Electa: CATALOGHI DI MOSTRE

Tutti i titoli di Warhol: la miriade di lavori che l'artista ha tratto dai tabloid e da altri mezzi di comunicazione viene qui esaminata per la prima volta come un corpus coerente. Ossessionato dalla notizia, Andy Warhol ha celebrato l'evento sensazionale come la banalità del quotidiano. Scegliendo i titoli dalle pile di quotidiani e materiali che passava al setaccio ogni giorno, l'artista ha realizzato un insieme di opere di grande impatto in cui la sua biografia si intreccia con le notizie sulle celebrità e i disastri. Questi headline works, realizzati in formati diversi - opere in due e tre dimensioni, ma anche film, video e produzioni televisive - registrano in tempo reale i grandi cambiamenti delle tecnologie utilizzate dai mezzi d'informazione dagli anni cinquanta al 1987, anno della morte dell'artista. Il presente volume accompagna una mostra che attraverso oltre 80 opere documenta tutte le fasi della carriera di Andy Warhol. Il percorso espositivo inizia con i primi disegni e dipinti tratti dai titoli dei giornali, continua con le serigrafie, le stampe, le fotografie e le opere su supporto elettronico e si conclude con i lavori eseguiti in collaborazione con Keith Haring e Jean-Michel Basquiat. Attraverso i contributi illuminanti degli autori dei saggi, le riproduzioni degli headline works, delle fonti da cui sono tratti e di esempi degli album privati in cui Warhol conservava i suoi ritagli, questo volume dimostra tutta l'efficacia della pratica artistica di Andy Warhol.

Con il contributo di professionisti, teorici e critici internazionali questo volume mette in risalto a 360 gradi l'impatto del fenomeno attraverso l'arte e il design. Documenta e approfondisce l'influenza sviluppata sull'architettura, gli interni, l'urbanismo; sulla produzione, la grafica e l'arredamento di design; sulla moda e l'industria dello stile; oltre alla fotografia, sui film, la televisione e i video da MTV a Grace Jones, da White Noise a Bladerunner, da Thierry Mugler a Comme des Garçons.

Tra le fine del XIX e l'inizio del nuovo secolo si arriva al totale riconoscimento dell'invenzione e dell'originalità come momenti propri dell'iter fotografico, della autonomia e della natura estetica delle sue immagini. Anche la natura meccanica del mezzo e la sua iper-oggettività può essere interpretata ormai come scelta individuale dell'artista. Seguendo così le vicende dell'arte italiana dal 1850 ad oggi, il percorso espositivo si snoda attraverso la focalizzazione dei più significativi momenti storico-artistici e storico-fotografici, soffermandosi e valorizzando artisti e opere selezionati dalle collezioni della Galleria nazionale d'arte moderna e dall'Istituto nazionale per la Grafica. Il volume è generosamente illustrato per dare evidenza visiva all'intensità degli scambi tra i differenti mezzi espressivi; introducono il libro un saggio di Marina Miraglia sulla storia della fotografia, un testo di Silvia Bordini sugli scambi la tra pittura e la nuova tecnica ed un testo di Andrea Cortellessa sul rapporto tra letteratura e immagine. La mostra è incentrata sull'intenso rapporto tra le arti e la fotografia, dagli albori della nuova tecnica, quando la fotografia è utilizzata sia come modello e strumento del lavoro pittorico, sia come veicolo di diffusione della produzione artistica, alla progressiva affermazione come mezzo di espressione autonomo.

