gli aspetti più realistici dell'opera dantesca, seppur con un predominio dei toni cupi anche al di fuori dell'Inferno. Uno dei più significativi illustratori danteschi del Novecento è infine Amos Nattini (1892-1985). A partire dal 1919, incoraggiato da Gabriele D'Annunzio, realizzò una grandiosa serie di cento tavole a corredo di una speciale edizione della Divina Commedia, che riscossero un notevole successo: la sua pittura, minuta e delicata, conferisce all'opera un'atmosfera quasi fantasy, fatta di sospensione e di incanto, dove il dramma è più accennato che realmente descritto.

Il volume è dedicato all'opera dello scultore britannico Tony Cragg (Liverpool, 1949), unanimemente considerato uno dei più importanti artisti sulla scena contemporanea. Attraverso circa quaranta sculture e assemblaggi, e cento fra disegni e incisioni, il volume - edito in occasione di un'ampia retrospettiva ospitata a Lugano - permette di ripercorrere la carriera di Cragg dalla fine degli anni settanta fino alle creazioni più recenti. Un'occasione importante per apprezzare la straordinaria varietà di forme e soluzioni creative adottate dall'artista nel corso degli anni, e per scoprire i meccanismi ideativi nonché le fonti di ispirazione che sono alla base delle forme più rivoluzionarie del suo linguaggio. Il volume accoglie i testi dei curatori, un'intervista inedita a Tony Cragg e apparati biografici.

Le immagini che compongono il catalogo della mostra Icons rappresentano l'espressione massima della fotografia di Elliott Erwitt. Selezionate a una a una da Erwitt, e da lui commentate in esclusiva, le sue "Icone" sono le immagini che raccontano la Storia e che hanno attraversato il tempo: Kennedy, Che Guevara, Krusciov e Nixon, gli incontri con le grandi attrici come Marilyn Monroe, Marlene Dietrich e Grace Kelly. E poi i suoi cani, la sua poetica, la sua ironia... Icons è un viaggio unico nel mondo di Elliott Erwitt; un viaggio da fare con lui, attraverso le sue fotografie e le sue parole.

Questo volume propone una riflessione su uno degli aspetti più rilevanti dell'arte contemporanea negli Stati Uniti, che dall'11 settembre 2001 all'odierna crisi finanziaria hanno visto cadere certezze di invulnerabilità e di sicurezza economica e sociale. Già dagli anni Cinquanta, molti artisti americani hanno analizzato o criticato l'idea di sogno: la promessa di successo e felicità, come base dello stile di vita americano, continuamente alimentato dall'immaginario hollywoodiano e dall'estetica promossa dalle campagne pubblicitarie delle grandi multinazionali, dalla Coca Cola alla Disney. Oggi il sogno americano sembra essere però entrato in crisi, ma uno spirito di ottimismo, una capacità di immaginazione e la volontà di credere sempre in un futuro a lieto fine sono ancora parte integrante dell'idea stessa di America. Artisti americani di diverse generazioni riflettono queste tensioni e impulsi nelle loro opere, attuando una sorta di fuga dalla realtà e di rifugio in mondi alternativi, sicuri e soprattutto controllabili. Opere che si basano su un'estetica nutrita di immagini fantastiche e da sogno, creature fiabesche o immagini dei media, ma anche veri e propri mondi paralleli che esplicitamente rifuggono la "vera" realtà a vantaggio di una realtà di successo e splendore, anche se solo immaginata. Fuggire dalla realtà diviene un modo per combattere la complessa difficoltà del presente.