Mimesis: Cinergie

Il volume offre un’analisi approfondita dell’emergente stardom italiano e ne interroga il ruolo nei meccanismi di ridefinizione della fama, con il contributo dei media tradizionali e digitali. L’opera passa in rassegna la proposta audiovisiva italiana contemporanea teen oriented, uno dei principali terreni di formazione delle giovani celebrità attoriali. Ampio spazio è dedicato alle pratiche di self branding dei performer, al loro rapporto con i valori distintivi della Generazione Z e alle strategie di consolidamento di un’immagine “normalizzata” e “autentica”. Il confronto con il contesto internazionale amplia la prospettiva e illustra l’interazione delle dinamiche e dei prodotti culturali nazionali con le tendenze globali di rappresentazione delle celebrità. Dall’identità di genere all’identità culturale, fino alla salute mentale, uno sguardo ai nuovi volti dell’audiovisivo, con l’obiettivo di fornire una riflessione critica sull’evoluzione della fama nell’era digitale, globalizzata e iperconnessa.

Questo volume è dedicato alla poliedrica figura di Lorenzo Pellizzari (1938-2016) e alla complessa rete di rapporti professionali e personali che il critico cinematografico ha intrecciato nel corso della sua carriera. Attraverso l’analisi della sua corrispondenza privata con altri critici, il libro esplora la definizione e l’evoluzione della professione critica nel tempo, mettendo in evidenza i rapporti politici e di potere che hanno contribuito all’istituzionalizzazione della critica cinematografica in Italia. Attivo fin da giovanissimo nel Centro Universitario Cinematografico milanese, Pellizzari ha collaborato come redattore per riviste specializzate di prestigio come “Cinema Nuovo”, “Cinema e cinema” e “Cineforum”. Inoltre, è stato curatore di mostre, collane editoriali e organizzatore di concorsi per giovani critici, affermandosi come una figura paradigmatica e al contempo unica nella storia della critica cinematografica italiana.

Il libro analizza il ruolo paradigmatico della band noise/art rock Sonic Youth all’interno della cultura visuale e mediale, soprattutto degli anni ’80 e ’90. La produzione audiovisiva del quartetto travalica i contenuti musicali raccordandosi alla Pop Art, all’Appropriation Art, all’arte concettuale e al cinema underground attraverso gli esiti di una serie di collaborazioni emblematiche, soprattutto nella forma del videoclip e del film. Emersi dalla scena artistica di downtown New York di inizio anni ’80, con l’influenza del punk e della no wave, i Sonic Youth creano un sistema di relazioni che traspone e articola al proprio interno il concetto di “scena culturale”, diventando motori del paradigma di una “indie culture” che dagli Stati Uniti ha influenzato il resto del mondo. In questo network Do-It-Yourself – trans-locale ed espanso – di musicisti, artisti e film-maker, la band ha attivato strategie artistiche e comunicative più ampie incentrate sul corpo (body, corpse, youth) visto come epicentro della cultura americana, che mirano a rimettere in discussione le convenzioni di genere (come music genre, gender, film genre).

Roma, Parasite e Drive My Car sono tre opere realizzate fuori dall’orbita occidentale che hanno fatto breccia nel sistema distributivo conquistando attenzione, premi e pubblico su scala internazionale. Al momento rappresentano ancora dei casi eccezionali, ma il loro successo è indice di importanti cambiamenti in atto. Questo volume propone un confronto tra le industrie cinematografiche e i mercati di otto diverse regioni del mondo che oggi si segnalano per produttività e dinamismo: Unione europea, Cina, Corea del Sud, Giappone, India, Nigeria, Messico e Stati Uniti. I vari capitoli mostrano come queste realtà si differenzino per modelli organizzativi, infrastrutture, ambizioni, successo, permeabilità a titoli stranieri e politiche pubbliche di riferimento, portando alla luce anche le forme di collaborazione e competizione che sussistono tra loro, in un panorama cinematografico ormai sempre più policentrico e pronto a mettere in discussione equilibri che apparivano consolidati. Prefazione di Giacomo Manzoli.

Quali sono i videogiochi made in Italy? E che immagine dell'Italia forniscono? Il videogame nel Bel Paese esprime caratteri di cultura nazionale tanto nelle produzioni nostrane quanto nell'adattamento e nella ricezione culturale dei prodotti esteri. I contributi di questa raccolta, firmati da ricercatori italiani e internazionali, trattano della fruizione e della produzione italiana di questi prodotti, della rappresentazione del nostro paese, delle relazioni tra giochi, fumetti, cinema, sport e brand nazionali, delle comunità di giocatori, critici e studiosi e del crescente riconoscimento istituzionale del medium come veicolo per la promozione del patrimonio storico-culturale. Prefazione di Peppino Ortoleva.

In uno scenario mediale in rapida evoluzione, che possibilità si aprono per la critica cinematografica e lo studio dei film? Questa analisi si focalizza in particolare sui video essay, una fra le tante pratiche contemporanee di sperimentazione audiovisiva. Riciclando, rimontando e remixando le immagini cinematografiche, il video essay si pone come pratica critica e di ricerca, ma anche come forma poetica e ludica.