Si aprono gli archivi e i depositi del Museo per raccontare, ad esempio, lo scandalo suscitato dall'acquisizione di un'opera di Burri nel 1959, che provocò un'interrogazione parlamentare, o ricostruire il contesto e le relazioni che portarono ad acquisizioni di inestimabile valore come la serie di opere di Pascali, Medardo Rosso, Capogrossi e molti altri. Nuclei che da soli descrivono l'intera parabola di un artista. Un racconto ricco di notizie e curiosità, filologicamente documentato e illustrato dall'inedito materiale dell'immenso archivio della Galleria: fotografie dell'epoca, documenti autografi, inviti, rassegna stampa, documentazione di allestimenti di mostre, testimonianze, nonché dalle immagini degli scenografici allestimenti che si succederanno negli spazi della Galleria. Cuore del libro saranno le grandi collezioni monografiche della Galleria, qui considerate nella loro completezza, includendo le opere esposte e le opere conservate nei depositi; ciascuno di questi nuclei sarà corredato da una scheda critica, dal regesto delle opere e della ricca documentazione presente negli archivi. Ogni volume avrà un saggio critico di approfondimento inerente a strumenti e problematiche riguardanti la storia del collezionismo della Galleria, quali: i depositi, il restauro, la conservazione, gli archivi e molto altro. Inoltre, ad uno scrittore o critico d'arte sarà affidato un testo di memorie e aneddoti: nel primo volume il filo dei ricordi sarà quello di Lorenza Trucchi...

"...l'impetuosità di Fazzini, l'analisi di Boccioni e la sintesi di Fontana, la meditazione di Licini e la spontaneità di Leoncillo, la costruzione dei Melotti e la sensazione di Novelli assunti come valori che debbono concorrere all'articolazione logica di quell'unità funzionale che è la scultura." Così Giuseppe Appella descrive l'opera dell'artista e amico Giacinto Cerone. Nato a Melfi nel 1957, dove esordisce con mostre e performance, l'artista manterrà un costante legame con la regione d'origine pur trasferendosi definitivamente a Roma nel 1984. Scompare prematuramente nel 2004 interrompendo una ricerca rivolta alla continua sperimentazione di tecniche e materiali - dai gessi alle ceramiche, dal marmo al legno, fino alle più audaci combinazioni con materiali industriali, quali il moplen, il polietilene e il silicone - con i quali ha da sempre instaurato un rapporto emotivo e fisico. Attraverso una significativa selezione di lavori, il catalogo offre l'occasione di conoscerne l'intera opera dal percorso indipendente, oscillante tra suggestioni concettuali e fisicità espressiva e quindi difficilmente collocabile all'interno di correnti e movimenti delineati.

Il volume è il catalogo della mostra di Venezia (Palazzo Grazzi, 2 giugno 2011 - 31 dicembre 2011). L'esposizione mette in discussione i limiti tradizionali della geografia e dell'arte e il nostro rapporto tra l'altro e il mondo. Le opere esposte sono di diciotto artisti - Ahmed Alsoudani, Sergey Bratkov, Bouabré Bruly, Matthew Day Jackson, El Anatsui, Nicholas Hlobo, Thomas Houseago,Huang Yong Ping, Kami, Friedrich Kunath, Boris Mikhailov, Farhad Moshiri, Giuseppe Penone, Rudolf Stingel, Sun Yuan e Peng Yu, Ufan Lee, Yang Jiechang, Zhang Huan - provenienti da tutto il mondo, Francia, Stati Uniti, Germania, Italia, ma anche Sudafrica, Iran, Romania, Ucraina, compresi i Paesi al di fuori dei circuiti artistici ufficiali quali l'Iraq, il Kosovo, l'Ucraina, la Costa d'Avorio e il Ghana.

Il volume è il Catalogo della mostra di Roma (MAXXI, 4 marzo - 15 agosto 2011).

La descrizione delle opere, accompagnata da un'ampia galleria fotografica e dalle testimonianze degli autori coinvolti, si iscrive in un discorso teorico e narrativo più ampio: dall'identità storica del luogo, che coniugava in maniera esemplare una produzione industriale di eccellenza con un progetto di città utopica, luogo di sperimentazione di modelli sociali e compositivi, ai paesaggi messi in scena nella mostra "Terre Blu landscapes", che ripercorrono le ricerche sui rapporti di reciprocità tra design per l'abitare e per il territorio, alle qualità performative e ai nuovi orientamenti del design emersi dal convegno, come cultura progettuale che elabora strategie e strumenti "open innovation" nello scenario post-industriale.

Il 6 dicembre 2010 ha aperto al pubblico il Museo del Novecento di Milano, rinnovando il progetto del Cimac (Civico Museo d'Arte Contemporanea), chiuso dal 1998. Dai punti di forza delle grandi collezioni civiche milanesi nasce il modello di allestimento del Museo, dove sono descritti Futurismo, Spazialismo, Arte povera e i maggiori artisti del secolo, come Boccioni, Carrà, Soffici, de Chirico, Sironi, Martini, Morandi, Fontana, Manzoni, Kounellis e molti altri. In 26 sezione tematiche sono catalogate le ca. 270 opere in esposizione permanente: una selezione delle oltre 2.000 opere che costituiscono il patrimonio del Museo. Fra queste: il Quarto stato di Pelizza da Volpedo - che sarà esposto in uno spazio esclusivo, visibile dal pubblico senza dover accedere al Museo - il Trittico degli stati d'animo e la scultura Forme uniche di continuità nello spazio di Umberto Boccioni o La struttura al neon per la IX triennale di Milano di Lucio Fontana illuminata e visibile giorno e notte da Piazza Duomo.

Da Marina e L'inverno, opere conservate alla GAM, si sviluppa una lettura del peculiare astrattismo di Osvaldo Licini, lontano da quello degli altri pittori italiani. Una pittura che è poesia, potentemente lirica, con cui si entra in contatto attraverso un percorso di raffronti con gli artisti che Licini ha percepito più affini alla propria sensibilità creativa: Matisse, Kandisky, Morandi, Modigliani e Klee.

Il 3 novembre 2010 inaugura a Roma la mostra CoBrA e l"Italia, realizzata dalla Soprintendenza alla Galleria nazionale d'arte moderna in collaborazione con l'Ambasciata del Belgio e l'Academia Belgica. L'iniziativa coincide con il semestre di presidenza belga dell.Unione europea e trae spunto anche dalla vicinanza fra la Galleria nazionale d.arte moderna e le Accademie di Belgio, Olanda e Danimarca, i tre paesi dai quali provenivano gli artisti e i poeti che, nel 1948, avevano scelto come nome del loro gruppo l.acronimo formato dalle iniziali delle città di Copenaghen, Bruxelles e Amsterdam. L'importanza di questo movimento per la storia dell'arte moderna in Europa è stata ampiamente riconosciuta, ma assai meno studiata, anche se non meno vitale, è la fase successiva allo scioglimento del gruppo, avvenuto nel 1951. Nello sviluppo di .CoBrA dopo CoBrA. svolse un ruolo importante la cittadina ligure di Albisola, famosa per la produzione della ceramica, dove già trascorreva l.estate Lucio Fontana e dove, nel 1954, si stabilì il danese Asger Jorn su impulso di Enrico Baj che, insieme con Sergio Dangelo, aveva presentato a Bruxelles nel 1952 il manifesto del "Movimento nucleare". La mostra mette in evidenza anche il collegamento fra la presenza di Jorn a Albisola, l'influsso delle sue sculture in ceramica in Belgio e il rilancio di CoBrA tentato da Christian Dotremont a Bruxelles dopo il 1954.

Il volume è il catalogo della mostra di Roma, (Académie de France à Rome, Villa Medici, 14 ottobre 2009 - 3 gennaio 2010). L'esposizione presenta una grande retrospettiva dedicata all'opera di Gérard Garouste, Le Classique et l'indien, tra gli artisti più significativi della scena artistica francese contemporanea. La mostra si snoda attorno a una quarantina di tele. Punto di partenza del percorso sono una serie di ritratti, commissionati anonimamente, da persone note o vicine all'artista, che costituiscono un ritorno al classico, alla tradizione pittorica: un confronto con il realismo e con la somiglianza rispetto ai modelli. È poi la volta delle opere raffiguranti le varie tematiche affrontate dall'artista per un periodo di oltre vent'anni, quali i testi classici, da Rabelais (la Diva Bacbuc), a Dante (La Divina Commedia) e Cervantes (Dom Quijote), come anche la rappresentazione della propria vicenda personale. Sculture, dipinti a olio e indiane (grandi panni di tela, sospesi alla maniera degli arazzi) completano la mostra. Nell'Atelier del Bosco, nei giardini di Villa Medici, la retrospettiva si chiude su alcuni lavori che rievocano Tal la Rosée, una storia ispirata al Pentateuco.