L’attenzione accademica che si sta progressivamente concentrando sui servizi di video on demand è pari quasi alla destabilizzazione che il più ampio settore della distribuzione di contenuti mediali ha subito complessivamente negli ultimi anni, e si è tradotta in un’ampia riflessione sull’impatto di player come Netflix e Amazon Prime Video, sulle reazioni degli operatori tradizionali della filiera e dei policymaker, sui fenomeni di disintermediazione o, al contrario, di re-intermediazione, sulla qualità dell’accesso per i consumatori. Di questo scenario controverso, polarizzato, sbilanciato, instabile, che per certi aspetti cambia rapidamente e per altri resiste caparbiamente ai cambiamenti, questo libro prova a scattare un’istantanea, che inquadra i mutamenti in corso (soprattutto, ma non esclusivamente, nel contesto italiano) in una prospettiva più ampia, e li interpreta nei diversi aspetti economici, tecnologici, giuridici, socio-culturali: l’emergere di nuovi modelli di business, le ipotesi di revisione dei quadri normativi, i rapporti tra distribuzione e produzione, il ruolo rinnovato degli utenti nella circolazione dei contenuti.

Un film produce sensazioni, raggiunge e colpisce lo spettatore attraverso la sensazione, che è un orizzonte fondamentale per capire le dinamiche dei film e i loro modi di cattura del pubblico. Questo volume costituisce una prima avventura in un territorio ancora poco studiato. I diversi contributi presentati propongono riflessioni teoriche, ricerche storiche e analisi filmiche intorno ad alcune questioni rilevanti: la centralità delle dinamiche della sensazione non solo nel lavoro dello spettatore, ma anche nel funzionamento del film e nei suoi meccanismi costruttivi; il rapporto tra sensazione, emozione e affetto; la rilevanza della sensazione nei discorsi scientifici sul cinema del primo Novecento e nel pensiero di Deleuze, e le modalità di produzione della sensazione in autori come Bunuel e Lynch, Cronenberg e Almodovar. È un variegato percorso interpretativo che delinea un iniziale orizzonte di riflessione e sollecita altre ricerche, nella prospettiva di sottrarre gli studi di cinema alla freddezza dei metodi tradizionali e di riconoscere i film come avventure della sensazione e dell'intensità.

"In gioco e fuorigioco" indaga uno dei fenomeni che meglio definisce il nostro presente, la progressiva ludicizzazione della realtà, un processo declinato in forme diverse e spesso non immediatamente evidenti. In esso coesistono l'idea di gamification, legata al marketing e all'affermazione del potere del gioco in senso pervasivo e critico, e la considerazione dell'universo mediale contemporaneo come ambiente ideale per il realizzarsi di un più generale "fare ludico". Attraverso un approccio a cavallo fra media studies, semiotica dell'esperienza e teorie del gioco, il testo indaga oggetti e fenomeni significativi che ci circondano, da un lato per ridiscutere la sfuggente definizione generale di "ludico", dall'altro per osservare e descrivere la situazione della realtà contemporanea sotto la lente del paradigma "semi-ludico".

In alcune serie televisive conosciamo personaggi, vicende sociali, politiche e storiche che prendono vita in mondi assolutamente differenti, utopie localizzate in contro-spazi. Questo volume si propone di ragionare sulla scrittura e la costruzione di luoghi e personaggi dell'immaginario contemporaneo a partire da Mutino a True Blood, passando attraverso Battlestar Galactica, Bates Motel, Grimm, Person of Interest, Lost, Heroes, fino ad arrivare a The Walking Dead, Les Revenants, Game of Thrones. Mondi e figure indefinibili, a volte utopie, altre volte eterotopie: "spazi differenti, luoghi altri, una specie di contestazione al contempo mitica e reale dello spazio in cui viviamo".

Cosa hanno in comune una caffetteria di Caracas, l'industria audiovisiva nigeriana, l'interfaccia di iOS, Susan Boyle, i film gialli italiani e uno sgangherato cineclub brasiliano? Apparentemente nulla. Se non fosse per quel minimo comune denominatore noto ai più come "pirateria digitale". Questa lista eterogenea rende perfettamente conto delle mille sfumature di un fenomeno articolato e sfuggente che il volume cerca di cogliere attraverso una molteplicità di approcci analitici e di studi di caso. Al fine di affrontare la complessità delle forme di file-sharing, la continua ridefinizione di pratiche d'uso dei contenuti mediali, le strategie delle industrie culturali e i provvedimenti legislativi adottati, i contributi di ricercatori nazionali e internazionali, e di professionisti del settore forniscono un quadro d'insieme approfondito, attraverso il quale comprendere le trasformazioni che la pirateria sta imponendo all'intero sistema dei media. Il volume contiene saggi di: Thomas Apperley, Luca Barra, Roberto Braga, Oliver Carter, Giovanni Caruso, Sam Ford, Nicolò Gallio, Ercilia Garcia Àlvarez, Daniel Garcia Gonzàlez, Joshua Green, Henry Jenkins, Marcin de Kaminski, Stefan Larsson, Jordi Lopez Sintas, Marta Martina, Gabriel Menotti, Ivan Mosca, Francesca Musiani, Guglielmo Pescatore, Sheila Sànchez Bergara, Massimo Scaglioni, Aram Sinnreich, Mans Svensson.